WiFi Ralph - Quebrando a internet, de Phil Johnston e Rich Moore **1/2

Há uma diferença artística-existencial que é fundamental entre “Detona Ralph” (2012) e a sua continuação “WiFi Ralph – Quebrando a internet” (2018) – enquanto o primeiro filme primava por uma visão entre o nostálgico e o irônico sobre o universo dos games e utilizando o recurso da paródia e do pastiche, nessa segunda da parte das aventuras do protagonista Ralph o foco se estende sobre uma reflexão sobre o universo da internet com citações diretas a empresas virtuais que realmente existem. Nessa pegada, essa animação mais recente decepciona pela abordagem narrativa e formal superficial e previsível em excesso e por uma visão sócio-política fortemente conformista e em defesa do ordenamento capitalista contemporâneo estabelecido por empresas de comércio virtual. Por mais que a produção seja dirigida principalmente para um público infanto-juvenil e que alguns aleguem que esse não seria uma plateia tão exigente, não dá para negar que marca um retrocesso em relação a criatividade estética e textual do filme anterior e que também contém um mal disfarçado subtexto ideológico conservador dentro do dilema em que as angústias e medos do protagonista acabam afetando a tranquilidade e assepsia dos inúmeros negócios e futilidades que se desenvolvem na rede.

Homem-aranha: No Aranhaverso, de Peter Ramsey, Bob Persichetit e Rodney Rothman ***1/2

Se a trilogia dirigida por Sam Raimi se refere ao Homem-aranha do universo Marvel tradicional criado por Stan Lee e os filmes de Marc Webb e o mais recente do estúdios Marvel têm uma ligação mais forte com a versão Ultimate do herói aracnídeo, a animação “Homem-aranha: No Aranhaverso” (2018) é a junção alucinada disso tudo e mais um pouco, com um resultado final bastante coerente e divertido. O já bem manjado recurso temático de diversos universos alternativos para uma mesma realidade é aproveitado com criatividade, fazendo com que o filme seja acessível para o público em geral e também repleto de citações e referências que são uma delícia para os fãs de longa data do personagem nos quadrinhos. Mais importante que isso e que dá um encanto atemporal para a produção, entretanto, é a sensacional conjunção entre a precisão da dinâmica narrativa, o original e estonteante grafismo (que, inclusive, se alterna de maneira fluente entre diversos estilos de traço de acordo com cada um dos universos que se chocam) e o roteiro que concilia com maestria densidade dramática e um senso de humor que foge com louvor do engraçadinho metido à besta. No cômputo geral, é o melhor filme de Homem-aranha desde a segunda parte dirigida por Raimi e lançada em 2004.

Mais ou menos grávida, de John G. Avildsen ***

É até meio estranho – um cineasta que ficou conhecido por algumas obras célebres no gênero “filmes de luta” (“Rocky, um lutador”, “Karatê Kid”) acaba dirigindo uma comédia dramática juvenil influenciada pelo mestre John Hughes. Mas até que John G. Avildsen se saiu bem em “Mais ou menos grávida” (1988). Não há nada de novo em termos narrativos e temáticos, mas há sensibilidade e mesmo sobriedade na eficiente síntese entre roteiro e encenação. Avildsen consegue oferecer as condições ideais para a musa oitentista Molly Ringwald brilhe dentro de uma trama que alterna com naturalidade uma abordagem realista dentro da questão da gravidez precoce e a dinâmica básica de uma comédia romântica. No cômputo geral, é uma memorável Sessão da Tarde daquelas que não se faz mais.

Wood & Stock - Sexo, orégano e rock'n'roll, de Otto Guerra *

Se “As cidades dos piratas” (2018) marca um efetivo amadurecimento de Otto Guerra como diretor de animações, tanto em termos de rigor narrativo e estético quanto na depuração criativa de roteiro, “Wood & Stock – Sexo, orégano e rock’n’roll” (2006) peca exatamente pela autoindulgência com que trata a sua síntese de formalismo e temática. Tudo no filme soa preguiçoso e despersonalizado, como se o diretor estivesse no automático e preenchesse as lacunas da obra com as soluções mais óbvias e sem graça. Parece que Guerra leu apressadamente alguns números da antológica revista Chiclete com Banana e não entendeu a essência dos personagens e do próprio criador Angeli. Só isso explica a impressão constante de que se está assistindo a uma versão asséptica e fofinha de criaturas que no original dos quadrinhos eram marcadas pela sordidez e mesmo um niilismo perturbador. O resultado final desse direcionamento do cineasta é uma obra em que narrativa e personagens carecem de carisma e tensão, fazendo com que o espectador pouco se importe com o que está acontecendo na tela. Assim, são desperdiçadas as interessantes possibilidades criativas que o universo de Angeli oferecia e outros recursos de peso que Guerra tinha em mãos (principalmente a ótima trilha sonora). Pode servir de consolo que esse fracasso artístico do cineasta talvez seja encarado como uma espécie de laboratório de aprendizado que serviu como lição do que não fazer quando o cineasta enveredou para o mundo gráfico de Laerte no já mencionado “A cidade dos piratas”.

Estorvo, de Ruy Guerra ***

A relação artística entre Ruy Guerra e Chico Buarque é longa e prolífica. Principalmente nos anos 70, rendeu algumas canções e peças teatrais memoráveis. Assim, o cineasta adaptar um livro do cantor e compositor pareceu uma consequência natural. O resultado final, “Estorvo” (1998), está bem distante de ser uma obra-prima, mas ainda assim revela perturbadoras inquietações criativas. Para começar, a síntese entre cinema e literatura na produção não se conjuga de forma tão fluida e natural –Guerra não se mostra interessado em somente adaptar a trama da obra literária dentro de uma linguagem cinematográfica convencional. Ele parece obcecado pela palavra, pela nuances do texto, e procura encaixar a sonoridade do discurso dentro de um fluxo sensorial marcado pelo lirismo e sordidez. A sucessão daquilo que ocorre na tela obedece a um pensamento desordenado e fragmentado do protagonista (Jorge Perrugoria), fazendo com que a estética e a atmosfera do filme se guiem por uma lógica de subjetividade que por vezes beira o delirante. A abordagem naturalista é evocada de vez em quando na narrativa, mas logo é manchada por um desordenamento formal e existencial predominante na visão artística do diretor. As escolhas de Guerra não são gratuitas, pois na confusa saga do personagem principal se escondem lúcidos questionamentos sócio-políticos-intimistas que desembocam em soluções formais e temáticas desconcertantes. A jornada narrativa de “Estorvo” é irregular e difícil, mas em sua conclusão a impressão é que ela ficará grudada em nosso imaginário como uma lembrança entre o incômodo e o prazeroso.

Lost Zweig, de Sylvio Back ***

O fluxo criativo do articulista deste blog obedece a um direcionamento simples. À medida que vou vendo filmes no cinema, DVD e afins, escrevo sobre eles na ordem em que os assisti. Dessa forma, acaba me parecendo uma certa ironia do destino que esteja escrevendo sobre “Lost Zweig” (2003) justamente nesse três de janeiro de 2019. A produção dirigida por Sylvio Back trata da última semana da vida do escritor austríaco Stefan Zweig, que cometeu suicídio junto à esposa no Brasil em 1942. A morte do artista sempre carregou uma aura de mistério, inerente a essa tipo de evento, ainda que ele tenha deixado um bilhete de despedida bem esclarecedor em relação aos seus motivos. O que se pode apreender como efetiva causa de sua decisão estava em um mal-estar existencial diante de um mundo que se encaminhava naquele momento com muita naturalidade para o nazi-fascismo. E como um brasileiro com um mínimo de sensibilidade e racionalidade pode se sentir na atualidade diante de um ordenamento sócio-político baseado em uma conjunção nefasta de patriarcalismo, racismo, misoginia, homofobia, xenofobia e exclusão social que foi escolhido pela própria população? Quantos Zweigs devemos ter por aí?

A versão cinematográfica concebida por Back para a tragédia de seu protagonista é marcada por uma fascinante ambiguidade estética e emocional, o que por vezes torna a narrativa um tanto fria e irregular. A impressão inicial é de uma abordagem de teor realista/naturalista, tanto na caracterização de personagens e situações como na atmosfera do filme. Aos poucos, entretanto, a obra vai ganhando uma conotação mais complexa e difusa, em que elementos que beiram o delirante realçam a narrativa. Diante dos posicionamentos escorregadios do governo Vargas diante à Alemanha nazista e da situação desesperadora de seus conterrâneos judeus na Europa, Zweig (Rüdige Vogler) vai se deixando inebriar pela sensualidade latente explosiva e pelo comportamento humano contraditório típicos do ambiente exótico que o cerca. Nesse perturbador contexto histórico em que ele está inserido, sua decisão final pode parecer brusca e radical, mas também ganha uma conotação existencial de dolorosa coerência.

Luciferina, de Gonzalo Calzada *1/2

Entre as várias possibilidades propiciadas pelo FANTASPOA para os apreciadores de cinema de Porto Alegre está a chance de conhecer um outro lado do cinema argentino, principalmente no que diz respeito a produções independentes no gênero horror. Na edição de 2018 não foi diferente. Se foi possível conhecer o perturbador (e por vezes inventivo) “Aterrorizados”, também se teve a chance de conferir “Luciferina”, obra que padece de forte anemia criativa em sua recriação barata de clichês narrativos de horror. É claro que há de se louvar o bom nível da produção em termos de recursos, principalmente no que diz respeito a efeitos especiais (no mesmo nível, nesse aspecto, de boa parte das produções norte-americanas no gênero que aportam com certa frequência em nossos multiplexes). No final das contas, entretanto, acaba sendo muito pouco para afastar o filme de Gonzalo Calzada da previsibilidade temática e de um formalismo medíocre.

TOP 25 2018

1

1)      Zama, de Lucrecia Martel

2)      Arábia, de João Dumans e Affonso Uchoa

3)      O processo, de Maria Augusta Ramos

4)      Me chame pelo seu nome, de Luca Guadagnino

5)      Trama fantasma, de Paul Thomas Anderson

6)      As boas maneiras, de Juliana Rojas e Marco Dutra

7)      O dia depois, de Hong Sang-soo

8)      Baronesa, de Juliana Antunes

9)      O amante duplo, de François Ozon

10)   Infiltrado na Klan, de Spike Lee

11)   Uma casa à beira-mar, de Robert Guédiguian

12)   Em chamas, de Chang-Dong Lee

13)   Roma, de Alfonso Cuarón

14)   A casa que Jack construiu, de Lars Von Trier

15)   Você nunca esteve realmente aqui, de Lynne Ramsay

16)   120 batimentos por minuto, de Robin Campillo

17)   O outro lado do vento, de Orson Welles

18)   Rei, de Niles Atallah

19)   Jogador nº 1, de Steven Spielberg

20)   A balada de Buster Scruggs, de Ethan e Joel Coen

21)   A ilha dos cachorros, de Wes Anderson

22)   Nico, 1988, de Susanna Nicchiarelli

23)   Projeto Flórida, de Sean S. Baker

24)   Histórias que nosso cinema (não) contava, de Fernanda Pessoa

25)   Imagens do Estado Novo, de Eduardo Escorel