Basket Case 3, de Frank Henenlotter ***

Quando esteve em Porto Alegre como diretor homenageado na edição 2014 do FANTASPOA, Frank Henenlotter comentou em uma sessão que “Basket Case 3” (1992) teve uma realização tão difícil devido à pressão de produtores que fez com que o cineasta não se motivasse a fazer um novo longa por mais de uma década. Tais problemas de bastidores realmente transparecem ao se assistir à obra em questão. Nesse novo capítulo da saga do monstro Belial e seu apatetado gêmeo “humano”, a narrativa não tem aquela pegada demencial e perturbadora da produção original de 1982. Ainda assim, está longe de ser um trabalho desprezível de Henenlotter. O diretor investe numa linha mais cartunesca e escrachada – por vezes, o filme parece uma esquisita mistura entre Muppets e “Gremlins” (1984). E mesmo o gore, ainda que mais atenuado em relação às partes anteriores, rende alguns sequências antológicas de escatologia e sardônica violência gráfica. Com todas as limitações criativas que Henenlotter afirma ter sofrido, “Basket Case 3” é uma produção bem acima da média e mais ousada do que aquilo que se tem feito no horror cinematográfico nos últimos tempos, gênero esse que vem sendo tomado por uma assepsia irritante.

Bem-vindo a Nova York, de Abel Ferrara ****

Nos letreiros iniciais de “Bem-vindo a Nova York” (2014), há o aviso de que o filme se baseia livremente no caso real do estupro de uma camareira de hotel envolvendo o então diretor-presidente do FMI, Dominique Strauss-Khan, ocorrido em 2011. Além disso, há uma entrevista (falsa ou verdadeira?) com o ator Gerard Depardieu discorrendo sobre a sua predileção por interpretar pessoas as quais não aprecia. Nesse “discurso sobre o método”, o diretor Abel Ferrara já deixa claro que o que importa para ele é muito mais a simbologia desses fatos do que a recriação fidedigna deles. Dessa forma, acaba criando uma espécie de parábola moral para os tempos modernos. A intensa encenação concebida pelo cineasta é excessiva na sua profusão de devassidão e cinismo, mas esse exagero não é gratuito – o vórtice de hedonismo sem fim em que o protagonista Devereaux (Depardieu) se insere possui um caráter metafórico contundente. As longas seqüências de sexo não possuem um caráter erótico. Na visão do filme, as travessuras sexuais de seu personagem principal refletem uma carga de dominação econômica e social de Devereaux sobre aqueles que o cercam, fazendo lembrar a perturbadora conjunção sexo-dominação-morte de “Saló – Os 120 dias de Sodoma” (1975) de Pasolini. Tal submissão se manifesta no sexo pago com prostitutas, nos atos forçados com a camareira e uma jornalista e até mesmo na entrega voluntária de uma jovem e bela estudante de Direito encantada pela aura de poder de Devereaux. Mas aqui não há a solução fácil de uma expiação de pecados a redimir os personagens: mesmo quando preso, Devereaux não demonstra quaisquer traços de arrependimento, e pouco depois seu poder econômico e social sufoca as possibilidades de punição para os seus atos brutais. No fundo, ele sabe que sua conduta é legitimada por uma sociedade que o vê como vencedor.

No registro da perversa saga de Devereaux, Ferrara adota um formalismo admirável no seu rigor e elegância narrativa e que entra em contraste genial com a linha temática da trajetória de excessos do personagem. O cineasta constrói uma estranha e sombria atmosfera que varia entre luxuosos ambientes a meia-luz e a luminosidade asséptica de aeroportos e prisões que parecem refletir tanto o universo à parte de orgias ilimitadas do protagonista quanto o seu inferno pessoal ao sofrer um esboço de alguma punição. E fundamental também nas intenções artísticas da obra é a caracterização monumental de Depardieu. Sua interpretação traz nuances variadas, indo desde o naturalismo tradicional até a toques metalingüísticos com o ator conversando diretamente com o espectador. Seu trabalho corporal e expressivo é impressionante – Devereaux pode ser repugnante nos seus grunhidos animalescos, mas também encantador no seu carisma diabólico. Até a pança proeminente dele acaba funcionando como um recurso dramático marcante!

Antes do inverno, de Phillipe Claudel ***

Mesmo obedecendo a uma ordem narrativa típica do cinema francês “de qualidade”, “Antes do inverno” (2013) consegue se sobressair por algumas interessantes nuances. A trama em um primeiro momento foca suas atenções no drama corriqueiro de um casal de meia-idade em crise sentimental. Aos poucos, o roteiro evolui para algo mais profundo e inquietante, ao mostrar o protagonista Paul (Daniel Auteuil), um bem sucedido neurocirurgião, tornar-se obcecado por uma misteriosa e instável jovem (Leila Bekthi) que se prostitui nas horas vagas. Mais do que uma simples aventura sentimental, a obsessão do personagem corresponde também a uma viagem por um mundo desconhecido que se contrapõe ao conforto asséptico de sua vida pequeno-burguesa. A atmosfera do filme é de uma tensão difusa, em que as intenções e desejos dos indivíduos nunca ficam claros. A descida de Paul a um submundo que não compreende e o confunde faz lembrar as aventuras eróticas e existenciais daquele protagonista de “De olhos bem fechados” (1999). O diretor Philippe Claudel pode não ter o mesmo preciosismo formal de Kubrick, mas consegue algumas soluções estéticas e temáticas eficientes em “Antes do inverno”, principalmente no expressivo contraponto que faz entre um estilo “clean” de filmar e editar com o teor obscuro de sua trama. A perturbadora conclusão do filme é uma contundente síntese dessa abordagem artística de Claudel.

Magia ao luar, de Woody Allen **1/2

É recorrente em críticas e comentários realizados sobre alguns filmes de Woody Allen a percepção de que o diretor estaria se repetindo e instalado numa espécie de zona de conforto artística. Essa aparente preguiça criativa, entretanto, pode ser em ilusória. Allen é um dos poucos cineastas atividades que traz em cada um dos seus filmes uma particular visão de mundo. As tramas escritas por ele representam uma espécie de compêndio de suas neuroses e obsessões temáticas. Assim, nada mais natural que assuntos e situações volta e meia tornem a aparecer em suas produções. Mesmo o seu habitual padrão formal representa uma espécie de depuração de um estilo de filmar. Dentro dessa linha de pensamento, por várias vezes alguns de seus filmes foram criticados na época de lançamento e com o passar do tempo foram reavaliados de forma positiva tanto por receberem um olhar mais cuidadoso por parte de crítica e público quanto pelo fato da maneira como se contextualizaram dentro de sua filmografia. Dito tudo isso, dá para dizer com tranquilidade que “Magia ao luar” (2014) é um dos piores trabalhos de Woody Allen. E não pela geralmente alegada sensação de deja vu, mas simplesmente pelo fato de uma execução por vezes equivocada e insossa. Estão ausentes do roteiro aqueles típicos tons de sutileza do cineasta – todo o subtexto da trama é dito expressamente nos diálogos. Por falar neles, as falas não tem a graça e sagacidade que o espectador tem o costume de ver numa obra de Allen: a excessiva verborragia é cheia de obviedades e até induz ao sono em alguns momentos. E isso se agrava pelas interpretações caricatas e superficiais em demasia de Colin Firth e Emma Stone, a dupla de protagonistas. Esse conjunto de deslizes resulta numa narrativa cansada e que em determinadas sequências faz com que o filme pareça uma comédia romântica qualquer e não uma obra de Woody Allen. O que faz com que “Magia ao luar” não seja um total desperdício artístico é que em algumas tomadas fica visível uma elegância no filmar, principalmente nas cenas iniciais que se passam em Berlin, em que belos planos-seqüência e a estilizada direção de arte oferecem um refinado encanto visual. Mas em se tratando do diretor em questão, isso acaba sendo muito pouco...

Lucy, de Luc Besson **

Não dá para dizer que o diretor francês Luc Besson não buscou algum traço de ousadia em “Lucy” (2014). A partir de uma premissa simples, a da garota que ganha superpoderes a partir da ingestão involuntária de drogas desconhecidas, ele poderia ter enveredado para uma rotineira produção de aventura de super-heróis. Ao invés disso, concebeu uma estranha obra envolvendo ação frenética e divagações filosóficas/existenciais. E vindo do mesmo cineasta responsável pelo clássico policial “O profissional” (1994), é claro que a expectativa pode ser grande. Apesar das ideias interessantes de Besson, todavia, a execução formal é bastante truncada. O entrelaçamento entre seqüências de pancadaria e tiroteio com momentos contemplativos não apresenta fluência narrativa, fazendo com que o filme por vezes fique enfadonho. Para piorar, a edição é cheia de “espertezas”, com um excesso de cortes que faz “Lucy” ter um ar videoclipeiro datado. Mesmo as cenas de ação têm uma concepção pouco imaginativa e de pouco impacto, com Besson regurgitando clichês estéticos de forma preguiçosa. É claro que algumas trucagens apresentam certa criatividade e encanto visual. No seu resultado final, entretanto, “Lucy” faz pensar numa esdrúxula e indigesta equação: a do publicitário fã de “Matrix” (1999) e Tarantino que resolve fazer a sua versão de “2001: Uma odisséia no espaço” (1968). E pode crer que isso não é um elogio...

Basket Case 2, de Frank Henenlotter ***

A conjunção cinema e horror típica do diretor norte-americano Frank Henenlotter permanece presente em “Basket Case 2” (1990). Nessa continuação da obra original de 1982, as condições de produção são bem mais profissionais, o que fica evidente nos efeitos especiais e maquiagem, fundamentais na esquisita caracterização de monstros e freaks que surgem aos borbotões ao longo da narrativa. A melhora no orçamento, entretanto, rouba bastante da atmosfera demente do primeiro filme, não havendo tanto daqueles climas perturbadores em que o riso e o susto se entrelaçavam de forma natural. Por vezes, o filme chega a ficar agridoce na ênfase em histórias de amor e no tom de denúncia sobre preconceitos. Se não fossem algumas passagens bem sanguinolentas e o visual escatológico de algumas das criaturas, daria até para encarar como uma divertida Sessão da Tarde. Mesmo assim, esse tom mais ameno, provavelmente imposto por produtores, não tira o forte traço autoral de Henenlotter. O terço final de “Basket Case 2”, em especial, revela o corrosivo senso de humor doentio do cineasta, mostrando que ele será um eterno talento outsider.

Basket Case, de Frank Henenlotter ***1/2

A conjunção entre horror e comédia se deu em vários e diferentes momentos dentro da história do cinema. Mesmo no Brasil tal vertente encontrou espaço, vide algumas pérolas do "terrir" de Ivan Cardoso. É inegável, entretanto, que o diretor norte-americano Frank Henenlotter atingiu um patamar singular nessa combinação. "Basket Case" (1982) é exemplo claro disso. Os efeitos especiais podem parecer precários devido ao orçamento apertado, especialmente na caracterização visual do monstro protagonista, e fazer parecer que o filme seja uma produção trash oitentista qualquer. Com o desenrolar da trama, essa aparente tosquice gráfica acaba se revelando de um impacto imagético impressionante em virtude da criatividade formal de Henenlotter. Por mais que a trama possa ser absurda nos seus exageros melodramáticos e caia no francamente ridículo por vezes, o cineasta estabelece uma constante atmosfera de sordidez e sarcasmo na história de dois irmãos gêmeos ex-siameses (um monstro, outro "normal") que buscam vingança contra os médicos que realizaram a operação que os separaram na infância. Pode-se até rir das bobagens que aparecem no roteiro, mas também há uma tensão efetiva nas cenas de violência sanguinária e dilemas morais dos personagens. Além disso, poucas vezes Nova Iorque teve o seu lado obscuro e decadente tão bem registrado quanto nas tomadas de quartos de hotéis vagabundos e becos sujos que grassam na narrativa de "Basket Case", sendo esse mais um dos fatores que levaram essa produção de Henenlotter a ser tornar uma dos mais cultuados trabalhos da cinematografia independente norte americana dos anos 80.

Um outro mundo, de Richard Stanley ***1/2

A trajetória artística do diretor sul-africano Richard Stanley é bastante emblemática do comportamento da indústria do cinema nas últimas décadas. Diretor de clássicos cult do gênero fantástico na virada anos 80 para os 90 ("Hardware - O destruidor do futuro", Dust Devil - O colecionador de almas"), Stanley viu as oportunidades para filmar minguarem de forma considerável pelo fato do sua abordagem autoral do cinema de gênero (principalmente na vertente horror) não encontrar espaço em um mercado cada vez mais asséptico e despersonalizado. Assim, a forma de se ver alguma produção recente de Stanley é em trabalhos independentes como esse "Um outro mundo" (2013). Na primeira impressão, trata-se de um documentário onde o cineasta fala sobre a região francesa Montségur, onde reside na atualidade, e que segundo Stanley seria local onde há uma espécie de portal para outras dimensões. A narrativa é um híbrido esquisito entre técnicas documentais tradicionais e encenações de experiências místicas transcendentais do diretor. Pode até ser que o espectador ache tudo uma grande picaretagem em relação às teorias metafísicas de Stanley e de alguns dos idiossincráticos depoentes que aparecem ao longo da trama, mas periga também ficar fascinando pela engenhosidade de uma narrativa envolvente na exposição de histórias fantásticas e pelas peculiares visões de mundo expostas pelos seus personagens outsiders. Além disso, tal junção entre realidade e fantasia também serve como libelo pessoal de Stanley contra uma sociedade ocidental cada vez mais imersa num modo de visa desumanizado e repressor, onde não há espaço para a fantasia e a criatividade. "Um outro mundo" também reforça  o forte caráter autoral que sempre marcou a cinematografia de Stanley - as mulheres guerreiras, a visão desesperançada em relação ao futuro e o gosto pelo fantástico são elementos que frequentemente nortearam as produções do cineasta.

Dust Devil - O colecionador de almas, de Richard Stanley ***1/2

Assim como já havia ocorrido em "Hardware - O destruidor do futuro" (1990), o diretor sul-africano Richard Stanley consegue um notável feito em "Dust Devil - O colecionador de almas" (1992) ao estabelecer uma forte marca autoral dentro dos padrões formais e temáticos pré-estabelecidos do cinema de gênero (no caso em questão, o horror). Dessa forma, também honra uma faceta importante do cinema B: a de "contrabadear" ideias artísticas mais ousadas no meio de uma aparente produção rotineira comercial. Contando novamente com uma bela trilha sonora climática de Simon Boswell, Stanley elabora uma narrativa que se constrói a partir de influências de faroeste espagueti, atmosferas oníricas/lisérgicas e até mesmo melodrama intimista, sabendo ainda extrair grandes momentos de beleza visual das desoladas paisagens dos desertos da África do Sul. O cineasta demonstra tamanha classe estética que consegue tirar de letra detalhes como clichês, orçamento reduzido e a canastrice geral do elenco, fazendo de "Dust Devil" um pequeno clássico cult/fantástico dos anos 90.

Eu e você, de Bernardo Bertolucci ***

É evidente que os anos que se passaram sem o lançamento de algum filme novo do diretor italiano Bernardo Bertolucci provocaram uma forte expectativa para “Eu e você” (2012). Ainda mais que a última obra do cineasta tinha sido o vigoroso “Os sonhadores” (2003). Nessa perspectiva, a produção mais recente em questão acaba sendo decepcionante – é provável que seja o pior filme da carreira de Bertolucci. Não há aquela perturbadora e sexy atmosfera desesperada de “O último tango em Paris” (1972) ou “O céu que nos protege” (1990), o rigor estético e emocional de “O conformista” (1970) e “La Luna” (1979) ou a narrativa juvenil vivaz de “Beleza roubada” (1996) e “Os sonhadores”. “Eu e você” soa mais como uma reciclagem de elementos formais e temáticos (incesto, desajuste juvenil, drogas, trilha sonora pop/rock and roll) que já tinham sido melhor explorados em produções anteriores. Mesmo assim, está longe de ser um filme ruim. Bertolucci preserva sua elegância e graça no filmar, criando algumas sequências memoráveis e extraindo atuações carismáticas da jovem dupla de protagonistas. Pode parecer pouco para quem já criou tantas obras-primas cinematográficas, mas ainda é acima da média em relação ao que tem aparecido nas telas nos últimos anos.

Bastardos, de Claire Denis ****

A diretora Claire Denis propõe uma sofisticada e perversa formatação em "Bastardos" (2013). Ela pega boa parte do clichês básicos de filmes policiais envolvendo vingança e investigação de fatos obscuros e os remodela sob uma ótica bastante pessoal. Quando o protagonista Marco (Vincent Lindon) envereda para um mundo sombrio em busca das razões que levaram ao suicídio de seu cunhado e ao declínio mental de sua sobrinha Justine (Lola Creton) o espectador pode ter até a impressão inicial que verá uma tradicional trama envolvendo busca de pistas, descobertas surpreendentes (ou nem tanto) e uma conclusão catártica envolvendo violência e redenção. Ocorre, entretanto, que para Denis interessa muito mais os liames psicológicos e a conotação simbólica da trama que expões do que elaboradas coreografias de tiros e lutas. O processo de descoberta dos segredos sórdidos que envolvem sua família não tem o significado apenas da solução de um crime, mas, mais impactante ainda, representam uma desolada jornada de autodescoberta existencial para o próprio protagonista, em que ficam evidenciados o seu vazio e alienação emocionais, não havendo possibilidade de seus pecados por inócuos atos de brutalidade. A rigorosa abordagem estética de Denis enfatiza ainda mais a atmosfera melancólica de desesperança do filme - encenação, fotografia e edição remetem a um cinema descarnado e objetivo, que dispensa floreios formais e elimina quaisquer possibilidades de abrandamento sentimental para os personagens. A conclusão de "Bastardos" é coerente com as intenções da diretora, tanto no anticlimática morte de Marco quanto na exposição das imagens granuladas de um vídeo amador mostrando o estupro de Justine com um sabugo de milho cometido pelo próprio pai.

That's sexploitation, de Frank Henenlotter ***

Para contar a história dos filmes que usaram (e usam) a nudez como seu principal atrativo, "That's sexploitation" (2013) contou com um diretor bastante adequado para tal temática, o norte-americano Frank Henenlotter, autor de notáveis podreiras oitentistas e capaz de perceber as nuances sacanas e históricas que o assunto poderia proporcionar. Henenlotter tem a sua disposição um vasto material de arquivo, com trechos de vários filmes de praticamente todas as décadas do século XX, além de contar com os depoimentos esclarecedores e engraçados de especialistas no gênero e até de produtores de algumas dessas obras. Henenlotter consegue estabelecer com clareza a evolução do "sexploitation" a partir dos diferentes contextos históricos em que o gênero se desenvolveu, fazendo com que o documentário sirva também como um interessante panorama da história do próprio cinema. A narrativa é convencional, por vezes enfadonha, mas o filme tem o seu encanto perverso e nostálgico ao retratar momentos da cinematografia mundial em que pudores estéticos e morais eram avacalhados de uma forma que oscilava entre o sardônico e  o ingênuo, evidenciando também que nos cínicos e assépticos dias atuais produções na linha "sexploitation" teriam suas realizações inviabilizadas por não obederecem a um padrão de cinema sanitizado e de "bom gosto".

Hardware - O destruidor do futuro ***1/2

Em um primeiro momento, "Hardware - O destruidor do futuro" (1990) poderia ser encarado apenas como uma cria típica da época em que foi lançado, na sua mistura de aventura futurista apocalíptica na linha "Mad Max" com terror B repleto de violência explícita. E isso não seria demérito algum - operando dentro dos lugares comuns habituai s dos gêneros em questão e contando com um orçamento bem abaixo das produções norte-americanas de grandes estúdios, o diretor sul-africano Richard Stanley, em seu longa-metragem de estreia, revela-se bastante eficiente na condução da narrativa ao combinar com maestria cenas de ação bem coreografadas, uma tensa atmosfera sombria, sanguinolência na medida exata e uma criativa direção de arte na caracterização visual de um futuro poeirento, sórdido e desolado. Além disso, Stanley consegue imprimir um toque pessoal e diferenciado em sua obra nas nuances metafísicas e metafóricas que acrescenta à trama. A simbologia que permeia o roteiro pode ser simples na contraposição de seus signos (a sensibilidade feminina da protagonista versus a aridez emocional da máquina assassina), mas ganha uma dimensão sensorial extraordinária em algumas sequencias, principalmente naquela da morte do amante da personagem principal, cuja encenação adquire um grau de poética religiosidade na forma sutil com que se desenrola. E a ótima trilha sonora de Simon Boswell, que faz lembrar os temas de faroeste-espaguete de Enio Morricone numa perspectiva eletrônica/rocker, coroa mais uma das escolhas artísticas acertadas de Stanley e é mais um dos motivos para que "Hardware" seja esse pequeno clássico da ficção científica a ser descoberto.

Não pare na pista, de Daniel Augusto *

Parece que Paulo Coelho e o pessoal da produção de "Não pare na pista" (2013) confundiram cinebiografia com vídeo institucional de autopromoção. É a única explicação para uma obra de concepção e execução tão equivocada quanto essa. E não adianta o diretor Daniel Augusto tentar engrupir com uma narrativa metida a moderninha ao estabelecer uma narrativa que se alterna em três planos temporais que se desenvolvem de forma simultânea, pois o recurso é nulo na sua falta de capacidade de extrair alguma efetiva tensão dramática - se Augusto tivesse optado por uma tradicional narrativa linear o efeito teria sido o mesmo. O formalismo do filme é mecânico e artificioso ao extremo: roteiro laudatório e sem noção de sutileza, elenco com composições dramáticas que parecem desconhecer nuances, direção de arte burocrática, fotografia de luz estourada e leitosa na linha publicitária. Tais escolhas artísticas desperdiçam o considerável potencial dramático dos fatos históricos que a produção pretendia retratar (Raul Seixas, por exemplo, é mostrado apenas como um bêbado oportunista com algum talento), preferindo se concentrar em manjadas lições de vida de superação ou em mal ajambrados conselhos místicos. Pior ainda: em nenhum momento se tem alguma mostra dos motivos estéticos e existenciais que fizeram da literatura de Coelho uma arte que cativou tantos leitores ao redor do mundo. Do jeito que ficou, "Não pare na pista" mais ficou parecendo uma ode a um barato arrivismo econômico e social, aos moldes do nefasto "Os dois filhos de Francisco" (2005).

Chef, de Jon Favreau **

A trama de "Chef" (2014) parece traçar um paralelo com a própria carreira artística de Jon Favreau, diretor do filme em questão, ao mostra a história do chef de cozinha Carl Casper (Favreau) que após ser demitido de um restaurante de prestígio e ter uma crise histérica com um crítico culinário acaba se tornando dono e principal cozinheiro de um velho trailler que vende sanduíches mexicanos, e nesse processo acaba reencontra a essência no prazer de cozinhar e até mesmo se torna um melhor pai para o seu filho pequeno. Esse roteiro pleno de clichês sobre superação e lições de vida afins evoca de forma metafórica o fato de que Favreau se projetou inicialmente como protagonista de "Swingers" (1996), um dos clássicos do cinema independente norte-americano dos anos 90, e depois acabou se integrando dentro do esquema das grandes produções de Hollywood, com destaque para situação de ter se tornado o diretor das duas primeiras partes da franquia milionária "Homem de ferro". Nesse sentido, Chef poderia representar uma espécie de volta às raízes de Favreau a produções de menor orçamento em nome de um cinema mais "humano" ou "artístico". Se a intenção era essa, contudo, o resultado final acaba deixando bastante a desejar. "Chef" é convencional em excesso e destituído de qualquer espécie de ousadia formal e temática. Tanto que lá pela metade do filme se fica com a impressão de que todos os conflitos estão resolvidos da forma mais fácil possível, não havendo praticamente nada de tensão dramática e restando ao longo da metragem um desfile incessante de pratos aparentemente bastante apetitosos (e calóricos) sendo elaborados e devorados. Ou seja, é até fácil de ver, mas também de esquecer... Há muito mais vida e criatividade em qualquer um dos dois filmes do "Homem de ferro" que Favreau dirigiu. E se alguém estiver interessado em ver "Chef" porque gosta de relação cinema e comida, vale muito mais a pena assistir (ou mesmo rever) a algumas obras-primas cinematográficas gastronômicas como "A comilança" (1973) ou "A festa de Babette" (1987).

Educação sentimental, de Julio Bressane ***1/2

A discussão sobre os limites entre meios de expressão como cinema, literatura e teatro é recorrente, em que se buscam conceitos que estabeleçam distinções sobre a “pureza” de tais linguagens. Assim, é comum se ler/ouvir expressões que até se tornaram lugares comum como “teatro filmado”, “cinema literário” e afins. Para Julio Bressane, entretanto, tais convenções parecem pueris. Seus filmes cada mais refletem um universo particular que faz sentido quase que exclusivamente dentro de sua filmografia. Na realidade, o leque é ainda mais amplo, pois inclui outras vertentes como cinema, dança e pintura. Nesse sentido, Educação sentimental (2013) é uma obra que se delineia a partir de ideias, sensações e obsessões que afloram dos devaneios do cineasta. Mas não se trata de mero cinema aleatório – essa gama de elementos variados passa pelo filtro de um rigoroso senso estético de Bressane, dando à narrativa uma coesão notável e desconcertante. E para que esse sofisticado formalismo se manifeste, fundamental é o trabalho criativo da direção de fotografia de Walter Carvalho, que envereda por aqueles enquadramentos e iluminação que evocam um estilo pictórico que beira o renascentista na sua disposição cênica e nos jogos de claro e escuro, recursos imagéticos esses que já tinham sido trabalhados com brilhantismo semelhantes em outras obras fotografadas por Carvalho como A febre do rato (2011) e A erva do rato (2008), esta última também dirigida por Bressane.

E por falar em A erva do rato, Educação sentimental é continuação natural daquele trabalho, não só pela cinematografia de Carvalho, mas também por nuances formais como os sinuosos diálogos literários, o roteiro carregado de simbolismos intrincados e a encenação anti-naturalista (essa última reforçada pela extraordinária atuação no estilo possessão de Josie Antello). Há, inclusive, também como em A erva do rato, as cenas nos créditos finais trazendo um “making-of” que apresenta o próprio processo de desenvolvimento criativo como matéria dramática para o filme. Em se tratando de Bressane, entretanto, não dá para falar em mera reciclagem – o que se vê na tela é o cineasta burilando atos e noções pouco usuais no cinema contemporâneo, mas que reforçam o papel do diretor como nome singular e fundamental no panorama do cinema brasileiro.

O mercado de notícias, de Jorge Furtado ***

Mais do que simplesmente um documentário político, “O mercado de notícias” (2014) tem a cara de uma obra que retrata as obsessões formais e temáticas de um artista, no caso, o diretor Jorge Furtado. Tanto a obra tem esse forte caráter pessoal que o próprio cineasta se coloca como personagem ativo de seu filme por várias vezes – ele interage de forma ostensiva com os entrevistados, debate com os atores que atuarão na peça de Ben Jonson epônima do filme, fala diretamente para a câmera. Mesmo em entrevistas de divulgação da produção Furtado faz questão de ressaltar a sua ideologia para enfatizar o tom subjetivo do filme. Dentro de tais concepções estéticas e textuais, “O mercado de notícias” se filia a uma vertente de documentários cujos limites entre a verdade e a ficção ficam imprecisos, difusos, e que vem se tornando recorrentes no cinema nacional dos últimos anos, vide produções como “Elena” (2012) e “Mataram meu irmão” (2013). E isso pode parecer até contraditório para um filme onde se fala tanto na “verdade factual”. Esquerdista declarado, o diretor deixar claro que ao discutir o papel da imprensa na sociedade contemporânea está fazendo por vias indiretas a defesa do governo federal petista. Discutível ou não em suas intenções panfletárias, entretanto, também é inegável que “O mercado de notícias” é o longa-metragem mais sanguíneo, autoral e ousado lançado por Furtado. Aqueles acostumados com a verborragia metida a espertinha e a encenação indulgente de trabalhos como “Meu tio matou um cara” (2004) e “Saneamento básico” (2007) levarão um susto com a contundente mistura de preceitos de cinema verdade e tomadas de ensaios e encenação da referida peça teatral de Jonson. Por vezes essa combinação não encaixa de maneira tão precisa, fazendo com que o texto de Jonson fique de difícil compreensão, mas em outros momentos a boa edição de Giba Assis Brasil faz com que a fusão de cinema e teatro atinja uma síntese bastante eficiente. No quesito montagem, vale ainda mencionar que a formatação da narrativa, principalmente quando Furtado adota a linha “investigativa”, faz lembrar alguns maneirismos de obras clássicas da cinematografia política como “Z” (1969) e “JFK – A pergunta que não quer calar” (1991). No final das contas pode ser que alguém discorde das teses sócio-políticas de “O mercado de notícias”, mas também não deixará de se surpreender com essa volta de um Furtado mais inventivo, nos moldes daquele que encantou muita gente com o antológico curta-metragem “Ilha das Flores” (1989).

Walesa, de Andrzej Wajda ***

A combinação entre Andrzej Wajda e a temática política sempre é potencialmente explosiva, vide até o recente e extraordinário “Katyn” (2007). Assim, a expectativa para “Walesa” (2013) era considerável, até porque a vida do líder sindicar e ex-presidente polonês Lech Walesa é contemporânea à boa parte da própria vida do cineasta, fazendo com que essa proximidade histórica entre eles pudesse tornar a cinebiografia ainda mais contundente. O resultado final, entretanto, acaba ficando aquém do esperado. Não é um mau filme, afinal Wajda é um diretor tarimbado e consegue estabelecer um ritmo narrativo envolvente, isso sem falar que a própria história do carismático protagonista é repleta de fatos interessantes e marcantes. O que incomoda na produção é um padrão formal por vezes excessivamente acadêmico, além do roteiro que simplifica muitas questões complexas, tanto na caracterização um tanto superficial dos principais personagens quanto na visão maniqueísta de algumas situações históricas, vide a abordagem em relação ao papel da igreja católica no conflito entre trabalhadores e o governo comunista.

O homem das multidões, de Cao Guimarães e Marcelo Gomes ***1/2

A união entre os cineastas Cao Guimarães e Marcelo Gomes para dirigir “O homem das multidões” (2012) não é gratuita. Ainda que marcados por alguns detalhes de encenações diferentes, seus filmes anteriores apresentam semelhanças significativas na concepção e condução de suas narrativas. Essa sintonia existencial/artística se mostra cristalina na obra em questão. O que se vê na tela é um cinema descarnado, depurado de excessos supérfluos e que se concentra em nuances inusitadas e em um contundente sensorialismo audiovisual. A trama e a encenação podem sugerir uma certa aridez emocional e estética, mas aos poucos o filme vai se mostrando estranhamente sedutor no rigor de seus planos-sequência, no contraste da sutileza da interpretação de Silvia Lourenço com o despojamento da composição dramática de Paulo André, nas longas tomadas minimalistas pelos cenários urbanos de Belo Horizonte. A partir desses preceitos formais, a obra vai se constituindo tanto como um estranho e intimista conto sentimental como para um perturbador e opressivo retrato da solidão na sociedade contemporânea.

Guardiões da Galáxia, de James Gunn ****

Dentro da estratégia do estúdio da Marvel, “Guardiões da Galáxia” (2014) representam um novo e ousado passo. Ao invés dos heróis clássicos criados por Stan Lee na década de 60, entram em cena personagens obscuros criados na década seguinte por outros autores (Steve Gerber, Jim Starlin, Bill Mantlo). Tais escritores e artistas estavam mais em sintonia com um espírito hedonista e libertário, uma espécie de rescaldo do ideário do período flower power. A maioria de suas criação se enquadrava em uma encruzilhada que combinava sátira, misticismo e ficção científica. O cineasta James Gunn, egresso da escola de escatologia trash dos estúdios de Lloyd Kaufmann e a diretor de bobagens divertidas como “Seres rastejantes” (2005), entendeu direitinho esse contexto histórico e existencial e acabou concebendo uma produção extraordinária na sua combinação de aventura desenfreada e comicidade sagaz. Tudo aqui parece na medida: personagens ultra-carismáticos, ação dirigida com muita clareza e inspiração, roteiro sem enrolações e um senso de humor efetivamente engraçado e irreverente (e não aquelas piadinhas metidas a besta do último “Homem de Ferro”). Além disso, “Guardiões da Galáxia” faz a delícia dos apreciadores mais dedicados da Marvel na caracterização fiel e repleta de boas sacadas de personagens e situações emblemáticas do universo das histórias cósmicas da editora, em que mesmos personagens secundários na trama como Thanos e o Colecionador recebem caracterizações dramáticas marcantes.