Os Vingadores, de Joss Whedon ***1/2

Tentar reduzir a explicação do sucesso de “Os Vingadores” (2012) ao mero fato da máquina publicitária que o filme tem ao seu dispor seria, no mínimo, impreciso. Afinal, há fortes méritos artísticos que contribuem para o seu bem sucedido resultado final. Para começar, foi um grande acerto a escalação de Joss Whedon como diretor da produção. Whedon tem larga experiência como criador e realizador de boas séries televisivas no gênero aventura escapista, além de ser considerado um roteirista de grande prestígio nos quadrinhos (é o escritor, por exemplo, da sensacional “Astonishing X-Men”). Ou seja, dá para dizer que o cara entende do riscado em termos de super-heróis. Isso fica evidente em “Os Vingadores” quando vemos, por exemplo, a boa caracterização visual e psicológica de alguns dos principais personagens, principalmente na representação icônica de Thor e Capitão América, isso sem contar que o Hulk é muito mais brutal e carismático do que nos filmes solos que teve anteriormente. Whedon também teve uma ótima sacada na trama do filme ao pegar elementos da série “Os Supremos” (os Vingadores de uma realidade alternativa), tendo em vista que a referida revista traz as mais eletrizantes e bem escritas aventuras recentes do grupo de heróis em questão. É de se destacar também a eficiente concepção visual e narrativa, em que as trucagens e a direção das sequências de ação conseguem oferecer um todo dinâmico e que capta com considerável fidelidade boa parte da essência das HQs. No geral, “Os Vingadores” demonstra um bom equilíbrio na tarefa de equacionar uma devida sintonia com a mídia original e a capacidade de cativar um público leigo em termos de “comics”, fazendo com que uma possível continuação não seja uma mera hipótese oportunista (aliás, a cena dos créditos finais contendo a aparição de Thanos evidencia a gama de possibilidades criativas que se pode explorar dentro da franquia).

A dançarina e o ladrão, de Fernando Trueba **

O cineasta espanhol Fernando Trueba ganhou prestígio artístico mundial em 1992 quando lançou “Sedução”, obra que também lhe garantiu um Oscar na categoria melhor filme estrangeiro. No referido filme, havia uma bem equilibrada mistura entre a comédia irônica e o drama histórico para narrar as desventuras amorosas de um vagabundo em plena era franquista. Em “A dançarina e o ladrão” (2009), Trueba volta a abordar a temática da ditadura, só que dessa vez escolhe a chilena do general Pinochet. Na verdade, a trama se desenrola logo após o fim do período autoritário em questão, focando as conseqüências que a repressão causou para os seus principais personagens. O cineasta apresenta uma certa indecisão criativa: por oras navega no melodrama, em outros momentos flerta com o realismo fantástico, até se aventura pelo thriller do gênero “grandes assaltos”. Em nenhum desses direcionamentos o filme convence. Trueba não apresenta a verve sarcástica de outrora, descambando por vezes para o dramalhão excessivo, sem sutileza e moralista. Em termos formais, é uma produção meramente competente, com uma estética no estilo “não fede, não cheira”. E Ricardo Darin continua naquela sua sina: uma boa atuação desperdiçada no meio de uma produção derivativa.

Paheli - Enigma, de Amol Palekar *1/2

A princípio, “Paheli – Enigma” (2005) é um filme indiano que se proporia a uma visão irônica sobre os cânones das produções típicas de Bollywood: roteiro banal, profusão de cenas com danças e músicas e uma atmosfera de ingenuidade. No final das contas, entretanto, o filme se contagia com as próprias limitações das quais pretendia tirar uma onda. Pode-se perceber um certo cuidado estético na direção de arte e nas trucagens, ambos os aspectos acima da média do que se costuma fazer no cinema popular indiano, mas o tom de comédia ligeira, as interpretações caricatas do elenco e a narrativa arrastada jogam o filme no mesmo nicho das obras que pretendiam zoar. Talvez a intenção do diretor Amol Pakelar fosse justamente resgatar a essência dessa escola cinematográfica, mas o resultado final para o espectador acaba sendo pífio e enfadonho. Provavelmente, não seria o melhor dos cartões de visita para o cinema indiano.

Eu receberia as piores notícias dos teus lindos lábios, de Beto Brant e Renato Ciasca ***

Apesar de usar com frequência a literatura como fonte original de seus roteiros, o cineasta Beto Brant vem aplicando em sua cinematografia uma linguagem cada vez menos literária, no sentido de valorizar uma narrativa que não dependa tanto da palavra, com o registro visual sendo o verdadeiro fio condutor de sua concepção formal e temática. “Eu receberia as piores notícias dos teus lindos lábios” (2011) aprofunda esta estética de Brant. As cenas se sucedem com naturalidade insólita – valoriza-se mais a ação em primeiro lugar, as explicações para os atos dos personagens surgem depois, quase sem pressa. Nesse contexto, as seqüências de sexo adquirem um significado primordial para compreender a obra: a fúria e a paixão com que os amantes Cauby (Gustavo Machado) e Lavínia (Camila Pitanga) se atracam trazem um compêndio de sensações e sentimentos que tomam a vida de tais personagens (medo, incerteza, vazio existencial, angústia, segredos obscuros). A própria frequente nudez de Pitanga adquire uma função narrativa importante para a trama, ao revelar um misto de sensualidade e fragilidade concentradas na mesma pessoa (aliás, a atriz apresenta uma entrega dramática e visceral rara de se ver em interpretações femininas recentes no cinema nacional). Também é de se destacar na produção em questão a forma com que Brant e o co-diretor Renato Ciasca combinam uma abordagem de viés intimista e toques de drama social, sugerindo uma visão que mostra que tais aspectos distintos na verdade guardariam uma relação intrínseca entre si.

Raul Seixas - O início, o fim e o meio, de Walter Carvalho **1/2

Tinha tudo para ser um documentário acima da média: profusão de imagens de arquivos raras e interessantes, figuras fortes do meio cultural brasileiro dando depoimentos e, mais importante, um biografado fascinante no seu talento artístico e complexidade pessoal. O resultado final de “Raul Seixas – O Início, o fim e o meio” (2011), entretanto, fica muito aquém de suas premissas promissoras. O filme peca por uma estrutura narrativa convencional e pela escolha de elementos temáticos que pouco acrescentam na compreensão do mito e do homem. O diretor Walter Carvalho acabou se perdendo excessivamente em detalhes pessoais de Raul que na prática pouco interessam ao espectador ou aos próprios admiradores da música do protagonista, principalmente no terço final do filme quando há uma certa predominância de entrevistas que se resumem em trocas de farpas entre as ex-mulheres de Raul. E isso incomoda também quando pensamos nas várias seqüências filmadas de shows e gravações em estúdio importantes que Raul deixou registrado para posteridade e que poderiam ter sido melhor aproveitadas na produção em questão. Seria mais interessante focar em detalhes sobre os discos, no papel de tais obras para a evolução artística do cantor, em como as canções dele eram reflexo das contradições e conflitos da época em que foram escritas, do que privilegiar as fofocas familiares ou folclores (como dar destaque demais para os fãs que fazem show cover do seu ídolo). Talvez o cineasta tivesse de ter visto com atenção o extraordinário “Rock Brasília – A Era de Ouro” (2011), do seu irmão Wladimir Carvalho, que conseguiu obter uma bela síntese entre o aspecto histórico e o intimismo ao focar o movimento musical em questão. É claro que a obra de Walter Carvalho tem os seus méritos – as tomadas com as apresentações de Raul são antológicas, os momentos que tratam do envolvimento dele com satanismo tem um impacto que oscilam entre o assustador e o engraçado. Mas nos final das contas “Raul Seixas – O início, o fim e o meio” acaba soando mais como um registro curioso do que como uma versão definitiva sobre a trajetória de Raul.

O Lorax: Em busca da trúfula perdida, de Chris Renaud e Ryle Balda ***

A equação “desenho animado infantil + consciência ecológica” pode sugerir que “O Lorax: Em Busca da trúfula perdida” (2012) seja apenas mais uma obra a navegar na seara do politicamente correto estéril que predomina neste tipo de filme. O resultado final, entretanto, dessa animação passa bem longe da chatice e da superficialidade. Os diretores Chris Renaud e Kyle Balda conseguem evidenciar uma ironia sutil e levemente ácida ao elaborarem uma fábula que combina tom de fábula e toques de ficção científica apocalíptica, além de pequenas alfinetadas em princípios caros da sociedade ocidental contemporânea. Na concepção formal, a qualidade gráfica de cenários e personagens impressiona ao variar cenários coloridos e estapafúrdios (na caracterização de cidades “utópicas” e high tech de gosto estético duvidoso), ambientações sombrias e paisagens bucólicas. Quem dera que todo discurso ecológico viesse sempre embalado com a qualidade artística desse “O Lorax”....

A toda prova, de Steven Soderbergh ***1/2

A escolha de Gina Carano, uma lutadora de MMA, para o papel de protagonista em “A toda prova” (2011) não tem um caráter apenas de dar mais realismo às sequências de embates físicos do filme. Tal opção estética do diretor Steven Soderbergh está em sintonia com a própria proposta conceitual e estética do filme. O cineasta emula um cinema descarnado, que se reduz ao essencial imagético da própria ação em si, lembrando obras como “O samurai” (1967) e “Viver e morrer em Los Angeles” (1985). Assim, o roteiro é composto por um fio de história (que por vezes se torna até um pouco nebulosa não pela complexidade, mas sim pelos seus “buracos”) e as interpretações do elenco beiram o caricato (em algumas vezes, Ewan McGregor e Michael Fassbender parecem que estão quase rindo diante da superficialidade de seus personagens). Assim, a produção parece um radical exercício formal de Soderbergh, que se embrenha nas minúcias de um rigoroso jogo de edição e fotografia. E nesse sentido, “A toda prova” é fascinante – as tomadas de lutas e de perseguições automobilísticas evidenciam um detalhismo notável no esmiuçamento da ação. Assim, Soderbergh se afasta do perfil do mero “contador de histórias”, voltando-se muito mais para o cinema como linguagem particular.

A navalha na carne, de Braz Chediak ***1/2

O grande mérito das peças escritas pelo dramaturgo Plínio Marcos é a combinação insólita e natural da estrutura clássica de tragédia com uma brasilidade crua, em histórias repletas de violência, linguagem direta e coloquial (às vezes escancaradamente chula) e personagens malandros e/ou marginais. A transposição para o cinema de “A navalha na carne” (1969) concebida e executada por Braz Chediak é exemplar na forma com que preserva a típica atmosfera sórdida da obra do teatrólogo e, ao mesmo tempo, consegue adaptá-la para um conceito cinematográfico. Isso fica evidente na meia-hora inicial do filme, praticamente sem diálogos, em que a câmera percorre cenários de cortiços e ruas, seguindo seus personagens e delimitando com precisão a ambientação suja e escura daquele universo. Quando o trio de protagonista finalmente parte para o conflito dramático em diálogos viscerais e perturbadores, não há a sensação de teatro filmado – Chediak descarta a empostação, e obtém um notável naturalismo nas atuações de Jece Valadão, Glauce Rocha e Emiliano Queiroz. A tensão é palpável e constante, mesmo que a origem dos conflitos se dê por mesquinharias e futilidades. Talvez seja justamente isso que traga a permanente sensação de incômodo em “A navalha na carne” – a gratuidade das agressões em um meio em que sentimentos e a própria vida parecem não valer grande coisa.

Xingu, de Cao Hamburger ***

Talvez o maior mérito do cineasta Cao Hamburger em “Xingu” (2012) seja a de não abrir grandes concessões temáticas e formais. A abordagem do diretor concilia de forma sóbria o viés dramático ao expor as relações humanas e a visão naturalista – nesse último sentido, é exemplar a forma com que a direção de fotografia concebida por Walter Carvalho registra visualmente as paisagens naturais, buscando enfatizar as florestas como um personagem em si, que ao mesmo tempo fascinam pela beleza, mas também perturbam pelos mistérios e perigos que carregam. Tal estética também se evidencia na maneira como Hamburger e Carvalho filmam a rotina e os rituais dos indígenas, não se perdendo em deslumbramentos com exotismos, e se preocupando em dosar com parcimônia o sentido épico das tomadas e o tom documental de outras sequências. O roteiro, por vezes, é um tanto truncado, principalmente nos momentos em que adquire um certo tom de didatismo ao narrar a trajetória dos irmãos Villas Bôas. Deve-se enfatizar, entretanto, o mérito do texto em não pretender adotar a postura biográfica “chapa branca” – ainda que evidencie as boas intenções e as conquistas dos protagonistas, seus dilemas e contradições não são esquecidos ao longo da trama, o que dá ao filme uma considerável grandeza dramática. A conclusão do filme, ainda que traga uma certa atmosfera de esperança, também revela o travo amargo, mostrando que “Xingu” chega perto de registrar com fidelidade a complexidade da questão indígena no Brasil.

Um dia, de Lone Scherfig **

A fórmula narrativa de “Um dia” (2011) é simples e, a principio, soa como uma boa sacada: narrar a evolução do relacionamento de um casal por 20 anos, centralizando sempre no mesmo dia de cada ano. Na abordagem, a diretora Lone Scherfig concilia um lado romântico com um certo viés realista, no sentido de buscar fatos que criem uma identificação com uma parcela da audiência. O resultado final, entretanto, é de frouxidão temática e formal. A composição dramática é pouco consistente, rasa mesmo, com Scherfig se apoiando em golpes sentimentais e algumas lições edificantes para ganhar o espectador. Além disso, o roteiro pouco aprofunda o desenvolvimento dos personagens e situações. A captação do espírito de cada época que o filme retrata é superficial, parecendo se limitar à diferenciação de figurino e na escolha de canções da trilha sonora (nesse último quesito, pelo menos fica evidente que a década de 90 foi um belo período para o rock e pop!).

Prova de artista, de José Joffily ***

O diretor José Joffily parece traçar um verdadeiro universo paralelo no documentário “Prova de artista” (2011): dentro de um país como o Brasil, onde predomina no quotidiano das pessoas ritmos musicais populares e “dançáveis”, o filme focaliza o quotidiano de jovens instrumentistas de música clássica em busca de espaço em alguma orquestra. A obra cinematográfica em questão procura, dentro de sua estrutura formal, uma sintonia espiritual e estética com o próprio gênero musical que aborda – a condução da narrativa tem um tom rigoroso, valoriza o silêncio na mesma medida que privilegia a música, por vezes evoca uma atmosfera quase solene e busca equacionar emoção e cerebralismo. Por mais que enfatize como aspectos sociais e íntimos podem afetar a trajetória profissional de seus protagonistas, “Prova de artista” deixa claro a necessidade primordial de uma auto-disciplina para atingir um elevado grau de sensibilidade na arte musical. Não chega a ser uma visão conservadora. Afinal, como sugere o oboísta Ricardo, tal determinação para o músico permite uma compreensão da arte que o permite transcender, uma noção de envolvimento com a música que faz com que o instrumentista, inclusive, esqueça o instrumento em si e se deixe levar pelas harmonias e melodias.

Fúria de Titãs 2, de Jonathan Liebesman *1/2

Confesso que estou no pequeno grupo que não acha um horror a primeira parte de “Fúria de Titãs” (2010). Apesar das simplificações do roteiro e da rasa densidade dramática, ali havia uma obra que pelo menos empolgava nas seqüências de ação e nos bons efeitos digitais. Diante de sua continuação lançada no corrente ano, entretanto, devo dar razão aos detratores da franquia em alguns aspectos. Os mesmos defeitos de antes estão ali (e ainda piorados – Sam Worthington atinge um alto nível em sua canastrice, por exempo) e a encenação de batalhas não tem a mesma fluência de antes. As trucagens não apresentam o cuidado estético da primeira parte, soando extremamente genéricas. No saldo final, a impressão que se tem é que a continuação surgiu mais por necessidades mercadológicas do que por uma inspiração criativa de produtores e afins. Claro que seria até ingenuidade esperar algo diferente, mas pelo menos a cara-de-pau caça níquel do filme não precisava ficar tão evidente.

Habemus Papam, de Nanni Moretti ***

Esse é um daqueles comentários em que acabarei parecendo repetitivo, mas a minha sensação em relação a “Habemus Papam” (2011) é a mesma que tive sobre “Um método perigoso” (2011) – a premissa temática particularmente promissora e um diretor marcado por um forte tom autoral formavam um conjunto que criava uma inevitável boa expectativa. O resultado final é interessante, mas aquém do esperado. Claro que o filme cativa pelo tom delirante de alguns cenas, principalmente aquelas com religiosos em atividades inusitadas dentro do Vaticano. Nesses momentos, a obra parece evocar algo do tom onírico de alguns filmes de Fellini. O problema do filme está na frouxidão de sua narrativa, que parece mais uma colcha de retalhos, remendando boas ideias soltas, mas que não atingem um ponto de coesão entre elas. O roteiro de “Habemus Papam” é reflexo da abordagem confusa de Nanni Moretti – há excelentes sacadas que combinam humor crítico e densidade dramática, mas o encadeamento das cenas peca por uma certa falta de coerência. Se a conclusão do filme impressiona pelo inesperado e pela ácida ironia, por exemplo, também se revela incompatível com aquela seqüência do Papa sendo “resgatado” na apresentação de uma peça teatral. No final das contas, fica-se com a impressão de que Moretti se atrapalhou com o excesso de boas ideias que teve....

Um método perigoso, de David Cronenberg ***

A trama focaliza o conflito profissional e existencial entre os dois principais nomes da psicanálise, Freud (Viggo Mortensen) e Jung (Michael Fassbender). O diretor é David Cronenberg, já acostumado a lidar com os mais estranhos aspectos das patologias humanas em boa parte de seus filmes. Tais fatores faziam com que “Um método perigoso” (2011) fosse considerada uma película altamente promissora. O resultado final, entretanto, acaba sendo frustrante. Não que seja um mau filme. Cronenberg é um cineasta bastante tarimbado e o mínimo que se espera de um filme seu é que se tenha uma narrativa conduzida de forma segura e envolvente, o que é o caso da obra em questão. Mortensen e Fassbender têm boas atuações, mostrando certo brilhantismo ao exporem sutis nuances na composição de seus respectivos personagens. Keira Knightley destoa um pouco no elenco – por mais que a sua Sabina pedisse algum exagero na interpretação, a atriz em determinados momentos acaba caindo no caricatural. A direção de arte de “Um método perigoso” é bem cuidada e consegue uma sintonia fiel com a época que retrata. Na verdade, o que incomoda no filme é justamente o fato de tudo parecer tão no lugar, tão normal, tão pouco arrebatador, enfim, tão pouco Cronenberg. Fica-se com a sensação de uma obra de encomenda, em que o diretor pouco pode imprimir sua marca pessoal. Ao invés de uma descida aos infernos mais profundos da psique humana (coisa que Cronenberg já havia feito em produções anteriores), temos apenas um elegante filme de época (ainda que acima da média dentro do gênero).

Quando a noite..., de Cristina Comencini **1/2

A premissa inicial da produção italiana “Quando a noite...” (2011) é bastante interessante no sentido de explorar a questão da suposta incondicionalidade do amor materno. Pelo menos nos dois terços iniciais do filme, a diretora Cristina Comencini utiliza uma formatação de suspense psicológico, situando a trama em um vilarejo turístico no meio das montanhas, onde Marina (Claudia Pandolfi) passará alguns dias com seu filho ainda bebê hospedada na parte de cima de uma casa rústica. A protagonista progressivamente se mostra cada vez mais irritada com os choros e manhas constantes da criança. Manfred (Filippo Timi), senhorio do prédio que mora no andar de baixo, observando e escutando o que ocorre no andar acima, acredita que a criança está em perigo nas mãos de Marina. Comencini deixa nebulosos os fatos e as intenções de Marina, estabelecendo uma atmosfera tensa justamente pelo fato do espectador não saber o que efetivamente está ocorrendo, até porque a própria Marina parece se questionar em relação ao seu amor materno. As paisagens gélidas e selvagens onde boa parte da história se desenrola colabora para a sensação de estranhamento e ambiguidade que paira sobre a obra. Tal atmosfera de mistério, entretanto, desvanece-se quando no terço final o roteiro dá uma esdrúxula virada – Marina e Manfred se descobrem apaixonados, e a love story deslocada joga para escanteio boa parte da originalidade e do impacto de “Quando a noite...”. No final das contas, até vale ver o filme pelos seus elementos insólitos iniciais, mas se fica com aquela sensação de que tal produção poderia ter sido bem melhor....

Flores do mal, de David Dusa **1/2

Há obras que, independente da sua qualidade artística, acabam ganhando alguma importância por serem emblemáticas do seu tempo. Esse é o caso da produção francesa “Flores do mal” (2010). Ao narrar a história do breve relacionamento amoroso entre um descendente de imigrantes e uma estudante iraniana recém chegada a Paris, o filme usa como matéria prima de sua encenação uma série de elementos típicos da atual conjuntura sócio-econômica-política mundial (os recentes conflitos entre governo e rebeldes no Irã, a disseminação da influência das redes sociais, as discussões sobre identidade cultural, o uso intenso de novas tecnologias) para gerar um híbrido de ficção e documentário, ora meio desajeitado numa estética crua, ora dotado de uma estranha poesia visual. Nem sempre aquilo que cai bem na tela do computador via you tube acaba ganhando um registro de mesma potência na tela do cinema, o que acaba tirando um pouco da força do filme. De qualquer, o formalismo um tanto tosco de “Flores do mal” tem um certo aspecto perturbador, propiciando até um certo tom delirante para a narrativa (principalmente quando o protagonista desandar a dançar de forma alucinada em meio aos cenários urbanos). O aparente colapso formal da obra, por mais que deixe a produção na rota do desequilíbrio, mostra-se em sintonia com a proposta temática de focalizar um mundo em ruptura.

Curling, de Denis Côté **1/2

Por mais que se possa reclamar de uma alegada superficialidade e da pasteurização de boa parte dos blockbusters que dominam as nossas telas, é de se convir também que uma fatia considerável do cinema independente, pretensamente mais artístico ou experimental, também é adepta de fórmulas estéticas e temáticas um tanto óbvias. A produção canadense “Curling” (2009) é um bom exemplo desta última linhagem. A boa fotografia a registrar paisagens rurais e gélidas, o distanciamento emocional da narrativa e a caracterização excêntrica do elenco até formam um todo curioso e por vezes envolvente. O saldo final deste minimalismo formal, entretanto, acaba gerando uma obra que não arrebata em nenhum momento. Ainda que o diretor Denis Côté tenha preferido manter um tom irônico que seja coerente com a proposta de fazer um retrato seco e objetivo daqueles que fogem dos ocidentais padrões de normalidade, isso também gera um filme que dificilmente permanecerá no imaginário do espectador.