Os Muppets 2: Procurados e amados, de James Bobim **1/2

Quando os carismáticos bonecos retomaram suas aventuras em “Os Muppets” (2011), havia um certo frescor nessa volta, até porque o universo de histórias dos personagens que oscilavam na ingenuidade e citações irônicas à cultura pop acabava se mostrando até como novidade no meio de produções para o público infantil que esbarravam com frequência no óbvio. O sucesso do filme tornou o surgimento de uma continuação bastante natural. E no conceito de tais figuras, até isso rendia uma boa tiração de sarro. Assim, logo na abertura de “Os Muppets 2 – Procurados e amados” (2014) há um número musical bem humorado em que Caco e sua trupe fazem um comentário sardônico auto-depreciativo sobre o oportunismo de se realizar uma continuação, num belo exercício de metalinguagem. Tirando a ousadia desse início, entretanto, a produção trafega por vias mais previsíveis. É claro que não daria para esperar vôos mais altos do capítulo de uma franquia lucrativa, e o que os fãs dos personagens querem mesmo é vê-los fazendo as patetices e piadas que estamos acostumados. O problema, entretanto, é que a zona de conforto em que o filme se instala faz com que logo após a sua conclusão pouca coisa fique na cabeça do espectador.

Dominguinhos, de Mariana Aydar, Eduardo Nazarian e Joaquim Castro ***1/2

Assim como em "Olho nu" (2012), o documentário "Dominguinhos" (2014) se constrói como narrativa biográfica a partir de uma linguagem mais livre e sensorial. O recurso de depoimentos é utilizado com intensidade, mas a partir de trechos de entrevistas derivadas de material de arquivo. Os comentários de Dominguinhos sobre a sua vida e arte e os ótimos números musicais compõem um fascinante mosaico intimista e artístico, mostrando com sensibilidade as diferenças nuances da sua musicalidade (que vai do tradicional pé-de-serra até a uma abordagem que se aproxima do jazz), bem como o fato das suas experiências de vida estarem intrinsecamente ligadas à própria natureza dualista de melancolia e alegria de suas canções e interpretações. E também como na já mencionada obra que tem Ney Matogrosso como protagonista, os diretores Joaquim Castro, Eduardo Nazarian e Mariana Aydar procuram usar a vida e arte do seu protagonista como uma espécie de radiografia do sentimento e espírito de um povo - a música mestiça de Dominguinhos também reflete a natureza nômade de retirantes nordestinos na busca de uma vida mais próspera no "sul maravilha", e que resultou também na tremenda diversidade de ritmos e melodias que grassam no nosso cancioneiro, indo do telurismo de Quinteto Violado, Banda de Pífanos de Caruaru e Luis Gonzaga e chegando no universalismo de Gilberto Gil e Nara Leão (todos presentes no documentário em questão).

Malévola, de Robert Stromberg **1/2

É uma tendência no cinema norte-americano contemporâneo a intenção de realizar obras de fantasia que tragam uma pretensão visão adulta sobre clássicas lendas infantis ou conto de fadas, buscando um verniz psicanalítico ou sociológico sobre tais narrativas. De certa forma, é como se buscasse uma forma de legitimar essas históricas como arte séria (como se elas precisassem de algo assim...). Ou simplesmente pode ser encarado como uma nova forma de ganhar um dinheirinho recontando as velhas histórias de sempre. Nesse sentido, a presença de Robert Stromberg na direção de "Malévola" não é gratuita, pois ele esteve envolvido nas produções de "Alice no país das maravilhas" (2010) e "Oz, mágico e poderoso" (2013), obras que traziam também esse caráter revisionista. Nessa nova versão para as aventuras e percalços da Princesa Aurora (também conhecida como A Bela Adormecida), a trama até ganha uma conotação mais mundana: a bruxa Malévola (Angelina Jolie) se tornou má porque foi traída pelo grande amor de sua vida, o Rei Stefan (Sharlto Copley), pai de Aurora (Elle Fanning), o que justificaria a maldição da feiticeira para a princesa. Mas aquilo que poderia ser o conto de fada revisto sobre uma perspectiva mais sombria e simbolista acaba caindo para um banal tom novelesco politicamente correto. O filme tem os seus méritos, principalmente nas boas trucagens e na riqueza da caracterização visual de algumas sequências, mas a narrativa é rala na capacidade de constituir uma tensão dramática eficiente. E a canastrona atuação de Jolie não colabora muito... Por vias das dúvidas, é melhor ficar mesmo com a versão desenho animado da Disney.

Olho nu, de Joel Pizzini ***

No meio de tantos documentários tendo a música como temática no panorama cinematográfico nacional contemporâneo, “Olho nu” (2012), obra que foca a carreira e o pensamento do cantor Ney Matogrosso, destaca-se pela narrativa insólita concebida pelo diretor Joel Pizzini. Ao invés de se concentrar numa estrutura linear e convencional, o diretor optou por uma estética que emula uma espécie de sensorialismo, como se os fatos e números musicais viessem num fluxo de lembranças e ideias. Há até uma ordem cronológica na exposição de fatos e canções, com Pizzini utilizando diversos trechos de entrevistas e shows com o seu protagonista, mas talvez a preocupação maior é como esses audiovisuais se relacionam com o imaginário do espectador e do próprio Brasil. Matogrosso sempre navegou por uma fronteira muito tênue entre o sofisticado e o exagero kitsch, num dilema que revela muito da própria essência da cultura brasileira. Assim, tanto a sua plateia podia delirar com ele interagindo com as dançarinas do Chacrinha quanto se comover com a sutileza de suas interpretações de clássicos do nosso cancioneiro tendo o acompanhamento de músicos como Arthur Moreira Lima, Raphael Rabello e Paulo Moura. Pizzini tem o indiscutível mérito de saber sintetizar em “Olho nu” essa essência controversa da arte de Matogrosso, resultando em uma obra que tanto pode fascinar antigos admiradores do cantor quanto estimular uma revisão de sua música por neófitos (aliás, logo após assistir ao filme, vi gente falando em ir atrás de discos de Matogrosso).

Oslo, 31 de agosto, de Joachim Trier ***1/2

Baseado na mesma obra literária francesa que deu origem à obra-prima cinematográfica “30 anos esta noite” (1963), “Oslo, 31 de agosto” (2011) busca uma abordagem diferente do clássico de Louis Malle. Se neste último a saga das últimas 24 horas de alcoólatra em recuperação possuía um viés de poética melancolia (acentuada pela trilha sonora repleta de temas marcantes de Erik Satie), no filme norueguês de Joachim Trier a jornada do protagonista ganha uma conotação diferente. Isso porque os sentimentos de inadequação e desesperança do toxicômano Anders (Anders Danielse Lie) apresentam um sentido de desafio e questionamento. Passo a passo, o personagem vai constando que o mundo que lhe oferecem para sua “regeneração” não é tão atraente: empregos vazios, vida social e rotina marcadas por relações superficiais. O que era para ser uma suposta redenção vai se revelando apenas como uma forma de opressão ainda mais angustiante. Nas seqüências finais, em que Anders dedica as suas últimas horas a momentos de hedonismo e aos preparativos de do seu suicídio, é como se o protagonista tivesse o seu momento de desconcertante e amarga iluminação. O estilo impresso por Trier na condução da narrativa é contundente, recorrendo a poucos efeitos e a uma atmosfera de distanciamento emocional, o que faz com que o filme tenha por vezes um tom de ironia amarga desconcertante e mesmo nas tomadas que mostram a overdose intencional de Anders a produção ganha um inesperado clima de lirismo.

A longa caminhada, de Nicolas Roeg ****

Um dos focos principais na temática de “A longa caminhada” (1970) é bastante claro: o confronto e as contradições na relação entre a civilização urbana e a natureza selvagem a um ponto em que as próprias noções de civilidade e violência se confundem. A narrativa concebida pelo diretor Nicolas Roeg para ilustrar tais dilemas fogem do óbvio. Por mais que se questione as regras comportamentais e hipocrisias do homem moderno nas grandes metrópoles, em nenhum momento dá para dizer que a visão do filme sobre a natureza é idealizada e maniqueísta – esta é vista tanto sob um ângulo de encanto quanto por uma perspectiva de mistério e brutalidade. Por mais que esse conflito homem versus natureza já tenha sido diversas vezes explorado na literatura ou cinema, poucas vezes recebeu um tratamento de tamanha crueza e poesia quanto em “A longa caminhada”. Roeg sugere um olhar que busca mais sensações atávicas do que um racionalismo a explicar as ações e reações nebulosas de seus personagens. Os particulares códigos de condutas do aborígine que salva e conduz dois irmãos pelo inóspito deserto australiano são tão difíceis de decifrar quanto as atitudes homicidas (e suicida) do elegante inglês que tenta matar seus filhos (os referidos irmãos). Mais do que buscar soluções fáceis para os enigmas do filme, para Roeg é mais interessante a construção de uma estranha atmosfera que combina erotismo, morbidez, violência e contemplação. Sua encenação e seu registro audiovisual possuem uma coesão notável ao adotar tanto um estilo documental e de distanciamento emocional quanto uma estética que emula um onirismo desconcertante.

Avanti Popolo, de Michael Wahman ***1/2

A sequência de abertura de “Avanti Popolo” (2012) é uma bela e contundente síntese da proposta artística da obra em questão: em um registro visual de perspectiva subjetiva, um carro vaga pelas ruas de um bairro popular paulista, enquanto ouve na rádio um programa entrecortado por insólitas canções e esquisitas intervenções em “portunhol” de seu locutor. O estilo de filmar e editar tais tomadas é seco e sem efeitos, mas provoca um sensorialismo de encanto perturbador, como se induzisse ao espectador a impressão de uma certa viagem onírica por um sombrio universo. A partir dessa abertura, “Avanti Popolo” se estende por uma estranha combinação de crônica familiar, obra política e discussões estéticas, sempre permeado por um verniz de melancolia e desilusão. A narrativa navega por um limite entre a encenação naturalista e uma atmosfera surreal – nesse último caso, principalmente por alguns irônicos diálogos sobre a beleza de hinos nacionais ou apresentando um novo “dogma” cinematográfico. O diretor Michael Wahrman não teme aprofundar esse hibridismo formal/temático, fazendo dele a força motriz de sua produção e que realça ainda mais os aspectos dramáticos do filme (a solidão da velhice, a incomunicabilidade entre gerações, o desencanto com as ideologias, a busca pela pura beleza artística).

Tim Lopes: Histórias do arcanjo, de Guilherme Azevedo **1/2

O fato do roteirista de “Tim Lopes: Histórias de arcanjo” (2013) ser filho do biografado acaba pesando de forma negativa para o documentário. Não exatamente pelo fato de que isso tiraria o caráter objetivo da obra, mas sim porque dá uma impressão de falta de foco da produção: o importante seria contar a história de vida do repórter ou o buraco na relação com o seu filho devido à sua morte prematura? A relação emocional de Bruno Quintella com a temática de seu roteiro, por vezes, dá um certo tom condescendente à narrativa e até impede que algumas questões pertinentes sejam aprofundadas, principalmente no que diz respeito à responsabilidade da Globo na morte de Tim Lopes. É inegável, entretanto, que o filme tem uma capacidade forte de encanto, sendo que isso acontece pela força da história de Lopes. Os “causos” contados ao longo do documentário por amigos, colegas e aparentes beiram o inacreditável tamanha a sagacidade e cara-de-pau do protagonista, tudo isso ilustrado por farto material de arquivo. No final das contas, é capaz do público não se questionar tanto pelos motivos de seu assassinato por traficantes em 2002, mas sim pelo fato de como isso não tenha acontecido antes diante do apetite de Lopes por matérias perigosas com alto risco de vida.

Getúlio, de João Jardim **

Em 1993, a TV Globo lançou uma das melhores produções que apareceram em sua programação, a minissérie “Agosto”, baseada em um extraordinário romance de Rubem Fonseca. A trama trazia uma história policial ficcional que se enleava de forma notável com fatos históricos relacionados ao tenebroso mês de agosto de 1954, indo do atentado a Carlos Lacerda e chegando no suicídio de Getúlio Vargas. O programa televisivo em questão não economizava na tensão e na violência, além de apresentar um trabalho de caracterização dramática de personagens e direção de arte antológicos, que pareciam realmente resgatar o espírito de uma época. Dessa forma, chega a ser engraçado que tenha sido a Globo Filmes que tenha produzido “Getúlio” (2013), filme que faz a recriação dramática dos marcantes fatos daquele agosto de 1954. Isso porque essa versão cinematográfica tem um forte caráter asséptico no seu formalismo, naquela linha de produção que se pretende “séria” e não quer chocar as plateias. Walter Carvalho é o melhor diretor de fotografia brasileiro em atividade, mas a visual que concebeu no filme é clean em excesso e anódino, o que aliado às interpretações burocráticas do elenco dá a constante impressão de uma produção despersonalizada e que já nasceu datada. Além disso, a parte temática peca por uma visão simplória e maniqueísta das situações apresentadas – na ótica do filme, é como se Getúlio tivesse se suicidado por um suposto medo de ser preso. Assim, uma produção que era para ser mais ousada acaba sendo muito mais conformista que uma minissérie televisiva de vinte anos atrás.

Que estranho chamar-se Federico: Scola conta Fellini, de Ettore Scola ***

A intenção de Ettore Scola em “Que estranho chamar-se Federico: Scola conta Fellini” (2012) não era de fazer uma cinebiografia marcada pelo alto rigor histórico e formal. O que o veterano diretor italiano tinha em mente era fazer mesmo uma simples e sincera homenagem ao seu mestre e amigo. Assim, a produção tem um jeitão informal e bem humorado, como se Scola tivesse recordado alguns episódios aleatórios numa mesa de bar. A obra mistura sem cerimônia recriações dramáticas e cenas de arquivo para compor um mosaico que beira o onírico, evocando o próprio estilo de criação do artista homenageado (o que fica evidente até nos temas musicais que remetem a melodias e arranjos clássicos de Nino Rota, o “trilheiro” favorito de Fellini) e que para os neófitos provavelmente vai dar aquela vontade de conhecer melhor os filmes cujos trechos são mostrados, além de oferecer lembranças agradáveis para os velhos fãs do criador de obras primas como “A doce vida” (1960) e “Oito e meio” (1963). Scola não esconde o forte caráter pessoal de sua visão, sendo que por diversas vezes ele mesmo aparece como personagem importante no filme. Por vezes, dá para dizer que a condução da narrativa dá uma impressão de um certo desleixo, mas na realidade isso se mostra em sintonia existencial com a atmosfera lúdica e bufona tanto do filme em questão quanto da filmografia de Fellini.

Ela vai, de Emmanuelle Bercot **1/2

Catherine Deneuve se sobressaiu como mito cinematográfico mais pela força da sua presença cênica do que pelos seus recursos dramáticos. Assim, suas atuações mais marcantes sempre estiveram muito vinculadas à genialidade de diretores como Truffaut (“O último metrô”), Roman Polanski (“Repulsa ao sexo”) e Luis Buñuel (“A bela da tarde”) que souberam aproveitar a magnitude de sua persona. Em “Ela vai” (2013), é bastante evidente que a diretora Emmanuell Bercot, que está longe do brilhantismo formal e temático dos cineastas mencionados, construiu uma narrativa que serve de suporte para o carisma de Deneuve, com uma trama que alude ao dilema mais premente da carreira da atriz (a da bela mulher que envelheceu e questiona o seu espaço na sociedade perante a sua atual condição). O roteiro varia entre um drama de tons naturalistas e a comédia de discretos toques irônicos, e por vezes até consegue convencer na atmosfera crepuscular algo melancólica das desventuras da protagonista Bettie (Deneuve). No terço final do filme, entretanto, tudo se formata para moldes convencionais e de soluções fáceis, lembrando até as conclusões bonitinhas de típicas comédias românticas norte-americanas. Ainda assim, “Ela vai” ainda acaba valendo pela divertida e afetadíssima atuação do garoto Nemo Schiffman e nas engraçadas cenas do almoço campestre nas suas tomadas finais.

X-Men: Dias de um futuro esquecido, de Bryan Singer ***1/2

Dentro da mitologia nos quadrinhos dos X-Men, a saga “Dias de um futuro esquecido” foi fundamental e marcante por diversas razões. Além de ter sido a última história em conjunto da parceria Chris Claremont e John Byrne (a mais importante equipe criativa que já passou pelas revistas dos heróis mutantes), tal obra sintetizou de forma brilhante boa parte dos principais dilemas dramáticos que marcaram as tramas dos personagens e também delineou também algumas das temáticas que se tornaram bastante recorrentes não só para os X-Men, mas também para todo o Universo Marvel, principalmente no que diz respeito à questão das viagens no tempo. Dessa forma, acaba sendo uma surpresa bastante agradável assistir ao filme “X-Men: Dias de um futuro esquecido” (2014) e constatar a forma notável como o diretor Bryan Singer conseguiu preservar os elementos mais essenciais da trama original e concebeu uma obra de alcance universal, capaz de satisfazer tanto aos velhos admiradores dos gibis quanto aos neófitos que não conhecem os meandros infindáveis da cronologia dos quadrinhos. Para isso, Singer contou com um roteiro enxuto, em que não há um número excessivo de personagens em cena, o que permite desenvolver melhor a psicologia de cada um deles, e uma trama muito bem definida e que não se expande para muitas histórias paralelas. E não dá para deixar de creditar a tremenda bola dentro do roteiro com a sua solução final: o que poderia soar forçado e oportunista num primeiro momento acaba se revelando uma tremenda sacada que resolve algumas escolhas equivocadas de “X-Men 3: O confronto final” (2006). O cineasta também consegue conciliar com eficiência os tempos narrativos (presente e passado), além de estabelecer uma constante e perturbadora atmosfera sombria, fundamental na caracterização de um planeta à beira do apocalipse. E o que poderia parecer uma opção arriscada de investir numa narrativa que se concentra mais na interação dos personagens do que nas cenas de ação e nos efeitos especiais acaba se revelando mais do que acertada, dando uma dimensão dramática ainda maior ao filme. Isso fica evidente, por exemplo, no belo diálogo final entre as versões veteranas do Professor X (Patrick Stewart) e Magneto (Ian McKellen), um belo texto que resume com sensibilidade os conflitos existenciais que marcaram os X-Men desde a sua criação no início dos anos 60.

Old Boy - Dias de vingança, de Spike Lee ***

Não considero que grandes filmes sejam obras sagradas que não possam de forma alguma receber uma nova versão. Se um diretor pode oferecer uma visão diferenciada numa adaptação, não há por que ficar bancando o fã xiita. No mais, cinema também é indústria e é quase inevitável se um produto deu certo num mercado que ele vá ser lançado em outra freguesia com uma nova roupagem. Assim, diante dessa breve argumentação, fico à vontade para dizer que eu guardava uma boa expectativa para a revisão norte-americana do sul-coreano “Old Boy” (2003). Primeiro porque a produção original é uma obra-prima, e segundo porque o diretor envolvido nessa versão seria Spike Lee. Além disso, mesmo o primeiro filme já era uma adaptação de uma HQ, sendo que dessa forma se poderia encarar a nova versão como mais uma visão sobre a mesma obra. O resultado final, entretanto, ficou abaixo do esperado. Não que “Old Boy - Dias de vingança” (2013) seja ruim. Longe disso. Dá até para dizer que por vezes o filme fique acima da média no que se faz atualmente no gênero ação nos Estados Unidos. Spike Lee tem ótima mão para as cenas de ação e não economiza nem um pouco na violência. O que incomoda nessa versão é a falta de uma efetiva tensão dramática. A narrativa pende muito para o exagero cartunesco, culpa de uma direção excessivamente operística de Lee – o virtuosismo exagerado do diretor em alguns momentos acaba jogando contra o filme, retirando muito das peculiares nuances dramáticas da produção coreana. E em se tratando de um filme de Lee, surpreende de forma negativa como o seu elenco no geral apresenta atuações tão canastronas (com exceção de Josh Brolin, que mesmo numa interpretação over mostra porque é um dos atores norte-americanos mais cativantes da atualidade).

O lobo atrás da porta, de Fernando Coimbra ****

Num determinado debate, não lembro precisamente a data, tendo como tema crimes bárbaros que recebiam grande atenção da mídia sensacionalista, o jornalista Paulo Francis, diante de uma suposta perplexidade da sociedade perante a brutalidade e gratuidade de tais atos violentos, apenas respondia que todas as respostas para essas indagações já estavam presentes nas tragédias gregas escritas há centenas de anos. Isso me veio à mente quando assisti a “O lobo atrás da porta” (2013). Nessa produção nacional, o diretor Fernando Coimbra pega um caso real do seqüestro e assassinato de uma criança nos subúrbios de Rio de Janeiro e formata a narrativa como se fosse justamente uma espécie de tragédia grega. A trama não se desenvolver numa linha tão linear – há uma alternância freqüente entre presente e passado, mas o ritmo da narrativa é objetivo e nada confuso. Além disso, Coimbra coloca os fatos do roteiro expostos a partir das diferentes percepções do trio de personagens principais – a amante infanticida (Leandra Leal), o marido adúltero (Milhem Cortaz) e a esposa traída e mãe desesperada (Fabíula Nascimento) – fazendo lembrar o clássico “Rashmoon” (1950) de Akira Kurosawa. O fato da história se desenvolver em locais da capital carioca fora do padrão “turístico” torna a atmosfera da obra ainda mais insólita e sufocante. Mas o que faz de “O lobo atrás da porta” uma obra tão desconcertante é a sutil e desafiadora simbologia que Coimbra imprime em cada ato de seus personagens: ao invés de um mero caráter atônito ou distante perante a tragédia que se desenrola de forma inexorável ao longo do filme, o cineasta revela uma visão implacável e arguta sobre o machismo e o preconceito na sociedade patriarcal ocidental, em que a defesa da moral e da honra esconde um universo de sociopatia e opressão.

Godzilla, de Gareth Edwards **1/2

E não foi dessa vez que o monstro mais famoso da cinematografia japonesa recebeu uma versão decente por um estúdio norte-americano. Por melhor que sejam as condições de produção de “Godzilla” (2014), falta ao filme uma pegada mais contundente, com mais porradaria e uma atmosfera mais tenebrosa. O diretor Gareth Edward se preocupou mais em explorar os insípidos dramas pessoais de seus personagens “humanos” do que se concentrar na destruição de cidades e nas batalhas de monstros, o que acabou resultando numa produção genérica. Pode-se perceber que a obra se perde ao querer conciliar o gênero “monster movie” típico nipônico com aquela linha de aventuras militares patrióticas norte-americanas, caracterizando assim um trabalho destituído de personalidade e vigor. A caracterização visual de Godzilla e seus oponentes até impressiona, além dos efeitos especiais trazerem algumas boas sacadas visuais. Ainda assim, é muito pouco perto do que permitiam as possibilidades criativas envolvendo o tradicional personagem.

Praia do futuro, de Karin Aïnouz ***1/2

Depois do claudicante “O abismo prateado” (2011), é animador ver o diretor Karin Aïnouz retomando em “Praia do futuro” (2014) a pegada vigorosa de obras como “Madama Satã” (2001) e “O céu de Suely” (2006). Nesse seu filme mais recente, o cineasta constrói uma obra de atmosfera rarefeita, algo como se fosse um épico existencial. As ações de suas criaturas são nebulosas, indecisas, mas sempre de impacto emocional contundente. Aïnouz não parece interessado em explicar a psicologia dos personagens – a caracterização pessoal deles está lá, meio escondida, e o que os torna fascinantes é justamente a imprecisão de suas motivações. Mas se a abordagem intimista é marcada por esse tom de indefinição, o formalismo de “Praia do futuro” é tomado por um senso de virtuosismo cinematográfico admirável, a começar pela antológica abertura de uma alucinada corrida de motos no meio de dunas nordestinas ao som do rock anfetamínico “Ghost Rider” do Suicide. Tanto a direção de fotografia quanto a edição privilegiam um olhar sensorial – poucas vezes tomadas aquáticas passaram uma gama tão variada de sentimentos e sensações (angústia, paz, erotismo, morte). As fortes cenas de sexo também fogem bastante daquele trivial que se convencionou no cinema contemporâneo – a intensidade do enlace dos corpos de Donato (Wagner Moura) e Konrad (Clemens Schick) representa o embate de sentimentos contraditórios entre os amantes. Essa ambiguidade nos confrontos pessoais é a síntese virulenta de “A praia do futuro” dessa conjunção de estética a flor-da-pele com um conteúdo temático de forte teor humanista.

O palácio francês, de Bertrand Tavernier ***

O ato de escrever carrega por vezes um caráter ambíguo – ao mesmo tempo que é uma necessidade para aquele que redige o texto, também apresenta um certo sofrimento, no sentido de saber escolher a palavra certa, de conseguir atingir o sentido exato por escrito daquilo que se pensa. Essa relação conflitiva fica evidente na trama, baseada em fatos reais, de “O palácio francês” (2012), em que um jovem diplomata se torna responsável pela elaboração dos discursos de um ministro das relações exteriores da França. As discussões sobre conteúdo e estética entre os dois personagens são saborosas pelo grau de ironia e cultura que exalam. Além disso, os debates sobre filosofia, política e estilização também se mostram como reflexos dos próprios dilemas sociais, econômicos e políticos que envolvem a rotina do gabinete do ministro. Assim, a obra de Bertrand Tavernier se mostra um trabalho bastante interessante tanto na forma com que a conjugação entre o textual/literário e a encenação cinematográfica se efetiva como no retrato das relações sócio-políticas no mundo contemporâneo. O filme frustra por vezes pela narrativa superficial, típica de comédia ligeira, ao tratar de questões complexas, mas mesmo assim é uma produção que evidencia ainda muito da elegância no filmar de um cineasta tarimbado como Tavernier.

O mestre das ilusões, de Clive Barker **1/2

Quando lançou “Hellraiser” (1987), o escritor e cineasta Clive Barker formatou algo de diferente no gênero horror, combinando um grafismo exagerado de muito sangue e vísceras com uma estranha atmosfera baseada na dicotomia prazer e dor. Ninguém conseguiu fazer algo semelhante, nem mesmo o próprio Barker nas inevitáveis continuações da franquia. “O mestre das ilusões” (1995) representa mais uma das tentativas de Barker em fazer algo de relevante no âmbito do terror cinematográfico. Ele insere no roteiro algumas referências a cinema noir, com um detetive de passado obscuro e conturbado, na linha de um John Constantine menos cool e mais apalermado, que investiga um estranho caso envolvendo a morte de um mágico e uma seita de adoradores de demônios. A diversidade de elementos, entretanto, não faz com que a narrativa fuja de alguns clichês incômodos e burocráticos – há algumas boas soluções estéticas, mas no geral a obra se conduz por uma concepção tão formulaica que pouco lembra aqueles climas de sexualidade distorcida e escatologias de “Hellraiser”. Por vezes até consegue ser divertido, mas nada que seja especialmente memorável para os apreciadores do gênero.

Gerontophilia, de Bruce LaBruce ***

A temática de “Gerontophilia” (2013) pode sugerir que se trata de algum exploitation: um rapaz homossexual com taras por homens idosos vai trabalhar como servente em um asilo e lá tem um caso com um dos pacientes. O tratamento formal proposto pelo diretor Bruce LaBruce, entretanto, dá ao filme um caráter crepuscular e poético, tanto na direção de fotografia de tons esmaecidos quanto na edição de talhe clássico. No debate do qual participou após a exibição da produção no FANTASPOA o cineasta colocou que suas principais referências estéticas na realização da obra foi o cinema norte-americano dos anos 70, e isso fica bem evidente em cada fotograma de “Gerontophilia”. A plácida morbidez e a atmosfera de estranha sensualidade remetem diretamente à obra-prima “Ensina-me a viver” (1971) de Hal Ashby. Incomoda no filme de LaBruce que a sua busca por uma certa limpidez na condução da narrativa acabe gerando por vezes uma certa assepsia formal, assim como o lado perverso dos desejos do protagonista acabem se resolvendo para a convencional direção de uma love story. Mesmo assim, “Gerontophilia” merece uma conferida pelo inusitado de sua temática e para elegância no filmar de LaBruce.

Um terror de equipe, de Lloyd Kaufman ***

Assim como é capaz de perpetrar alguns constrangedores abacaxis cinematográficos, o diretor norte-americano também entrega por vezes algumas esquisitas pérolas. Neste último caso, dá para enquadrar “Um terror de equipe” (1999); obra que traz uma trama que usa até um mote bem conhecido, o do assassino misterioso infiltrado nas filmagens de uma produção que mata os seus integrantes, mas que surpreende pela carga metafórica que apresenta – a de uma verdadeira declaração de amor ao fazer cinematográfico, mais especificamente ao cinema independente de gênero. A encenação de Lloyd Kaufman aparenta um tom esculhambado, mas a narrativa tem um estranho encanto no seu misto de sordidez e anarquia. Os habituais exageros sanguinolentos e escatológicos da Troma estão todos lá, e se mostram fundamentais na configuração de uma atmosfera delirante para o filme. Kaufman sempre trafegou em sua carreira dentro de uma concepção ambígua, em que suas produções são formatadas como comédias, mas com toques de horror e sexualidade distorcida, causando um efeito perturbador ao espectador. Em “Um terror de equipe”, essa concepção particular de cinema se aflora com notável fluidez, fazendo do filme uma interessante excentricidade a ser descoberta.