Flores raras, de Bruno Barreto ***

Os primeiros 10 minutos de “Flores raras” (2013) são claudicantes: a encenação parece um tanto forçada, como se o diretor Bruno Barreto não se sentisse à vontade para filmar nos Estados Unidos. Quando a trama passa a se desenvolver no Brasil, entretanto, o filme adquire força e desenvoltura surpreendentes. Mesmo com uma narrativa convencional, o filme cativa pela maturidade na forma com que o roteiro enfoca as relações humanas, contando ainda com uma visão política e histórica que foge das obviedades e dos reducionismos simplistas. O estilo de filmar de Barreto é simples e elegante, captando sutis nuances na dinâmica entre os personagens. Lota (Glória Pires), por exemplo, tem uma noção bastante liberal sobre as cirandas amorosas em que se envolve, mas ao mesmo tempo é fortemente reacionária e oportunista em suas opiniões e escolhas políticas. Já sua amante, a poeta Elisabeth Bishop (Miranda Otto), mostra uma sensibilidade à flor da pele na sua arte enquanto age de forma seca em relação às pessoas que a cercam. Assim, por mais que a história tenha os seus momentos de romantismo, o que prevalece é um tom melancólico e pouco idealizado do amor romântico, o que dá uma dimensão humana bastante contundente para “Flores raras”. Colaboram também para o impacto considerável do filme as atuações da dupla de protagonista: enquanto Glória Pires privilegia um registro visceral, Miranda Otto adota uma contenção dramática admirável – as diferenças nas interpretações garantem a tensão necessária de forma mais que convincente.

Wrong, de Quentin Dupieux *1/2

A influência principal do diretor francês Quentin Dupieux em “Wrong” (2012) é evidente em cada fotograma: o cara queria ser David Lynch. Mas apenas emular um estilo não quer dizer necessariamente que se vá reproduzir a mesma genialidade. E Dupieux acha que a estética lyncheana se resume a bizarrices engraçadinhas. Não há aquela combinação marcante e de alto impacto sensorial entre surrealismo e virtuosismo cinematográfico típica das melhores produções de Lynch. O filme se limita a uma trama absurda e rasa formatada em cenas esquisitas que estão muito mais para o besteirol de algumas comédias clássicas dos irmãos Zucker (só que sem a mesma inspiração).

Quarto 237, de Rodney Ascher ****

É difícil dizer exatamente sobre o que se trata o documentário “Quarto 237” (2012). Pode-se considerar que o diretor Rodney Ascher quis abarcar uma série de obsessões temáticas e estéticas – a capacidade do filme “O iluminado” (1980) despertar as mais esquisitas e absurdas teorias, a genialidade de Stanley Kubrick, a cinefilia, o poder da edição cinematográfica. O impressionante é que Ascher juntou tudo isso com coerência formal impressionante, tendo por resultado final uma obra que traz uma lógica singular. O documentarista não tem a pretensão de fazer com que o espectador acredite nas teorias meio amalucadas dos fãs do horror de Kubrick (no mais das vezes, tratam-se de algumas explicações estapafúrdias para alguns erros de continuidade ou mesmo de verossimilhança da produção em questão). Para Ascher, parece mais divertido visualizar as ideias expostas pelos entrevistados. E é nesse ponto que vem um dos aspectos mais fascinantes de “Quarto 237”: a brilhante e minuciosa montagem que recorta com precisão cenas de “O iluminado”, outras películas de Kubrick, imagens de arquivo em geral, alguns gráficos digitais. Ascher não mostra sequer uma cena filmada por ele. Seu filme é um produto exclusivo da sua imaginação e da sala de montagem. Talvez seja uma das manifestações fílmicas mais contundentes sobre a importância primordial da edição numa obra cinematográfica. Tal concepção pode ser discutível para alguns, mas é inegável a sedução sensorial que a narrativa elaborada por Ascher proporciona.

Nocturna, de Adrià Garcia e Victor Maldonado **1/2

A animação espanhola “Nocturna” (2007) apresenta uma série de elementos que a diferencia das produções norte-americanas no gênero, mostrando mais até uma sintonia com a filmografia de mestre japonês Hayao Miyazaki. Há uma atmosfera entre o onírico e o conto de fada sombrio, prevalecendo um traço menos rebuscado e mais estilizado, em detrimento do grafismo realista. O roteiro explora uma mitologia atraente para o imaginário infantil – a de como funciona o mundo quando estamos dormindo. Assim, há uma variedade de tipos estranhos e por vezes encantadores. O que impede “Nocturna” de ser uma experiência efetivamente memorável é sua narrativa um tanto truncada, que não tem a mesma leveza e agilidade das obras Miyazaki. Mesmo assim, não deixa de ser uma curiosidade a ser conferida pelos apreciadores de animações.

Confissões de um jovem apaixonado, de Sylvie Verheyde **1/2

Peter Doherty, vocalista e guitarrista da extinta banda Libertines, sempre encarnou uma espécie de atualização para o nosso presente dos jovens poetas ultra-românticos do século XIX: de feições entre o inocente e o blasé, comportamento polêmico e autodestrutivo e arte intensa à flor da pele. Dessa forma, foi uma bela sacada da diretora Sylvie Verheyde colocá-lo como protagonista em “Confissões de um jovem apaixonado” (2012), versão cinematográfica para um romance situado em 1830, cuja trama traz Octave (Doherty), rapaz que após uma desilusão amorosa entra num vórtice de autopiedade, hedonismo e culpa. Verheyde revela alguma sensibilidade plástica ao construir cenas impregnadas de fotografia esmaecida e etérea, o que acaba rendendo uma atmosfera estranha que varia entre o ascético e o sensual. O problema da produção é que a equação entre cinema e literatura não consegue atingir uma melhor desenvoltura – a abordagem formal da cineasta é naturalista, mas narração e diálogos trazem uma literalidade e solenidade que tornam a fluência da narrativa bastante truncada, induzindo por vezes à monotonia.

A sorte em suas mãos, de Daniel Burman **

A presença do cantor Jorge Drexler no papel de protagonista em “A sorte em suas mãos” (2012) não é gratuita. Sua atuação entre o aéreo e o inexpressivo encaixa bem com o personagem Uriel, um contumaz jogador de pôquer que estende o blefe e a mentira, artifícios naturais do jogo, para a sua vida e acaba tendo por isso dificuldades em seus relacionamentos pessoais. Tal premissa é bastante interessante, no sentido da possibilidade de manter uma constante atmosfera de ambigüidade. Ocorre que o problema do filme é que o diretor Daniel Burman se envereda por caminhos mais comportados. O tratamento que dá para a narrativa é a de uma típica comédia romântica, o que tira muito do inicial gume cortante da trama. Assim, a produção é até agradável por alguns momentos engraçados, mas no geral prevalece uma insipidez criativa, daquelas que tornam o filme fácil de ver e ainda mais fácil de esquecer.

Repare bem, de Maria de Medeiros ***

É claro que se pode dizer que “Repare bem” (2013) não traz maiores novidades para o gênero “documentário sobre a ditadura militar no Brasil”. Mas é provável que isso nem fosse a intenção da diretora portuguesa Maria de Medeiros ao realizar esse filme. Afinal, ela foi convidada a dirigir tal obra por uma instituição ligada a pesquisa e investigação sobre o período histórico em questão. O resultado final, entretanto, está muito longe de ser um mero trabalho institucional. A cineasta soube aproveitar bem a contundente matéria prima que tinha em mãos e concebeu um filme vigoroso e de forte teor emocional. Medeiros concentrou sua narrativa nos depoimentos da protagonista Denise Crispim, que viveu na clandestinidade nos tempos de chumbo e teve o marido Eduardo “Bacuri”, também guerrilheiro, preso, torturado e morto. Seus relatos são detalhados e vívidos, compondo um amplo panorama que mistura sem cerimônia o intimismo de seu drama pessoal com um retrato brutal do cenário político e social do Brasil dos anos 60 e 70, além de evidenciar que as sequelas e traumas daquele período atribulado ainda são feridas abertas no imaginário daqueles que vivenciaram na carne as agruras da repressão.

Gente grande 2, de Dennis Dugan *

O primeiro “Gente grande” (2010) era um filme interessante. Conseguia um equilíbrio razoável entre a comédia física ostensiva e um certo tom de crônica nostálgica. Essa continuação, de 2013, tem uma abordagem muito diferente da obra que a precedeu. É puro humor grotesco e escatológico. A impressão é que o roteirista se preocupou apenas em criar um fio de história para servir de mero pretexto para uma sucessão de cenas grosseiras, com o diretor Dennis Dugan formatando tudo como se fosse um longo episódio do Zorra Total. O resultado final é muito ruim, mas o negócio é tão tosco e forçado que a produção acaba até ganhando uma aura de curiosidade tamanho o exagero e cara de pau de suas ideias e concepções.

Frances Ha, de Noah Baumbach ***

Nos seus filmes anteriores, principalmente naquele que é considerado o seu melhor trabalho, “A lula e a baleia” (2005), o estilo do diretor Noah Baumbach era marcado por um naturalismo objetivo. Em sua obra mais recente, “Frances Ha” (2012), entretanto, o cineasta resolveu dar uma variada. Por mais que a temática de tal produção seja contemporânea, há uma atmosfera no filme fortemente retrô. A estética elaborada por Baumbach remete aos primeiros filmes da Nouvelle Vague: tudo parece mais livre, solto, quase como se o roteiro estivesse sendo escrito de acordo com a evolução da trama, a partir de lembranças, citações, referências. A trilha sonora acentua o tom de farsa – a trajetória da personagem-título é marcada por momentos dramáticos, até mesmo depressivos, mas o tratamento oferecido por Baumbach faz tudo parece uma comédia meio amalucada (ainda que por vezes amarga). É claro que a influência francófila pode dar uma impressão de deja vu, mas a estrutura narrativa menos rígida dá um certo frescor à obra, ainda mais se comparada com a anemia criativa da maioria do que se faz no gênero atualmente no cinema norte-americano.

Rugas, de Ignacio Ferreras ***

O traço simples e a narrativa tradicional representam uma superfície que esconde com sutileza os grandes méritos inquietantes da animação espanhola “Rugas” (2011). A trama é centrada num asilo, tendo como protagonistas dois idosos que encaram de forma nada idealizada as agruras da velhice (abandono, doenças, decadência física). A abordagem do diretor Ignacio Ferreras por vezes se permite uma razoável dose de bom humor e ironia, mas o que prevalece é um certo tom amargo nessa crônica crepuscular. O fato do cineasta ter preferido enveredar pelo desenho animado para contar a história ampliou as possibilidades criativas do filme, pois possibilitou convincentes e belas cenas envolvendo sonhos, delírios e recordações, todas situações que são inerentes à condição dos personagens. E nesse sentido, “Rugas” acaba sendo fortemente humano e contundente na forma com que retrata o desenvolvimento do Mal de Alzheimer em um dos personagens. Entretanto, apesar de toda essa melancolia, o filme se permite a um final de caráter discretamente redentor e que revela uma serena coerência com a abordagem temática da obra.

Bling Ring: A gangue de Hollywood, de Sofia Coppola ***

Assim como se fazia supor em “Um lugar qualquer” (2010), o estilo de Sofia Coppola parece estar mais descarnado em “Bling Ring: A gangue de Hollywood” (2013). É como se a diretora quisesse lapidar a sua estética de excessos, preferindo reduzir seu cinema a um essencial básico. Isso é até curioso, no sentido de que seu pai, Francis Ford Coppola, é um autor marcado por um virtuosismo que por vezes até envereda pelo operístico. Essa abordagem da cineasta encontra um material temático com o qual estabelece uma sintonia bastante coerente. Afinal, a história que conta as aventuras contraventoras de um bando de jovens de classe média alta que se divertem furtando casas de ricos e famosos em Hollywood recebe um tratamento de distanciamento emocional e sem glamourizações. O registro de Sofia é marcado pela frieza e objetividade, mesmo quando ela obtém cenas memoráveis ao conceber uma atraente atmosfera de hedonismo. E é de se ressaltar ainda a ótima mão dela na direção de atores – o trio protagonista (Emma Watson, Katie Chang e Israel Broussard) tem desempenhos antológicos. No geral, as escolhas artísticas de Sofia podem frustrar aqueles que esperam maiores arrebatamentos sensoriais, mas é inegável que dão à “Bling Ring” um forte conteúdo emblemático de sua época.

Red 2 - Aposentados e ainda mais perigosos, de Dean Parisot **

Pelo menos um mérito dá para creditar para “Red 2 – Aposentados e ainda mais perigosos” (2013): é bem melhor que a primeira parte. É verdade, também, que para isso não precisava muito esforço, pois aquela produção de 2010 era uma das piores coisas disparadas lançadas naquele ano (e ainda tinha o inquestionável demérito de ser infinitamente inferior à HQ original escrita por Warren Ellis na qual se baseou). Talvez por não ter esse peso da comparação com a HQ, afinal se trata de roteiro original, essa continuação pareça mais palatável. Mesmo assim, não vai muito além disso... Trata-se de uma obra que é competente em algumas sequências de ação, mas a tensão dramática é nula. Culpa da tendência do roteiro em querer fazer tudo parecer cool e engraçadinho, fazendo o filme ter uma cara constante de farsa/paródia do gênero ação. Tanto que apesar de todas as explosões, tiroteios e brigas que a trama contém, quase não há sangue, dando à produção uma cara de violência asséptica, propícia para dar aquele caráter família e baixar a faixa etária da audiência (condição muito importante para se ter uma boa bilheteria). É como se o diretor Dean Parisot tivesse vergonha de fazer um típico filme de ação. Dá até uma saudade com os ossos quebrados e do sangue em profusão de alguns clássicos do cinema porrada dos anos 80...

Os sabores do palácio, de Christian Vincent **1/2

Assim como há os “filmes paisagem”, aqueles em que os diretores adoram fazer enquadramentos mostrando as belas localidades onde a trama se desenvolve (e que poderiam até funcionar como excelente peça promocional de imobiliárias), há também aquelas produções que podem se enquadrar no gênero “filmes gourmet”. Seriam aquelas que por vários momentos enfatizam pratos apetitosos sendo elaborados e servidos (poderiam também ser utilizados como material de marketing, nesse caso por restaurantes). É claro que há exceções em que obras se utilizando desse expediente podem revelar expressivas inquietações artísticas, como “A festa de Babette” (1987) ou “Ratatouille” (2007), mas no geral os tais “filmes gourmet” mais revelam a propensão para a assepsia formal do que para alguma improvável ousadia. E é nesse caso que “Os sabores do palácio” (2012) se enquadra. É claro que os tais pratos parecem deliciosos, há alguns momentos engraçados e o elenco tem certo carisma. O filme, contudo, foge pouco dessa previsibilidade e bom-mocismo. Mesmo o comentário político do seu subtexto é superficial e pouco desafiador. Ou seja, tudo fácil de ver e de esquecer, ainda que possa dar vontade de ir a algum restaurante...

As horas vulgares, de Vitor Graize e Rodrigo de Oliveira *1/2

A trilha sonora repleta de temas de jazz, a fotografia em preto e branco e o tom existencialista da trama são elementos que deixam bem claras as influências dos diretores Vitor Graize e Rodrigo de Oliveira em “As horas vulgares” (2011). Passam pelas obsessões estéticas e temáticas de Michelangelo Antonioni na Trilogia da Incomunicabilidade e de Ingmar Bergman na Trilogia do Silêncio, pelas atmosferas rarefeitas dos filmes de Philippe Garrel e pela sutileza melancólica do extraordinário “Trintas anos esta noite” (1963). O resultado final do referido filme brasileiro, entretanto, fica bem longe do alto padrão artístico de suas fontes inspiradoras. A produção até tem uma fotografia caprichada, além do elenco trazer alguns atores de recursos dramáticos expressivos. “As horas vulgares” não funciona é como narrativa mesmo – tudo soa muito truncado, forçado, não havendo naturalidade em sua encenação. Culpa disso também é também de um roteiro equivocado, em que não há espaço para a construção de um subtexto, de uma possibilidade de interpretação por parte do espectador; os personagens dizem tudo o que sentem e também o significado do que sentem, configurando um texto de caráter ingênuo. Num comparativo, o filme me parece o equivalente cinematográfico do disco “4” dos Los Hermanos: a gente até sente que os caras tem talento, mas a pretensão em ser “profundo” e “sério” acaba gerando uma obra aborrecida e carente de personalidade definida.

Vendo ou alugo, de Betse Paula **

As influências de Betse Paula em “Vendo ou alugo” (2012) são bastante visíveis. A diretora procura resgatar aquela estética descompromissada e popular das comédias/chanchadas setentistas, principalmente na vertente que exaltava o alto-astral carioca, cujo modelo maior são algumas produções dirigidas por Hugo Carvana. Ocorre que hoje em dia, como se pode em filmes recentes do próprio Carvana, tal concepção formal soa bastante datada. É claro que por vezes pode-se simpatizar com o tom de fuleiragem de algumas cenas, com algumas atuações carismáticas, com o interessante contraste/complementação que se estabelece entre o ambiente das favelas com a decadência classe-média (nesse sentido, daria até para dizer que ocorre um registro emblemático da atual conjuntura brasileira). O que predomina, entretanto, em “Vendo ou alugo” é a sensação de que sempre está faltando alguma coisa no meio de uma encenação que beira o mambembe e da ausência de uma efetiva tensão dramática, o que faz com que a obra seja incapaz de apresentar alguma seqüência memorável para o imaginário do espectador.

Círculo de fogo, de Guillermo Del Toro ***1/2

Em um primeiro momento, “Círculo de fogo” (2013) pode lembrar o genial “Tropas estelares” (1997). Afinal, as tramas de ambos apresentam em comum jovens militares combatendo monstros alienígenas. Só que no filme de Paul Verhoeven, o tom era de farsa sutil, trazendo um comentário irônico velado sobre os excessos de uma sociedade militarizada. Já a produção dirigida por Guillermo Del Toro é aventura puramente escapista. O roteiro é divertido, mas na verdade é mero pretexto para exageradas cenas de ação. E nesse campo, “Círculo de fogo” é um trabalho de fôlego. Os efeitos visuais são caprichados nos seus detalhes visuais – os robôs gigantes, por exemplo, são muito mais convincentes que aqueles da franquia “Transformers”. O design das criaturas que vêm das profundezas marítimas revela um senso plástico elevado – são monstros efetivamente asquerosos e assustadores. Del Toro aproveita muito bem essa expressiva matéria prima: as cenas de batalhas são movimentadas e brutais na medida certa. Uma das formas que dá para encarar essa ficção científica é pensar naqueles velhos seriados japoneses de monstros (tipo Ultraman e Spectreman), cheios de porradaria mas de estética fuleira, e vê-los devidamente recauchutados por um orçamento milionário e um cineasta empolgado pelo gênero. O resultado é uma releitura que se equilibra bem entre a nostalgia e a modernidade.

As aventuras do Kon Tiki, de Joachim Ronning e Espen Sandberg ***

Os diretores noruegueses Joachim Ronning e Espen Sandberg obtém uma síntese narrativa bastante eficiente em “As aventuras de Kon Tiki” (2012). Tendo por base uma história real, o filme combina de forma harmoniosa drama histórico, aventura e uma densidade psicológica aguçada tanto nas situações do roteiro quanto na caracterização dos personagens. As paisagens exóticas são bem valorizadas pela competente direção de fotografia, assim como a direção de arte revela esmero na reconstituição de época. Mas a efetiva força criativa do filme está em algumas sequências de ação empolgantes, principalmente naquelas envolvendo tempestades marítimas e nos enfrentamentos alucinados contra tubarões. E o filme não se prende nas soluções fáceis do tipo lições de vida e superação. O que fica mais evidente é um caráter obsessivo, beirando o doentio, nas atitudes dos personagens – tanto pode ser a vontade de provar alguma teoria científica obscura quanto o simples desejo quase suicida de desafiar a natureza e a morte. As figuras do filme parecem se mover mais por desejos atávicos do que por algum impulso de moralidade. E isso acaba sendo mais assustador e inquietante que os perigos enfrentados por eles no mar aberto.

Não toque no machado, de Jacques Rivette ****

A obsessão na junção entre cinema e literatura de Jacques Rivette atinge um alto grau de excelência artística em “Não toque no machado” (2007). O cineasta francês preserva da obra original de Balzac aquilo que ela tem de essencial: os diálogos que fluem entre o solene e o poético, a dramaticidade que navega entre o sombrio e a ironia sutil. Nesse encruzilhada de mídias, Rivette elabora uma narrativa realista de cunho muito particular – as situações focadas no roteiro, as relações humanas, tudo sugere uma abordagem que foge do idealismo romântico, mas ao mesmo tempo parece que se assiste a uma obra cujo naturalismo pertence a uma outra dimensão. Talvez seja um plano de realidade que se vincule ao universo resultante das fusões das concepções formais e temáticas próprias tanto de Balzac quanto de Rivette. Até o trabalho de direção de arte e figurino mais se relacionam a uma noção de imaginário de uma época do que a um rigor histórico. A atuação do casal protagonista está em sintonia com o ideário estético da obra, sendo que tanto Jeanne Balibar como Guilaume Depardieu trazem caracterizações extraordinária na aura de melancolia e alienação que imprimem em seus respectivos papéis. Dizem que Rivette anda bem doente e que em razão disso dificilmente voltará a filmar. Se isso realmente se concretizar, é inegável que “Não toque no machado” seria uma contundente síntese dos preceitos artísticos que sempre nortearam a sua filmografia.

Augustine, de Alice Winocour ***

A temática da psiquiatria não é uma novidade no cinema, principalmente no que diz respeito a roteiros inspirados em fatos reais. Do emblemático “Freud além da alma” (1962) até o recente “Um método perigoso” (2011), o estudo das doenças e meandros da mente renderam algumas obras de interesse. Nesse caso, também pode ser enquadrada a produção francesa “Augustine” (2012), cuja trama é baseada nos estudos sobre a histeria do professor Jean-Martin Charcot (aqui interpretado com a habitual sobriedade de Vincent Lindon). A narrativa é até bastante convencional e o próprio formalismo do filme não chega a transcender dos limites do competente, além do roteiro por vezes enveredar por um certo romantismo incômodo. Apesar de tais limitações, entretanto, o filme ganha interesse pela sutileza com que expões contradições e dilemas. A atmosfera sombria e rigorosa de “Augustine” traz em seu bojo a velha discussão (mas ainda muito atual) do conflito entre o obscurantismo religioso contra a busca da ciência por respostas mais verossímeis e humanas para os distúrbios mentais. Na visão do filme, por mais que os métodos de Charcot possam ser severos e por vezes de resultados duvidosos, ainda sim representam uma busca mais digna do que o simples conformismo mistificador.

Amor louco, de Jacques Rivette ****

Um filme com mais de quatros horas de duração já faz o espectador desavisado pensar em algum épico histórico ou algo semelhante. De certa forma, até dá para dizer que Jacques Rivette fez uma espécie de épico em “Amor louco” (1969), mas direcionado a um relacionamento amoroso. No filme em questão, a trama se foca em dois planos – nos ensaios de uma peça e na decadência do relacionamento amoroso do diretor da referida montagem com sua esposa, atriz afastada da montagem mencionada. A ligação entre teatro e cinema é recorrente na filmografia de Rivette e aqui atinge um ponto extraordinário em sua fluência narrativa. As tomadas das passagens de texto, das discussões, dos laboratórios, trazem ângulos e enquadramentos que oferecem uma dimensão inusitada para as duas mídias. No cerne da produção fica evidente que o interesse maior de Rivette está no registro do processo criativo de uma montagem teatral e não tanto no resultado final (o que faz lembrar o recente e extraordinário “César deve morrer”). A evolução artística da montagem, entretanto, parece corresponder à degradação da vida pessoal de seu principal artífice. Nesse sentido, a longa duração de “Amor louco” se justifica para além da mera excentricidade. Rivette esmiúça os passos da dissolução mental da protagonista Claire (Bulle Ogier) em cenas de uma crueza emocional exasperante. Nada parece acontecer de forma gratuita, sendo que a decadência do relacionamento dos amantes se estende e consolida de forma indelével. Seu melancólico ocaso, não à toa, coincide com o ápice criativo da encenação que é a outra tônica da produção, numa conclusão de perversa ironia de Rivette.

Tabu, de Miguel Gomes ****

Num primeiro momento, a estética peculiar da produção portuguesa “Tabu” (2012) pode sugerir um certo hermetismo. Afinal, o diretor Miguel Gomes estabelece inextricável formalismo envolvendo citações e referências cinematográficas e abordagem literária, principalmente no segundo momento da trama. O que ocorre, entretanto, é que o filme impressiona justamente pela fluência da narrativa em meio a suas experiências estéticas. Gomes perverte as noções de dramaticidade e de tempo. Na primeira história que se desenvolve, predomina a atmosfera de melancolia no meio de temas de viés triste como a solidão e a velhice. No subtexto, pairam questões como o preconceito e a tradição colonialista de Portugal. Gomes foge do óbvio, inserindo sutis traços irônicos, mesmo quando a morte e a decrepitude vão se tornando mais evidentes. Quando a trama passa para a segunda parte, a visão artística do cineasta se torna ainda mais particular. É como se tratassem de lembranças do narrador. Sua voz parece impertubável com as memórias que evoca, dando a impressão de quase recitar suas falas. Essa prosa poética produz um contraste admirável e perturbador com as imagens de tons nostálgicos que emanam da tela. Como se tratam de lembranças, fotografia e direção de arte não se vinculam a uma predisposição ao realismo. Ao contrário – a estilização fala mais alto, com direito a números musicais que dão a impressão da reconstituição distorcida das antigas produções de Hollywood. Raras vezes as paisagens africanas pareceram tão sedutoras e até mesmo oníricas, mas o senso de sarcasmo perverso de Gomes nunca deixar cair “Tabu” no simples contemplar de uma beleza visual superficial. A trágica história de amor proibido que é o centro do roteiro, no final das contas, é mais um sintoma de alienação dos colonizadores perante a realidade de exploração econômica e social entre os europeus e os nativos do continente.