Assunto de família, de Hirokazu Kore-eda ***1/2

Em termos temáticos, o cinema do diretor Hirokazu Kore-eda gira em torno das relações familiares. Sua abordagem artística-existencial, contudo, não se vincula a fazer loas sobre tal matéria. Pelo contrário – os conturbados relacionamentos entre pais, filhos e demais parentes servem como uma espécie de reflexo das relações humanas em si no mundo contemporâneo. Nesse sentido, “Assunto de família” (2018) é uma das obras mais agudas de Kore-eda. A “família” que acolhe Yuri, uma pequena garota fugitiva de um lar de classe média alta onde sofre maus-tratos, está mais para um grupo de deserdados que se uniu quase que por caso fortuito. Ainda que a relação entre tais pessoas seja marcada por uma certa fragilidade sócio-econômica, e que mesmo algumas delas pratiquem pequenos crimes e contravenções para custear a sobrevivência, o vínculo sentimental entre elas vai se mostrando cada vez mais pungente. A mensagem do subtexto da trama é sutil e clara – em uma sociedade de consumo marcada pela assepsia emocional e por valores mercantilistas, a instituição da família biológica tradicional deixou de ser garantia de estabilidade emocional para os seus membros. Mesmo que de maneira inconsciente, o novo agrupamento em que Yuri se insere é marcado por uma espontaneidade e solidariedade que os coloca em atitude de desafio perante o ordenamento social vigente. Por isso mesmo, a harmonia “familiar” estabelecida entre eles é de existência precária e previsivelmente se desfaz quando confrontada com a forças de segurança institucionais. Na nova vida que cada um deles ganha dentro dos padrões oficializados, o afeto e generosidade que recebem são falhos e insuficientes. Kore-eda concebe uma narrativa serena e melancólica carregada de poesia visual para essa saga intimista e fatalista, em um formalismo sóbrio que se revela sempre preciso para a sutil e cortante carga dramática do roteiro.

Praça pública, de Agnès Jaoui ***

A verborragia intensa e irônica sempre foi uma marca característica de grande parte do cinema francês. Exemplo claro disso é a filmografia da diretora Agnès Jaoui. Nas duas últimas décadas, ela construiu uma sólida obra baseada na prolixidade de diálogos e em um senso cômico sutil e afiado. “Praça pública” (2018) continua nessa levada e tem alguns momentos bem interessantes, ainda que Jaoui nada inove no seu estilo e não tenha grandes arroubos criativos estéticos. Seu roteiro parte de uma premissa temática bem manjada, a de uma grande festa numa casa de campo que reúne personagens de todos os tipos em que apresentam uma série de quiproquós e conflitos sociais e sentimentais. Apesar de tal previsibilidade, Jaoui dirige com verve e segurança, extraindo algumas ótimas performances de seu elenco e momentos efetivamente bem engraçados. A narrativa tem uma dinâmica envolvente e faz com que o subtexto da trama aflore com eficácia, principalmente no sentido de ridicularizar uma classe média alta arrogante que se atribui uma importância intelectual elevada quando na verdade se compraze em frivolidades até bem mundanas. Mesmo o eterno conflito entre valores de direita e esquerda recebe um tratamento engenhoso e lúcido. Ou seja, no conjunto geral, um belo panorama da sociedade francesa contemporânea realizado com classe formal e temática acima da média.

Vidro, de M. Night Shyamalan ***1/2

Muito se falou que “Corpo fechado” (2000) seria a releitura particular do diretor M. Night Shyamalan sobre a mitologia do super-herói, ainda que o filme estivesse mais para um melodrama fantástico do que para o gênero aventura. Já em “Fragmentado” (2017) essa recriação se evidenciava mais palpável e convincente, principalmente porque os elementos do suspense e da ação se mostravam bem mais presentes. “Vidro” (2019), conclusão da trilogia, demonstra que a tal releitura finalmente se cristaliza da maneira mais descabelada e vigorosa possível. É uma obra que se liga plenamente à linhagem de aventura de super-herói, mas que também consegue trazer uma atmosfera muito própria do melhor da filmografia de Shyamalan. Ao contrário daquela preservação de conceitos de permanência e fidelidade a um determinado universo, característico das versões para o cinema dos quadrinhos originais da Marvel e DC, “Vidro” é bem mais radical em suas soluções estéticas e temáticas. O filme aposta em um grafismo mais brutal e em uma ambientação marcada pelo sombrio e o bizarro, além de uma encenação que sintetiza com notável fluidez o cartunesco violento e a densidade psicológica/dramática. O roteiro é até marcado por algumas inconsistências e mesmo por um confuso subtexto sócio-político, mas sabe oferecer momentos de impacto para o espectador, principalmente no terço final da narrativa, repleto de destruição, morte e alguns desenlaces surpreendentes. O elenco entra de cabeça de no espírito algo maníaco do filme, com destaque para as composições dramáticas exageradas de Samuel L. Jackson e Sarah Paulson, o impressionante trabalho expressivo corporal de James McAvoy e mesmo a altivez serena e melancólica Bruce Willis (aliás, mérito para Shyamalan extrair uma interpretação decente de Willis depois de alguns anos de atuações no piloto automático).

Temporada, de André Novais Oliveira ***1/2

Assim como em sua obra anterior, “Ela volta na quinta” (2015), o diretor André Novais Oliveira volta o olhar da sua câmera para um registro do cotidiano utilizando um estilo narrativo que evoca trejeitos documentais em “Temporada” (2018). Apesar da aparente secura de tal abordagem, aos poucos seu filme vai revelando uma subjetividade ímpar que envolve sutilmente o espectador. Na história da protagonista Juliana (Grace Passô) que busca reiniciar a vida em um emprego público de baixa remuneração e de contato diário com as ruas da periferia da cidade mineira de Contagem há todos as durezas e privações típicas do proletariado brasileiro no conturbado cenário sócio-econômico brasileiro dos últimos anos (aliás, vale dizer de um proletariado que de maneira regressiva vai ser convertendo em um precariado). Ainda assim, o cineasta vai contaminando sua narrativa com um pungente viés intimista/humanista, em que a rotina da personagem principal repleta de agruras também ganha uma perspectiva otimista a partir de um rico panorama de conversas, camaradagens, flertes e pequenas conquistas do dia-a-dia. Mesmo uma cidade aparentemente tão desprovidas de encantos como Contagem por vezes ganha belos contornos imagéticos (a sequência em que Juliana e um amigo conversam sentados diante de um pequeno lago contaminado por esgoto, por exemplo, tem uma insólita dimensão poética) – faz lembrar aquele inesquecível trecho de canção dos Racionais MC’s, “até no lixão nasce flor”. Tais achados narrativos afloram a partir de uma concepção artística/existencial rigorosa e coerente por parte de Novais Oliveira, em que uma estética que sabe extrair rudeza e plasticidade nas medidas certas de seus cenários convive com notável sintonia com um roteiro muito bem delineado no desenvolvimento de seus personagens e situações.

Asako I & II, de Ryusuke Hamaquchi ***

O melodrama é um gênero cinematográfico complicado. As produções realizadas nesse estilo sempre andarão em uma fronteira tênue entre a sobriedade narrativa e o novelesco “mexicano”. Essa linha divisória é frágil e fazer com que um filme não descambe para o equívoco artístico exige um senso cênico e textual marcado pela sutileza e precisão. E esse é justamente o caso do longa japonês “Asako I & II” (2018). A história da protagonista-título que se envolve em momentos diversos de sua vida com dois homens iguais fisicamente e de personalidades opostas pode até aparentar em um primeiro momento um caráter rocambolesco e exagerado digno dos romances água-com-açucar estilo “Sabrina”. A concepção estética-temática do diretor Ryusuke Hamaquchi é decisiva para que essa trama ganhe consistência e interesse. O fluxo da narrativa é sereno e melancólico, valorizando detalhes visuais marcados pela simplicidade, fatos banais do cotidiano, gestos e silêncios dos personagens e diálogos repletos de pequenas nuances dramáticas, compondo um todo formal-existencial que seduz de maneira quase imperceptível o espectador. Dentro de tal direcionamento artístico, mesmo as situações de potencial mais exagerado do terço final da narrativa acabam ganhando uma naturalidade desconcertante e bastante pungente.

Green book - O guia, de Peter Farrelly **

É provável que vários textos críticos sobre “Green book – O guia” (2018) tenham dito que o filme parece uma variação de “Conduzindo Miss Daisy” (1989). E o caso é exatamente esse, só que a obra dirigida por Peter Farrelly é bem menos inspirada que a produção oscarizada de Bruce Beresford. Enquanto essa última era um melodrama marcado por uma sobriedade narrativa e mesmo uma leveza na encenação e interpretação de seus protagonistas, o que fazia com que o seu subtexto sobre racismo se mostrasse mais afiado, em “Green book” qualquer traço de sutileza em termos formais e temáticos é suprimido em nome de uma abordagem artística/existencial óbvia e equivocada. É o tipo de filme que não deixa o espectador respirar ou pensar – há música melosa e ostensiva sublinhando todos os momentos edificantes e a cada cinco minutos há um personagem discursando sobre preconceito racial. A embalagem estética acaba sendo o complemento exato diante dessa concepção narrativa-textual, com fotografia e direção de arte marcadas por uma assepsia visual digna de cartão postal. Todas essas soluções narrativas de Farrelly levam o seu filme para uma conclusão conciliatória de caráter conservador e hipócrita, fazendo com que “Green book” se mostre bem menos impactante e memorável do que outras obras lançadas em 2018 que trataram de maneira mais contundente sobre a questão do racismo como “Infiltrado na Klan” e “Roma”.

WiFi Ralph - Quebrando a internet, de Phil Johnston e Rich Moore **1/2

Há uma diferença artística-existencial que é fundamental entre “Detona Ralph” (2012) e a sua continuação “WiFi Ralph – Quebrando a internet” (2018) – enquanto o primeiro filme primava por uma visão entre o nostálgico e o irônico sobre o universo dos games e utilizando o recurso da paródia e do pastiche, nessa segunda da parte das aventuras do protagonista Ralph o foco se estende sobre uma reflexão sobre o universo da internet com citações diretas a empresas virtuais que realmente existem. Nessa pegada, essa animação mais recente decepciona pela abordagem narrativa e formal superficial e previsível em excesso e por uma visão sócio-política fortemente conformista e em defesa do ordenamento capitalista contemporâneo estabelecido por empresas de comércio virtual. Por mais que a produção seja dirigida principalmente para um público infanto-juvenil e que alguns aleguem que esse não seria uma plateia tão exigente, não dá para negar que marca um retrocesso em relação a criatividade estética e textual do filme anterior e que também contém um mal disfarçado subtexto ideológico conservador dentro do dilema em que as angústias e medos do protagonista acabam afetando a tranquilidade e assepsia dos inúmeros negócios e futilidades que se desenvolvem na rede.

Homem-aranha: No Aranhaverso, de Peter Ramsey, Bob Persichetit e Rodney Rothman ***1/2

Se a trilogia dirigida por Sam Raimi se refere ao Homem-aranha do universo Marvel tradicional criado por Stan Lee e os filmes de Marc Webb e o mais recente do estúdios Marvel têm uma ligação mais forte com a versão Ultimate do herói aracnídeo, a animação “Homem-aranha: No Aranhaverso” (2018) é a junção alucinada disso tudo e mais um pouco, com um resultado final bastante coerente e divertido. O já bem manjado recurso temático de diversos universos alternativos para uma mesma realidade é aproveitado com criatividade, fazendo com que o filme seja acessível para o público em geral e também repleto de citações e referências que são uma delícia para os fãs de longa data do personagem nos quadrinhos. Mais importante que isso e que dá um encanto atemporal para a produção, entretanto, é a sensacional conjunção entre a precisão da dinâmica narrativa, o original e estonteante grafismo (que, inclusive, se alterna de maneira fluente entre diversos estilos de traço de acordo com cada um dos universos que se chocam) e o roteiro que concilia com maestria densidade dramática e um senso de humor que foge com louvor do engraçadinho metido à besta. No cômputo geral, é o melhor filme de Homem-aranha desde a segunda parte dirigida por Raimi e lançada em 2004.

Mais ou menos grávida, de John G. Avildsen ***

É até meio estranho – um cineasta que ficou conhecido por algumas obras célebres no gênero “filmes de luta” (“Rocky, um lutador”, “Karatê Kid”) acaba dirigindo uma comédia dramática juvenil influenciada pelo mestre John Hughes. Mas até que John G. Avildsen se saiu bem em “Mais ou menos grávida” (1988). Não há nada de novo em termos narrativos e temáticos, mas há sensibilidade e mesmo sobriedade na eficiente síntese entre roteiro e encenação. Avildsen consegue oferecer as condições ideais para a musa oitentista Molly Ringwald brilhe dentro de uma trama que alterna com naturalidade uma abordagem realista dentro da questão da gravidez precoce e a dinâmica básica de uma comédia romântica. No cômputo geral, é uma memorável Sessão da Tarde daquelas que não se faz mais.

Wood & Stock - Sexo, orégano e rock'n'roll, de Otto Guerra *

Se “As cidades dos piratas” (2018) marca um efetivo amadurecimento de Otto Guerra como diretor de animações, tanto em termos de rigor narrativo e estético quanto na depuração criativa de roteiro, “Wood & Stock – Sexo, orégano e rock’n’roll” (2006) peca exatamente pela autoindulgência com que trata a sua síntese de formalismo e temática. Tudo no filme soa preguiçoso e despersonalizado, como se o diretor estivesse no automático e preenchesse as lacunas da obra com as soluções mais óbvias e sem graça. Parece que Guerra leu apressadamente alguns números da antológica revista Chiclete com Banana e não entendeu a essência dos personagens e do próprio criador Angeli. Só isso explica a impressão constante de que se está assistindo a uma versão asséptica e fofinha de criaturas que no original dos quadrinhos eram marcadas pela sordidez e mesmo um niilismo perturbador. O resultado final desse direcionamento do cineasta é uma obra em que narrativa e personagens carecem de carisma e tensão, fazendo com que o espectador pouco se importe com o que está acontecendo na tela. Assim, são desperdiçadas as interessantes possibilidades criativas que o universo de Angeli oferecia e outros recursos de peso que Guerra tinha em mãos (principalmente a ótima trilha sonora). Pode servir de consolo que esse fracasso artístico do cineasta talvez seja encarado como uma espécie de laboratório de aprendizado que serviu como lição do que não fazer quando o cineasta enveredou para o mundo gráfico de Laerte no já mencionado “A cidade dos piratas”.

Estorvo, de Ruy Guerra ***

A relação artística entre Ruy Guerra e Chico Buarque é longa e prolífica. Principalmente nos anos 70, rendeu algumas canções e peças teatrais memoráveis. Assim, o cineasta adaptar um livro do cantor e compositor pareceu uma consequência natural. O resultado final, “Estorvo” (1998), está bem distante de ser uma obra-prima, mas ainda assim revela perturbadoras inquietações criativas. Para começar, a síntese entre cinema e literatura na produção não se conjuga de forma tão fluida e natural –Guerra não se mostra interessado em somente adaptar a trama da obra literária dentro de uma linguagem cinematográfica convencional. Ele parece obcecado pela palavra, pela nuances do texto, e procura encaixar a sonoridade do discurso dentro de um fluxo sensorial marcado pelo lirismo e sordidez. A sucessão daquilo que ocorre na tela obedece a um pensamento desordenado e fragmentado do protagonista (Jorge Perrugoria), fazendo com que a estética e a atmosfera do filme se guiem por uma lógica de subjetividade que por vezes beira o delirante. A abordagem naturalista é evocada de vez em quando na narrativa, mas logo é manchada por um desordenamento formal e existencial predominante na visão artística do diretor. As escolhas de Guerra não são gratuitas, pois na confusa saga do personagem principal se escondem lúcidos questionamentos sócio-políticos-intimistas que desembocam em soluções formais e temáticas desconcertantes. A jornada narrativa de “Estorvo” é irregular e difícil, mas em sua conclusão a impressão é que ela ficará grudada em nosso imaginário como uma lembrança entre o incômodo e o prazeroso.

Lost Zweig, de Sylvio Back ***

O fluxo criativo do articulista deste blog obedece a um direcionamento simples. À medida que vou vendo filmes no cinema, DVD e afins, escrevo sobre eles na ordem em que os assisti. Dessa forma, acaba me parecendo uma certa ironia do destino que esteja escrevendo sobre “Lost Zweig” (2003) justamente nesse três de janeiro de 2019. A produção dirigida por Sylvio Back trata da última semana da vida do escritor austríaco Stefan Zweig, que cometeu suicídio junto à esposa no Brasil em 1942. A morte do artista sempre carregou uma aura de mistério, inerente a essa tipo de evento, ainda que ele tenha deixado um bilhete de despedida bem esclarecedor em relação aos seus motivos. O que se pode apreender como efetiva causa de sua decisão estava em um mal-estar existencial diante de um mundo que se encaminhava naquele momento com muita naturalidade para o nazi-fascismo. E como um brasileiro com um mínimo de sensibilidade e racionalidade pode se sentir na atualidade diante de um ordenamento sócio-político baseado em uma conjunção nefasta de patriarcalismo, racismo, misoginia, homofobia, xenofobia e exclusão social que foi escolhido pela própria população? Quantos Zweigs devemos ter por aí?

A versão cinematográfica concebida por Back para a tragédia de seu protagonista é marcada por uma fascinante ambiguidade estética e emocional, o que por vezes torna a narrativa um tanto fria e irregular. A impressão inicial é de uma abordagem de teor realista/naturalista, tanto na caracterização de personagens e situações como na atmosfera do filme. Aos poucos, entretanto, a obra vai ganhando uma conotação mais complexa e difusa, em que elementos que beiram o delirante realçam a narrativa. Diante dos posicionamentos escorregadios do governo Vargas diante à Alemanha nazista e da situação desesperadora de seus conterrâneos judeus na Europa, Zweig (Rüdige Vogler) vai se deixando inebriar pela sensualidade latente explosiva e pelo comportamento humano contraditório típicos do ambiente exótico que o cerca. Nesse perturbador contexto histórico em que ele está inserido, sua decisão final pode parecer brusca e radical, mas também ganha uma conotação existencial de dolorosa coerência.

Luciferina, de Gonzalo Calzada *1/2

Entre as várias possibilidades propiciadas pelo FANTASPOA para os apreciadores de cinema de Porto Alegre está a chance de conhecer um outro lado do cinema argentino, principalmente no que diz respeito a produções independentes no gênero horror. Na edição de 2018 não foi diferente. Se foi possível conhecer o perturbador (e por vezes inventivo) “Aterrorizados”, também se teve a chance de conferir “Luciferina”, obra que padece de forte anemia criativa em sua recriação barata de clichês narrativos de horror. É claro que há de se louvar o bom nível da produção em termos de recursos, principalmente no que diz respeito a efeitos especiais (no mesmo nível, nesse aspecto, de boa parte das produções norte-americanas no gênero que aportam com certa frequência em nossos multiplexes). No final das contas, entretanto, acaba sendo muito pouco para afastar o filme de Gonzalo Calzada da previsibilidade temática e de um formalismo medíocre.

TOP 25 2018

1

1)      Zama, de Lucrecia Martel

2)      Arábia, de João Dumans e Affonso Uchoa

3)      O processo, de Maria Augusta Ramos

4)      Me chame pelo seu nome, de Luca Guadagnino

5)      Trama fantasma, de Paul Thomas Anderson

6)      As boas maneiras, de Juliana Rojas e Marco Dutra

7)      O dia depois, de Hong Sang-soo

8)      Baronesa, de Juliana Antunes

9)      O amante duplo, de François Ozon

10)   Infiltrado na Klan, de Spike Lee

11)   Uma casa à beira-mar, de Robert Guédiguian

12)   Em chamas, de Chang-Dong Lee

13)   Roma, de Alfonso Cuarón

14)   A casa que Jack construiu, de Lars Von Trier

15)   Você nunca esteve realmente aqui, de Lynne Ramsay

16)   120 batimentos por minuto, de Robin Campillo

17)   O outro lado do vento, de Orson Welles

18)   Rei, de Niles Atallah

19)   Jogador nº 1, de Steven Spielberg

20)   A balada de Buster Scruggs, de Ethan e Joel Coen

21)   A ilha dos cachorros, de Wes Anderson

22)   Nico, 1988, de Susanna Nicchiarelli

23)   Projeto Flórida, de Sean S. Baker

24)   Histórias que nosso cinema (não) contava, de Fernanda Pessoa

25)   Imagens do Estado Novo, de Eduardo Escorel

Pura adrenalina, de Wes Anderson ***1/2

O primeiro longa-metragem dirigido por Wes Anderson, “Pura adrenalina” (1996), traz boa parte daquilo que uma obra de estreia de um cineasta autoral costuma apresentar, principalmente no sentido de apresentar uma grande série de ideias e concepções criativas que no conjunto geral nem sempre conseguem serem sintetizadas em um equilíbrio narrativo constante. Ainda assim, é um filme bastante empolgante na sua combinação de comédia amalucada, policial desajeitado e melodrama agridoce, fórmula essa que seria ainda melhor delineada em produções posteriores. É curioso ainda observar como Anderson na época mostrava um forte vínculo com certas convenções formais e temáticas típicas daqueles filmes envolvendo road movies e jovens ingênuos e inconsequentes tão caros a uma determinada linhagem do cinema norte-americano. Esses clichês narrativos, entretanto, são trabalhados com um saudável misto de ironia e sensibilidade, além de serem perpassados com um olhar artístico bastante pessoal por parte de Anderson. No mais, de se destacar a antológica sequência do roubo frustrado em uma transportadora, a ótima trilha sonora cancioneira e as memoráveis atuações dos irmãos Wilson em início de carreira e do veterano James Caan.

O beijo no asfalto, de Murilo Benício ***1/2

Pode-se dizer que a narrativa na versão cinematográfica de “O beijo no asfalto” (2018) dirigida por Murilo Benício avança de forma linear. Isso não quer dizer, entretanto, que estamos diante de mais uma adaptação convencional da obra de Nelson Rodrigues. O cineasta envereda por uma escolha estética bastante intrigante, dividindo a encenação em três planos: o ensaio em uma mesa com os atores, a ação que se desenvolve em âmbito de cinema e a dramatização como peça teatral. Em todas essas direções, sempre fica presente de maneira visível para o espectador uma desconstrução da ilusão de “realidade” – os artistas discutem as nuances do texto original, as câmeras interagem de maneira ostensiva com o elenco, a plateia no teatro se mostra presente em outras passagens. Tais detalhes formais não levam para um distanciamento emocional em relação àquilo que se vê na tela, mas sim para explicitar a atemporalidade da dramaticidade e lucidez do texto original, além de acentuar o vigor da encenação proposta por Benício. A sensacional direção de fotografia de Walter Carvalho a valorizar um expressionista preto-e-branco colabora para a sensação de uma sombria e sufocante atmosfera de opressão e hipocrisia moral. A arejada modernidade dessa concepção artística não se resume a uma mera experiência de estilização, fazendo com que o texto de Nelson Rodrigues ganhe uma perturbadora ressonância existencial com o tenebroso cenário sócio-político do Brasil atual.

As viúvas, de Steve McQueen ***1/2

Em um primeiro momento, “As viúvas” (2018) pode aparentar ser mais um filme rotineiro na linha “um assalto perfeito”. A presença de Steve McQueen na direção, entretanto, afasta bastante o longa do lugar comum. Sua abordagem narrativa é fortemente sóbria, evitando excessos óbvios e desnecessários – nesse sentido, por exemplo, é de se observar como a elegante trilha sonora pontua com discrição e sensibilidade as sequências mais tensas da obra. Em essência o filme realmente pertence ao gênero policial de ação, mas sabe valorizar a densidade dramática dos momentos mais intimistas e a caracterização psicológica consistente de seus personagens. O roteiro apresenta um subtexto bem delineado e lúcido em seus contornos sócio-políticos e mesmo de contestação aos valores de uma sociedade patriarcal. E o que coroa essas boas soluções artísticas da obra é a encenação minuciosa de McQueen, tanto nas sequências de ação marcadas por um detalhismo visual e coreográfico impressionante quanto nas cenas focadas em diálogos rascantes. Todo esse rigor formal e narrativo acaba gerando algumas passagens antológicas, como aquele plano-sequência em que o político em campanha Jack Mulligan (Colin Farrell) percorre um trajeto em que vai de uma praça popular no centro de Chicago, onde fazia um comício, até a sua burguesa casa em uma zona nobre da cidade, em expressiva simbologia audiovisual a sinalizar de maneira contundente uma equação baseada em demagogia, alienação e exploração sócio-econômica. No mais, “As viúvas” também pode servir como um alento para aqueles que estão sentindo falta daqueles filmes policiais mistos de casca-grossa e cerebrais que o mestre Michael Mann tanto gosta de fazer.

Aquaman, de James Wan *1/2

A presença do roteirista Geoff Johns nos créditos de “Aquaman” (2018) é decisiva. Ele foi o responsável pelo roteiro da série própria do personagem no reboot que o universo DC sofreu em 2012. E as histórias eram ruins, das piores que o célebre herói dos mares já teve em sua trajetória nos quadrinhos. É justamente essa fase que serve como base para a trama do filme dirigido por James Wan e é aquela velha história: o que começa errado dificilmente tem chances de terminar bem... Voltando a falar do roteiro, é claro que em uma produção blockbuster não há uma grande obrigação artística em ser original, sendo que acumular clichês temáticos faz parte do jogo. Por vezes, esse procedimento reciclador pode ser feito com competência e vigor e gerar algo de empolgante, mas não é o caso de “Aquaman” – a impressão constante é de que os roteiristas chupinharam na maior cara de pau várias passagens da trilogia de “O senhor dos anéis” e da forma mais mecânica e artificial possível. Embalando a picaretagem há uma encenação risível de primária nos momentos mais dramáticos e uma opulência visual vazia e asséptica (é de se reparar que nas sequências envolvendo personagens baleados, destroçados e dilacerados não há sangue!!). Para coroar todos esses equívocos, Jason Momoa é inexpressivo demais e pouco carismático para segurar o papel principal (isso falar que sua truculência beira a escrotidão). Ok, algumas sequências de ação até são divertidas na sua coreografia e por vezes a caracterização visual de alguns efeitos especiais são interessantes. Mas isso é muito pouco para aguentar longas duas horas e meia de barulheira e breguice. No cômputo geral, “Aquaman” confirma que a DC continua soando perdida em suas adaptações para o cinema, estando bem longe do padrão de qualidade dos Estúdios Marvel. Só geek sem noção pode gostar dessa presepada.

Que mal eu fiz a deus, de Philippe de Chauveron *

Por mais que possa se pretender como uma espécie de retrato da França multicultural atual, a verdade é que a produção “Que mal eu fiz a deus?” (2014)  apenas reforça preconceitos e estereótipos sobre a temática do racismo e da xenofobia devido à incapacidade do diretor Philippe de Chauvenon de dar alguma profundidade e consistência dramática (ou mesmo irônica) para a sua obra. O filme se dilui através de clichês cômicos gastos e empilhados sem a menor criatividade e vigor, além de contar com um roteiro que acumula caracterizações caricaturais de personagens e situações. Na comparação com outros filmes mais recentes que também flertaram de maneira mais marcante com esse mesmo assunto, como “A esquiva” (2003) e “Entre os muros da escola” (2008), o longa de Chauveron se revela constrangedor.

A estrela nua, de José Antônio Garcia e Ícaro Martins ***1/2

Havia uma vertente do cinema paulista nos anos 80 que acabou se tornando quase um subgênero dentro da história do cinema brasileiro, representando uma série de filmes que buscavam uma linguagem pós-moderna em suas respectivas concepções e realizações. Obras que juntavam metalinguagem, estética estilizada, citações fílmicas e literárias, aproximação com o universo da música que beirava um formato video-clipeiro. Talvez o grande representante dessa linhagem de filmes nacionais foi o diretor Guilherme de Almeida Prado, mas alguns outros diretores também conseguiram entregar alguns trabalhos memoráveis. Entre eles, estão José Antônio Garcia e Ícaro Martins, cineastas responsáveis por “A estrela nua” (1985). O filme em questão se enquadrava em todas as características acima citadas, mas está muito longe do meramente genérico. As citações à filmografia de Roman Polanski são até bem óbvias - no contexto da obra, entretanto, têm um efeito dramático mais que eficiente. A trilha sonora de Arrigo Barnabé tem a síntese exata entre a esquisitice e o climático e realça com sensibilidade a atmosfera entre o luxuriante e o doentio que perpassa a narrativa. Coroando as boas soluções temáticas e formais da obra, há uma atuação marcante de Carla Camurati como protagonista em que a loucura e a sensualidade convivem com naturalidade perturbadora.