segunda-feira, abril 28, 2008

Filmes das últimas duas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)


Shortbus, de John Cameron Mitchell ****
Os Reis da Rua, de David Ayer ***1/2
Viva Zapata!, de Elia Kazan ****
Eric Rohmer – Provas de Apoio, de André S. Labarthe e Jean Douchet ***1/2
A Fábrica do Conto de Verão, de Jean André Fieschi e Françoise Etchegaray ***
Pauline na Praia, de Eric Rohmer ****
O Amigo da Minha Amiga, de Eric Rohmer ****
Um Casamento Perfeito, de Eric Rohmer ***1/2
A Família Savage, de Tâmara Jenkins ***1/2
Botinada, de Gastão Moreira ***1/2
O Salário do Medo, de Henri-Georges Clouzot ****
Brutalidade, de Jules Dassin ****

quinta-feira, abril 17, 2008

Caçado, de William Friedkin ****


Uma das coisas que mais se falou sobre o brilhante “Possuídos” (2006) é que o mesmo marcava o “renascimento artístico” de William Friedkin. Bem, quem falou essa bobagem provavelmente não viu ou tem de rever “Caçado”, produção de 2003 também dirigida por Friedkin, obra essa que está no mesmo nível de qualidade de outras belas obras-primas desse mestre como “Operação França” (1971) e “Viver e Morrer em Los Angeles” (1985). Friedkin mostra que não é necessário fazer dezenas de cortes por minutos para se fazer uma ótima seqüência de ação, sendo que é impressionante em “Caçado” a classe do trabalho de montagem do filme. O cineasta conduz com precisão uma obra que alia forte tensão com cenas eletrizantes de perseguição e lutas corporais. As seqüências em que os personagens de Tommy Lee Jones e Benicio Del Toro duelam com facas e no braço são primorosas no seu dinamismo cinematográfico. Aliás, outro ponto forte em “Caçado” é o ótimo trabalho de direção de atores, com Jones e Del Toro tendo alguns dos melhores momentos dramáticos de suas carreiras.

Assistir a “Caçado” é ver o bom cinema de ação em estado de graça nas mãos de um dos maiores especialistas no gênero.

quarta-feira, abril 16, 2008

O Amor nos Tempos de Cólera, de Mike Newell *


A produção é norte-americana, o roteiro é baseado no livro de um escritor colombiano, a trama se passa numa cidadezinha imaginária da América do Sul, o diretor é inglês e o casal de protagonistas é vivido por um espanhol e uma italiana (com ambos falando um inglês macarrônico). É claro que não é regra que uma combinação esdrúxula dessas necessariamente teria de resultar em um mau filme, mas no caso de “O Amor nos Tempos de Cólera” toda essa confusa combinação de elementos acabou implicando numa obra sem vida e de personalidade nula. A bonita fotografia e a trilha sonora até tem seus encantos, mas não fazem com que a narrativa perca o seu excessivo ranço acadêmico. Confesso que não li o livro de Gabriel Garcia Márquez, mas a trama do livro, digna de uma novela das 8, não me estimulou nem um pouco a ler ao mesmo. É irritante também a forma caricatural com que Mike Newell retrata personagens e situações, tirando dos mesmos quaisquer traços de humanidade e consistência dramática. Tudo no filme é vazio e contaminado por um exotismo para anglo-saxões se deslumbrarem.

Assistir a “O Amor nos Tempos de Cólera”, entretanto, não é um desperdício completo de tempo porque as caracterizações afetadas e as simplificações do roteiro são tantas que em vários momentos do filmes temos um humor involuntário típico das produções thrash. Pensando bem, o filme até seria bem melhor se tivesse Ed Wood comandando essa zona toda...

terça-feira, abril 15, 2008

A Morta Viva, de Jacques Tourneur ****


O título em português desse filme clássico de Jacques Torneur lançado em 1943 pode fazer supor que seja uma produção podreira sobre zumbis. Mas o caso aqui é quase que o oposto. Assim como na sua outra obra-prima “Sangue de Pantera” (1942), o mestre dos filmes de horror da RKO prefere investir na construção de atmosferas sombrias e no suspense psicológico, onde a tensão vem muito mais do que é sugerido do que é realmente mostrado. Tourneur obtém seqüências de uma beleza visual perturbadora, principalmente naquela em que a enfermeira Betsy (Frances Dee) segue a Senhora. Holland (Edith Barrett) no meio de uma floresta sombria e enevoada. As trucagens são simples e econômicas, mas contribuem fantasticamente com o raro encanto sensorial de “A Morta Viva”. O resultado de tantas virtudes cinematográficas é um filme que envelheceu quase nada.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)


Não Estou Lá, de Todd Haynes ****
Horton e o Mundo dos Quem, de Jimmy Hayward e Steve Martino ***1/2
Apenas Uma Vez, de John Carney ***1/2
Cantando na Chuva, de Gene Kelly e Stanley Donnen ****
Bang-Bang, de Andrea Tonacci ****

Coisas Que Perdemos Pelo Caminho, de Susanne Bier **1/2


Os dois primeiros filmes que assisti da diretora dinamarquesa de Susanne Bier foram “Corações Livres” (2002) e “Brothers” (2004), obras altamente vigorosas, em que a cineasta combinava com maestria o rigor naturalista típico do movimento Dogma 95 e dinâmica narrativa admirável, além das tramas apresentarem uma forte densidade dramática que dispensava sentimentalismos excessivos. O superestimado “Depois do Casamento” (2006) colocou a perder boa parte das qualidades das produções anteriores, com a diretora sucumbindo a exageros melodramáticos e convencionalismos formais.

“Coisas Que Perdemos Pelo Caminho” (2007), estréia de Susanne Bier nas produções norte-americana, é um pouco melhor que “Depois do Casamento”, mas não recupera o brilho inicial de “Corações Livres” e “Brothers”. Por mais que o filme trate de temas difíceis como morte e vício em drogas pesadas, o tratamento que a cineasta oferece aos mesmos é asséptico demais, tirando muito do impacto que o filme poderia ter. Bier parece mais preocupada com as lições de vida do que com oferecer uma narrativa interessante. Mesmo assim, o filme mostra alguns atrativos, principalmente pela boa interpretação de Benicio Del Toro como o viciado Jerry (apesar de estar a léguas de distância do assustador junkie vivido por Del Toro no genial “Medo e Delírio em Las Vegas), além da bela trilha sonora recheada de inesquecíveis canções de Velvet Underground e Frank Zappa.

domingo, abril 13, 2008

Filmes da Semana (cotações de 0 a 4 estrelas)


Mulheres Sexo Verdades Mentiras, de Euclides Marinho *
Allegro, de Christopher Boe ***
Smiley Face, de Gregg Araki *1/2
Além do Desejo, de Pernille Fisher Christensen ***
Jogos do Poder, de Mike Nichols **1/2
A Casa de Alice, de Chico Teixeira **1/2
Angel, de François Ozon *1/2
Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho ***
Cada Um Com Seu Cinema, de David Cronenberg, David Lynch e outros ***
Antes de Partir, de Rob Reiner **
Mala Noche, de Gus Van Sant ****
Ritos de Amor e Morte, de Yukio Mishima ****
Demência, de John Parker ****
Rambo 4, de Sylvester Stallone ****
Obras-Primas do Terror, de Enrique Carreras ****
Persépolis, de Marjane Satrapi e Vincent Parannaud ***
Os Senhores do Crime, de David Cronenberg ****
10.000 A.C., de Roland Emmerich **1/2
Medos Privados em Lugares Públicos, de Alain Resnais ***1/2
Sicko - $O$ Saúde, de Michael Moore **
Andarilho, de Cao Guimarães ***
Diário de Sintra, de Paula Gaitán *
Estômago, de Marcos Jorge ***
O Povo das Ilhas Perdidas, de Hrant Hakobyan **1/2
O Parque, de Yin Lichuan ***1/2
Quem Me Ama Que Me Siga, Benoit Cohen **1/2
Desvinculados, deJoanna Figg **1/2
Procurando Miguel, de Juan Fischer *1/2
Piscina de Princesas, de Bettina Blümer **1/2
Dias, de Laura Muscardin *
Cidade Congelada, de Aku Louhimies **1/2
Valsa Para Bruno Stein, de Paulo Nascimento *
Café Lumiere, Hou Hsiao-sien **1/2
Margem, de Maya Da Rin **
Rapsódias Balcânicas: Sérvia e Kosovo, de Jeff Daniel Silva **1/2
Primavera Em Um Parque, de Hiroshi Toda **
Compaixão, de Yaniv Amodai **1/2
Nossos Anos, de Alberto Gaglianoni ***
Para Sempre Esther, de Richard Olivier ***
Miss Gulag, de Maria Yatskva **
Minha Winnipeg, de Guy Maddin ***1/2
Inocência Selvagem, de Philippe Garrel ****
Quer Saber?, de Paulo de Tarso Disca **
A Fazenda das Alondras, de Paolo e Vittorio Taviani ***
Pesos Ligeiros, de Enrico Pau **1/2
Medusas, de Shira Geffen ***
Milton Santos: O Mundo Global Visto do Lado de Cá, de Silvio Tendler ***
O Império dos Sonhos, de David Lynch ****
A Oferenda, de Michelangelo Frammartino **1/2
Os De Lip – A Imaginação no Poder, de Christian Rouaud ***
Nossas Vidas Privadas, de Denis Coté **1/2
Também Queremos as Rosas, de Alina Marazzi ***
Réquiem – O Exorcismo de Micaela, de Hans-Christian Schmid ***1/2
Nisida – Crescer na Prisão, de Laura Rastelli **1/2
O Amor Esquivo, de Abellatif Kechiché ****
Residência Roma, de Andréa Foschi, Marco Innocenti, Marco Neri e Pietro Pasquetti **
Vjesh/Canto, de Rossella Schillaci ***
Domicílio Privado, de Saverio Costanzo ***
O Lado Grotesco da Vida, de Federica di Giacomo **1/2
Férias, de Thomas Arslan **1/2
O Exame de Xhodi, de Gianluca e Mssimiliano De Serio *1/2
Almost Blue, de Alex Infascelli **
Ser Romeu e Julieta, de Robin Schlant ***
Ascensor, de George Dorogantu *
A Sombra Má, de Andrea Segre e Francesco Cresati **
Tal Como Sou, de Ingrid Demetz **
Tartarugas na Costa, deSefano Pasetto **1/2
Filkret Bey, de Selma Koksal Cekik *1/2
Edu Coração de Ouro, de Domingos de Oliveira ***1/2
A Culpa, de Domingos de Oliveira ***
Jumper, de Doug Liman ***1/2
Possessão, de Andrzej Zulawski ****
O Sinal, de Ricardo Darín e Martin Odara ***
Na Natureza Selvagem, de Sean Penn ***1/2
O Preço da Coragem, de Michael Winterbottom ***
4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias, de Cristian Mungiu **1/2
Serras da Desordem, de Andrea Tonacci ***
Rolling Stones – Shine a Light – de Martin Scorsese ****
Zona de Conflito, de Tim Roth ****
Alice no País das Maravilhas, de Clyde Geronimi, Wilfred Jackson e Hamilton Luske ****
Scarface, de Howard Hawks ****
Fúria Sanguinária, de Raoul Walsh ****
Terra, de Julio Medem ****
Vacas, de Julio Medem ****
O Dia da Besta, de Álex de la Iglesia ****

Anos de Rebeldia, de Denis Hopper ****


Lançado em 1979 e considerado um dos vários pontos altos da carreira de Neil Young, o álbum "Rust Never Sleeps" é o reflexo de uma época conturbada tanto para o rock quanto para o próprio mundo. Era um tempo ainda muito marcado pela efervescência violenta e niilista do punk, com o ideário de paz e amor da geração "flower power" sepultado. Intrigado com a situação, o mestre canadense resolve expressar sua visão desse período através do disco em questão, cujo título, "A Ferrugem Nunca Dorme", já é uma alusão ao temor do autor de ser transformado em apenas mais um anacronismo. A clássica canção de abertura do disco, "Hey Hey, My My (Out Of The Blue)", sintetiza com perfeição o espírito da obra. Nela, Neil Young declara o seu amor ao rock and roll e faz dele a sua profissão de fé, mas ao mesmo tempo expõe as suas contradições, fazendo a ligação direta entre o Rei Elvis Presley e o príncipe bastardo Johnny Rotten, vocalista e líder dos Sex Pistols. É nessa canção, inclusive, que está a famosa sentença "é melhor queimar do que enferrujar", citada por Kurt Cobain na sua carta de despedida.

"Anos de Rebeldia", cujo título original é "Out Of The Blue", é um filme de 1981 que é diretamente inspirado em "Hey Hey, My My", mostrando o cotidiano de C.B. (Linda Manz), uma "punk girl" interiorana sempre pronta a arrumar confusões e fissurada em Elvis e Sid Vicious. Ao longo da trama, a menina vê o seu frágil núcleo familiar se desestruturar ainda mais após o seu pai, Don Barnes (Denis Hopper, também diretor do filme), sair da prisão.

Um detalhe fantástico em "Anos de Rebeldia" é que ele parece uma continuação natural de "Sem Destino", a fundamental obra de estréia de Hopper na direção e um verdadeiro marco cultural dos "sixties". Enquanto no primeiro filme há uma abordagem com um certo tom idealista e romântico para a trajetória dos dois traficantes-motoqueiros interpretados por Hopper e Peter Fonda, mas com final abrupto e violento, em "Anos de Rebeldia" essa visão mais reverencial dos anos 60 desaparece. Para o diretor, o sonho definitivamente acabou. A rebeldia, o amor livre e o uso de drogas, vistos anteriormente como formas de contestação da sociedade, foram distorcidos, passando apenas a serem mais uma forma de alienação. E C.B. é a encarnação perfeita dessa constatação, com a mesma tendo um ódio que chega a ser conceitual pelos hippies (a garota adora invadir as ondas de rádios amadores para ficar bradando "Kill All Hippies" - aliás, tal expressão é título de uma grande canção do Primal Scream, que inclusive sampleou as falas de C.B. para a música).

Hopper filma toda essa saga de decadência e destruição com muito vigor e estilo, apostando em um registro de fortes influências documentais que se casa perfeitamente com o espírito do filme. Isso se reflete logo na violenta abertura, com um dos acidentes automobilísticos mais brutais já visto no cinema, e também nas fantásticas seqüências de peregrinação noturna de C.B. pela cidadezinha onde vive e arredores, com a mesma se metendo em tudo que é tipo de encrenca, desde a puxar briga com leões-de-chácara com o triplo do seu tamanho até dar canja como baterista no show de uma banda punk e logo após participar do roubo de um carro. A espontaneidade captada por Hopper nesses momentos é admirável. É incrível também como a direção de fotografia oferece ao filme uma narrativa visual fortemente expressiva, abusando de longos planos-seqüência .

Além do belo trabalho na direção, Denis Hopper tem em "Anos de Rebeldia" uma das melhores interpretações de sua carreira, com o seu Don Barnes variando de forma comovente entre o francamente repulsivo e o patético. Mas o grande destaque do elenco do filme é sem dúvida nenhuma Linda Manz. Ela faz com que C.B. seja aquele tipo de personagem que fica rondando no nosso imaginário cinematográfico para sempre. Afinal, é em torno dela que gira o próprio filme, fazendo com que realmente ficamos íntimos da garota. Ao longo do filme, conseguimos perceber várias facetas de C.B.: sarcástica, apaixonada, carinhosa, carente, inocente, vingativa, sábia. Manz sabe captar e expressar todos esses lados da personagem, oferecendo uma atuação inesquecível. A garota ainda consegue resumir toda essa gama de sensações na trágica e irônica conclusão de "Anos de Rebeldia". Tal final, aliás, é uma verdadeira sacada de gênio de Hopper, dando um fecho sombrio e coerente para essa pérola transgressora da sua bissexta e marcante carreira de cineasta.

sábado, abril 12, 2008

Profissão de Risco, de Ted Demme ***


Em "Profissão de Risco", o diretor Ted Demme parece nos dizer insistentemente que quer ser o novo Martin Scorsese. Bem, se ele conseguiria atingir tal objetivo é uma incógnita, afinal Demme faleceu em 2002, logo após ter finalizado "Profissão de Risco". Mas a julgar pelo filme em questão, é provável que dificilmente atingisse tal patamar. Até porque Scorsese já demonstrava genialidade no início de sua carreira, em filme como "Quem Bate a Minha Porta", "Sexy e Perigosa" e "Caminhos Perigosos", coisa que Demme nunca demonstrou em sua curta carreira cinematográfica. Mas não ser Scorsese não implica necessariamente em ser ruim, sendo que em "Profissão de Risco" podemos encontrar alguns momentos de bom cinema.

Demme formata "Profissão de Risco", tanto formal quanto tematicamente, tendo como modelo "Os Bons Companheiros", uma das grandes obras-primas de Scorsese, contando a história de ascensão, apogeu e queda do traficante George Jung (Johnny Depp). Guardadas às devidas proporções, a primeira metade de "Profissão de Risco" remete bastante aos filmes de gangsters de Scorsese, com um ritmo frenético (que parece aludir ao consumo de cocaína), caracterização bem trabalhada dos anos 60 e 70 e narração em off pautando a ação. São nesses momentos que o filme tem as suas melhores seqüências, com Demme sabendo conciliar com firmeza ironia e dramaticidade, além de contar com uma edição envolvente que se casa de forma eficiente com a trilha sonora recheada de ótimas canções emblemáticas da época. O diretor cria também um clima de dubiedade para a sua trama, em que a opulência e intensidade da vida do protagonista provocam um efeito de atração e repúdio para quem assiste.

Os problemas de "Profissão de Risco" começam aparecer, entretanto, no segundo ato do filme, que corresponde à decadência financeira e moral de Jung. O filme adquire uma narrativa muito mais arrastada e marcada por um forte tom moralista do tipo "você fez e agora você tem de pagar". Perde-se o sarcasmo do início, e fica apenas o rosário de desgraças para o nosso "herói". Demme parece esquecer alguns dos princípios do seu mestre, transformando a história de Jung em apenas mais uma parábola de como não devemos desobedecer a lei sob o risco de nos arrependermos. Uma das coisas fascinantes em "Os Bons Companheiros" era justamente o fato de que os personagens de Scorsese não pareciam demonstrar arrependimento dos seus atos, aceitando resignados o seu destino como uma das possíveis conseqüências para os seus crimes. O brilhante final resumia perfeitamente esse espírito: Henry Hill (Ray Liotta), já sob as asas do programa de proteção a testemunhas, olha o seu prato de macarrão com catchup e diz: "eu comia muito melhor antes". Aliás, um detalhe curioso em "Profissão de Risco" é o fato de Ray Liotta participar do filme como o pai de Jung, dando justamente a impressão desse último parecer uma versão júnior de seu marcante personagem em "Os Bons Companheiros".