Filmes da Semana (cotações de 0 a 4 estrelas)

O Ultimato Bourne, de Paul Greengrass ***1/2
Brasileirinho, de Mika Kaurismaki ***1/2
O Grito, de Michelangelo Antonioni ****
A Força do Destino, de Taylor Hackford ***
Cena Mafiosa 2, de Takashi Miike **
Tenacious D e a Palheta do Destino, de Liam Lynch ****
Team America – Detonando o Mundo, de Trey Parker ****
Contra a Parede, de Fatih Akin ****

Pecados Íntimos, de Todd Field ***1/2

Confesso que estava com um pé atrás com esse “Pecados Íntimos”. Afinal, o diretor do filme é Todd Field, o mesmo realizador do pretensioso e insosso “Entre Paredes”. No entanto, acabei tendo uma agradável surpresa assistindo ao filme. Field evoluiu barbaridade como cineasta, além de se revelar dotado de um acurado senso de ironia. O cineasta pega uma trama que envolve questões espinhosas como pedofilia, insatisfação sexual e adultério e dá um tratamento até mesmo original, misturando momentos altamente dramáticos com outros de puro sarcasmo, lembrando bastante nesse sentido “Beleza Americana”. Field dispensa maniqueísmos e simplificações, dando uma dimensão dramática consistentes para os seus personagens. O pedófilo Ronnie (Jackie Earle Haley), por exemplo, pode despertar uma natural repulsa pelo seu comportamento em algumas seqüências do filme, mas em outros momentos é inegável que acabamos ficando sensibilizados com a relação profundamente afetuosa que o mesmo tem com a sua mãe (Phyllis Somerville). Aliás, poucas vezes no cinema uma relação entre mãe e filho foi mostrada de forma tão verdadeira e tocante como em “Pecados Íntimos”.

A abordagem humanista de Field se estende também sobre outro personagem fascinante que é Brad (Patrick Wilson). Num primeiro momento, pode-se até achar que é apenas mais um cara que não gosta muito de trabalhar e que trai a esposa dedicada. Com sutileza, entretanto, Field revela aos poucos que temos na verdade um personagem que é um verdadeiro rebelde, ainda que nem o mesmo saiba disso: procurando se enquadrar numa profissão que ele nem acredita, Brad vive tentando se adaptar num padrão rígido imposto quase que sublinarmente, pela sua esposa e pela sociedade geral. Para fugir desse padrão asfixiante, encontra uma liberdade pequena, mas valiosa, em prazeres mundanos como jogar futebol americano com policiais, assistir jovens andando de skate e em escapadas extraconjugais com a bela e frustrada Sarah (Kate Winslet).

Para retratar essas e outras pequenas comédias humanas, Field opta por um estilo clássico e limpo no filmar, o que acaba se revelando uma escolha sábia. O contraste entre essa forma aparentemente simples de elaboração da edição e fotografia e a face sombria das situações e dos personagens da trama é fascinante, dando ao um filme um caráter perturbador.

O Dia Depois de Amanhã, de Roland Emmerich **1/2

Dentro do gênero “filmes catástrofes”, “O Dia Depois de Amanhã” é o tipo de obra que deixa uma impressão de decepção para quem assiste. Não que o filme seja exatamente ruim. Em algumas seqüências os efeitos especiais do filme são realmente impressionantes, além de contar com alguns bons atores em atuações corretas como Dennis Quaid e Jake Gyllenhaal. O problema é que a premissa inicial da trama e a produção grandiosa criaram uma expectativa de que poderíamos assistir a uma ficção científica colossal, mas no final das contas acabamos tendo um trabalho morno e burocrático por parte de Roland Emmerich, um cineasta que já fez trabalhos mais interessantes. Emmerich parece se intimidar com a grandiosidade dos eventos retratados, preferindo não extrapolar muito na imaginação, o que seria fundamental para uma obra do gênero. A gente até fica imaginando o que um Michael Bay, cineasta dado a exageros grandiosos, faria com um material desse nas mãos.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

O Balconista 2, de Kevin Smith ***1/2
Sarabanda, de Ingmar Bergman ****
Os Simpsons – O Filme, de David Silverman ****
Profissionais do Crime, de Johnny To e Wai Ka Fai ****
Casamento Grego, de Joel Zwick *1/2

Dreamgirls - Em Busca de Um Sonho, de Bill Condon ****

O cinema norte-americano tem se dedicado nos últimos anos a fazer uma espécie de inventário sobre a riquíssima cultura musical dos EUA no século XX. Filmes como “E Aí Meu Irmão, Cadê Você?”, “Ray” e “Johnny e June” oferecem um panorama fascinante do melhor que a música norte-americana nos últimos 100 anos, abarcando blues, country, rock, soul, funk e afins. “Dreamgirls – Em Busca de Um Sonho” é mais uma excelente produção que vem se somar a essa tendência mais que louvável.

A trama de “Dreamgirls” é inspirada na história das Supremes, a mais famosa das girls groups dos anos 60, e da sua gravadora, a Motown. Apesar da utilização de nomes fictícios e de músicas inspiradas na época (excelentes, por sinal), o filme é tremendamente esclarecedor ao mostrar o que significou a Motown para a música moderna, tanto no lado artístico como no aspecto social e comercial. Talvez pela primeira vez na história dos EUA, negros não apenas estavam produzindo discos marcantes como também estavam gerenciando a coisa toda, e tendo um sucesso comercial fenomenal ainda por cima!! O diretor Bill Condon narra essa saga de música, sexo e dinheiro com uma sensibilidade admirável, captando com perfeição o espírito da época, incrementando o seu filme com alguns bons “causos” e fofocas de bastidores para apimentar ainda mais história, o que torna o filme ainda mais saboroso para fãs de black music.

Já os números musicais em “Dreamgirls” são um capítulo à parte. Condon dirige com maestria seqüências que realçam ainda mais a beleza das canções do filme, sem cair na armadilha de uma edição videoclipeira, além de conseguir estabelecer uma linha evolutiva das músicas, mostrando dessa forma as mudanças artísticas que marcaram a trajetória dos principais astros da Motown.

Capote, de Bennett Miller **1/2

“Capote” é o tipo de filme em que a sinopse desperta curiosidade logo de cara. Afinal, a intenção seria a de mostrar todo o processo de busca de dados e elaboração do antológico livro “À Sangue Frio”, de Truman Capote, em que o escritor narra os fatos anteriores e posteriores à chacina de uma família interiorana, crime que provocou uma grande comoção na sociedade norte-americana em 1959. O livro de Capote é um verdadeiro primor literário: numa combinação estupenda de jornalismo e linguagem literária, a prosa do livro tem uma fluência admirável pela fluência e vitalidade. Além disso, o autor deu para o caso real uma aura ambígua, evitando julgamento morais ou sensacionalismo, fazendo uma espécie de raio x do outro lado do sonho americano que na maioria das vezes a sociedade gosta de esconder.

Todas as qualidades acima descritas de “À Sangue Frio”, entretanto, estão ausentes em “Capote”, uma produção cinematográfica apenas correta e sem maiores brilhos. Bennett Miller se revela um cineasta pouco afeito a ousadias formais, preferindo apenas “contar uma história”, não conseguindo extrair do seu roteiro aquelas nuances captadas de forma tão engenhosa por Capote em “À Sangue Frio”. Somando a essa anemia criativa por parte de Miller, a interpretação de Philip Seymour Hoffman para o personagem título não colabora muito para melhorar as coisas. Aliás, toda essa babação de ovo em cima de Hoffman por esse filme é inexplicável. O ator se limita a macaquear os trejeitos afetados de Capote, não dando profundidade e interesse para o personagem. E o brabo é saber que Hoffman pode fazer muito melhor, vide interpretações antológicas que o mesmo teve em filmes como “O Talentoso Ripley” ou “Quase Famosos”.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

O Esqueleto Perdido de Cadavra, de Larry Blamire ***1/2
O Primo Basílio, de Daniel Filho ½ (meia estrela)
Na Cama, de Matias Bize **
A Última Missão, de Hal Ashby ****
Amadeus, de Milos Forman ***1/2

A Conquista da Honra, de Clint Eastwood ****

Mesmo não estando, em se tratando de Clint Eastwood, no mesmo nível das obras-primas “Os Imperdoáveis” e “Sobre Meninos e Lobos”, “A Conquista da Honra” é um dos mais impressionantes filmes de guerra dos últimos anos. Eastwood estabelece uma linha narrativa altamente sofisticada e bem tramada, em que a trama se subdivide em dois tempos distintos e se entrecruzam de forma engenhosa e clara. No tempo passado, assistimos a tomada por parte do exército norte-americano, durante a Segunda Guerra Mundial, da Ilha de Iwo Jima, mostrando a sucessão de eventos que levaram à famosa e mítica fotografia em que soldados americanos fincam a bandeira dos EUA em um monte e à derrota do exército inimigo. No tempo presente, que se passa também durante a Segunda Guerra, Eastwood mostra um grupo de militares que participaram da mencionada tomada de Iwo Jima (e que supostamente estariam na mencionada fotografia) excursionado pelos EUA e fazendo apresentações em eventos visando colher fundos para a guerra. Nessa contraposição de dois tempos, o diretor oferece uma visão humanista e nem um pouco idealizada da Segunda Guerra Mundial, mostrando como conceitos como heroísmo e patriotismo são nebulosos em tempos de conflito. Quem espera arroubos ufanistas e conflitos maniqueístas certamente vai se decepcionar com o tom amargo da narrativa de “A Conquista da Honra”.

Apesar desse foco questionador sobre a Segunda Guerra, Eastwood não se esqueceu da ação cinematográfica, fundamental para um bom filme de guerra, e a mesma surge esplendorosa na tela. As cenas das enormes embarcações de guerra se dirigindo à Iwo Jima são de encher os olhos. As seqüências de batalha na ilha impressionam pela crueza e violência, com um estilo naturalista que lembra bastante a sensacional meia hora inicial de “O Resgate do Soldado Ryan”.

Apesar de ter gostado muito de “Cartas de Iwo Jima”, confesso que apreciei bem mais desse “A Conquista da Honra”, pois nesse último Eastwood se mostra muito mais criativo e ousado na direção, mostrando por que é um dos grandes cineastas ainda em atividade.

O Vôo da Fênix, de Robert Aldrich ****

O senso comum da crítica especializada em geral costuma dividir a filmografia de Robert Aldrich em dois pólos: um mais ousado e criativo (cujo ápice seria a obra-prima “A Morte Num Beijo”), e outro mais comercial e convencional (nesse sentido, a produção mais emblemática do cineasta seria “Os Doze Condenados). Ainda sobre o prisma de tal visão, “O Vôo da Fênix”, produção de 1965, estaria enquadrada nesse segundo lado, o dito mais acessível. Confesso que acho tal divisão um pouco limitada. Afinal, “O Vôo da Fênix” é um filme de ação tremendamente inventivo, em que Aldrich aproveita como poucos um roteiro brilhante, cuja trama consiste na história dos sobreviventes de um desastre aéreo no meio de um deserto que são obrigados, para terem chances de sobreviver, a construir um novo avião a partir do que restou do outro que se espatifou. A partir dessa premissa, Aldrich constrói um filme em que suspense e aventura se entrelaçam de forma magnífica, contando ainda com um James Stewart no auge do seu carisma no papel do piloto Frank Towns. E para quem duvida ainda do frescor criativo de Aldrich nesse “O Vôo da Fênix”, é só assistir a insossa refilmagem de 2004 dessa mesma produção e conferir que a versão original em nada envelheceu.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

A Volta do Todo Poderoso, de Tom Shadyac **1/2
Duro de Matar 4.0, de Len Wiseman ***1/2
Nome de Família, de Mira Nair ***
O Espírito da Colméia, de Victor Erice ****
Green Snake, de Tsui Hark **1/2
Spartacus, de Stanley Kubrick ****

Antônia, de Tata Amaral ***1/2

Muita gente pode não ter assistido “Antônia” por uma série de preconceitos, alguns deles até justificáveis: teve uma mini-série da Globo relacionada ao filme, o fato de ser mais uma produção de cunho social focalizando a vida dos menos privilegiados, a babação de ovo em geral da mídia, etc. Na verdade, eu mesmo estava com uma série de receios em relação à produção mais recente da cineasta Tata Amaral. Assistindo ao filme, entretanto, tive uma grata surpresa, pois “Antônia” está muito além dessas questões.

Para começar, “Antônia” não é um filme que se concentra apenas em fazer sociologia. Muito pelo contrário. A preocupação primordial de Tata Amaral é fazer cinema e dos bons. A utilização de câmera digital em algumas seqüências é brilhante, obtendo-se um visual belíssimo, principalmente nas tomadas externas noturnas: provavelmente nunca as ruas da periferia de São Paulo tiveram um registro visual tão poético e vivo como as registradas em “Antônia”. Nesses momentos, Tata Amaral nos faz lembrar o grande Michael Mann em obras primas como “Colateral” e “Miami Vice”. De Mann, a diretora também parece absorver as influências certas para a ação cinematográfica. A dinâmica em algumas cenas do filme impressiona pela fluência e concisão (a seqüência em que Bárbara dá uma surra num marginal é uma pérola), fazendo imaginar o que Tata Amaral poderia fazer com um filme de ação. Ou seja, “Antônia” é o mais perto que o cinema brasileiro já chegou de Michael Mann, e isso é uma puta evolução em tempos em que o cinema brasileiro está tão rendido à estética global de filmar.

Os números musicais em “Antônia” também são um capítulo à parte: longe da linguagem clipeira, Tata Amaral valoriza como nunca a força da música e a interação das meninas e dos demais músicos com a platéia. Mesmo em músicas mais bregas ou cafonas, a diretora consegue obter uma intensidade dramática e musical fabulosa. E ainda nessa parte musical, a seqüência em que Marcelo Dinamite (o rapper Thaíde em interpretação magnífica) canta e “explica” uma canção do velho soulman Hyldon para a sua protegida Preta (Negra Li) merece entrar numa antologia de melhores momentos do cinema nacional recente.

Em relação a sua trama, “Antônia” se mostra bem longe dos clichês e das soluções fáceis. Ao abordar a trajetória do grupo de rap feminino que dá título ao filme, Tata Amaral conta uma história contundente e sensível, mostrando que a lógica da superação e redenção nem sempre acontece de forma cor-de-rosa, ao mesmo tempo que evita cair em discursos ideológicos simplórios, valorizando a grandeza humana e contraditória dos personagens.

No mais, “Antônia” mostra que Tata Amaral evoluiu barbaridade depois do apenas correto “Um Céu de Estrelas” e do bom “Através da Janela”, credenciando-se como um dos melhores nomes do cinema nacional da atualidade, junto a Beto Brant e Fernando Meirelles.

Firewall, de Richard Loncraine *

Provavelmente, um dos caras mais satisfeitos com as atuais filmagens da quarta parte das aventuras de Indiana Jones deve ser o próprio Harrison Ford. Afinal, faz alguns bons anos que o cara não consegue participar de um filme decente. “Firewall” é o supra-sumo dessa fase tenebrosa de Ford. Essa produção de 2006 é um verdadeiro monumento à mediocridade: direção sem qualquer brilho de Richard Loncraine, um roteiro qualquer nota e atuações comatosas de Ford, Virginia Madsen e Paul Bettany. Ou seja, muito pouco para um cara que tem no currículo filmes como “Blade Runner” e “O Fugitivo” e encarnou dois dos personagens mais marcantes da história do cinema, os insuperáveis Han Solo e Indiana Jones.

Filmes da Semana (Cotação de 0 a 4 estrelas)

Shrek Terceiro, de Chris Miller **1/2
Harry Potter e a Ordem da Fênix, de David Yates **1/2
Saneamento Básico – O Filme, de Jorge Furtado **
A Hora Mágica, de Guilherme de Almeida Prado ****
Week End, de Jean-Luc Godard ****
O Apocalipse de Um Cineasta, de Fax Bahr, George Hickenlooper e Eleanor Coppola ****
As Aventuras de Azur e Asmar, de Michel Ocelot **1/2
Época de Garoto, de Masahiro Shinoda ****
Eleição – O Submundo do Poder, de Johnnie To ****

A Rainha, de Stephen Frears **1/2

Confesso que não entendi até agora todas essas loas que a crítica fez para “A Rainha”. Basicamente, acho que é um filme que carece de paixão e ousadia. Stephen Frears parece permanecer constantemente encima do muro sobre a sua temática potencialmente explosiva (as conseqüências da morte da princesa Diana sobre a família real e o povo britânico). Tal imparcialidade mais parece uma intenção de não querer desagradar opiniões ou criar maiores polêmicas. Frears dá algumas pequenas alfinetadas na Família Real, mas não se aprofunda em coisas que realmente poderiam interessar como o motivo da população venerar uma pessoa tão vazia como Diana (e que resvalaria na questão ao culto de celebridades inúteis), de qual seria o real significado da simbologia da monarquia ou sobre o papel do governo nessa história toda. No geral, Frears se contenta em ficar na superfície, concentrando-se em aspectos menores de uma situação repleta de outras circunstâncias bem mais interessantes.

No mais, mesmo a tão incensada atuação de Helen Mirren no papel-título nem é tudo isso o que se fala (até fiquei com saudades dela em “Calígula”...). Para falar a verdade, gostei bem mais da atuação de James Cromwell como o apatetado e arrogante Príncipe Phillip. De se destacar ainda alguns belos momentos da fotografia, principalmente nas seqüências no interior britânico. Mas a verdade é que isso tudo é muito pouco para um diretor como Frears, cineasta que já fez obras magníficas como “Os Imorais”, “A Grande Família” e “Sammy e Rose”. Depois do insípido “Sra. Henderson Apresenta” e desse apagado “A Rainha”, dá até para começar a temer pelo potencial criativo de Frears...

Confidence - O Golpe Perfeito, de James Foley ***

“Confidence” não se difere muito de outros filmes no estilo golpes ou assaltos perfeitos. O diretor James Foley não tem a classe de David Mamet, dos engenhosos “A Trapaça” e “O Assalto”, e nem a genialidade virtuose de Spike Lee no primoroso “O Plano Perfeito”. Mesmo assim, “Confidence” não é uma produção de se jogar fora. Mesmo que as reviravoltas do roteiro não sejam tão imprevisíveis assim, Foley conseguiu obter para o seu filme alguns belos momentos de tensão. Além disso, o elenco, no geral, tem atuações bastantes cool e adequadas para o filme, principalmente por parte de Dustin Hoffman, Edward Burns, Rachel Weisz e Andy Garcia.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Transformers, de Michael Bay ****
Vizinhos, Vizinhas, de Malik Chibane **1/2
O Hospedeiro, de Joon-Ho Bong ****
O Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado, de Tim Story **1/2
Os Mestres Loucos, de Jean Rouch ****
Mosso Mosso, de Jean Rouch **1/2
A Caça ao Leão, de Jean Rouch ****
Maria, Abel Ferrara ***1/2
A Adolescente, de Luis Buñuel ****
Assim Estava Escrito, de Vincente Minnelli ****
Nausicaa do Vale do Vento, de Hayao Miyazaki ***1/2
Calígula, de Tinto Brass ***1/2

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Invasão de Domicílio, de Anthony Minghella **1/2
Baixio das Bestas, de Cláudio Assis **1/2
Marcas da Vida, de Andrea Arnold **1/2
A Conversação, de Francis Ford Coppola ****
Rock’n’Roll High School, de Allan Arkush ***1/2
Minha Vida no Ar, de Rémi Bezançon ***1/2
Crônica de um Verão, de Jean Rouch e Edgar Morin ****
Sexta-Feira Louca, de Mark S. Waters **O Espírito da Colméia, de Victor Erice ****

Noivas, de Pantelis Voulgaris **

Há situações em que simplesmente não há muito o que falar sobre um filme. A produção grega “Noivas” é um desses casos. A sua trama inicialmente pode até despertar algum interesse ocasional: em 1922, um navio vindo da Grécia traz centenas mulheres rumo aos Estados Unidos destinadas a se casarem com imigrantes que já vivem por lá, sendo que uma delas acaba se apaixonando, e é correspondida, por um norte-americano casado que se encontra na embarcação. O problema do filme é que tudo nele é tão mecânico e sem inspiração que em nenhum momento podemos sentir um pouco de vida nele. O diretor Pantelis Voulgaris aposta em velhas fórmulas óbvias na linha “paixões proibidas” e torna “Noivas” igual a tantas outras produções no gênero. É claro que o filme é até bem produzido, mas no final ele acaba se destinando mais para aquelas senhoras aposentadas e simpáticas que freqüentam o cinema Guion à tarde do que para alguém que esteja interessado em assistir algo realmente interessante nos cinemas.

800 Balas, de Álex de la Iglesia ****

Poucos caras teriam o peito de fazer uma homenagem sincera e emocionada ao spaghetti western, gênero que geralmente costuma ser estupidamente menosprezado como menor (como se Sergio Leone, um dos maiores virtuoses da história do cinema e que se projetou nos espaguetes, pudesse ser considerado um diretor mediano...). Pois o genial cineasta espanhol Álex de la Iglesia não só realizou essa proeza como acrescentou uma boa dose de bom humor e ironia no magnífico “800 Balas”. Ao contar a história de um grupo de atores que vivem de recriar seqüências de velhos faroestes para turistas numa cidadezinha quase fantasma da Almeria e que entram em conflito contra um conglomerado financeiro que quer lhes tomar a tal cidadezinha, Iglesia faz uma combinação explosiva de comédia e aventura, na melhor tradição de filmes antológicos como “Três Homens em Conflito” e “Meu Nome é Ninguém”. Ao mesmo tempo que recicla com maestria alguns dos mais básicos clichês do gênero espaguete, indo do caracterização suarenta dos personagens, passando por duelos entre pistoleiros e chegando até à fotografia em tons quentes da região árida e ensolarada da Almeira, Iglesia consegue dar um marcante toque pessoal para “800 Balas”, principalmente na presença do seu típico humor negro que permeia todo o filme. Nesse sentido, o auge ocorre durante uma festa na cidadezinha entre os atores, no melhor estilo bandoleiro, que acaba culminando com o garoto Carlos (Luis Castro) brincando com uma bela prostituta. Nas seqüências em que os cowboys, sitiados na cidade, enfrentam a polícia, Iglesias também mostra um faro apurado para empolgantes cenas de ação. Por fim, chega a ser comovente a “presença” de Clint Eastwood, ou pelo menos alguém muito parecido com ele, caracterizado no melhor estilo “estranho sem nome”, na seqüência final de “800 Balas”, coroando com louros essa verdadeira declaração de amor ao verdadeiro cinema.

Para velhos fãs de faroestes espaguete, assistir “800 Balas” faz relembrar vários clássicos inesquecíveis do gênero e dá até um nó na garganta. Para os neófitos, é um ótimo cartão de visitas para começar a conhecer uma das mais criativas faces do cinema. No mais, Alex de la Iglesias mostra porque, ao lado de Júlio Medem, é um dos melhores cineastas espanhóis em atividade.

Ventos da Liberdade, de Ken Loach ****

Ken Loach está mesmo em grande forma. Depois do desconcertante “Apenas Um Beijo”, o cara volta ainda mais inspirado com esse “Ventos da Liberdade”, obra que retrata os anos iniciais da formação do IRA, a organização política que luta pela independência política da Irlanda. É impressionante a naturalidade com que Loach consegue combinar no mesmo filme política, dramas pessoais e ação, obtendo um resultado dramático impressionante. E aquela velha prática de enquadrá-lo apenas no gênero cinema político, como se ele fosse um diretor apenas preocupado com a temática dos seus filmes, fica cada vez mais esvaziada quando se vê o impressionante domínio formal cinematográfico de Loach em “Ventos da Liberdade”. Poucas vezes os campos irlandeses foram tão belos, verdejantes e luminosos como nas imagens registradas no filme, o que acaba tendo um efeito até mesmo perturbador para o espectador no momento que se contrasta a placidez das paisagens com a trama sombria do filme. O diretor mostra também um admirável conhecimento de causa na elaboração de seqüências de ação: as cenas de conflito armado são antológicas pela tensão, violência e dinâmica com que são retratadas.

A injusta pecha de “diretor panfletário” que se costuma atribuir a Loach também se mostra equivocada ao se assistir a “Ventos da Liberdade”. O diretor não facilita a vida do espectador com simplificações ou maniqueísmos ao retratar a complicada questão política que é tema do filme. Para começar, muito do que é mostrado é visto sob uma ótima mais intimista, focando muito mais os relacionamentos humanos, principalmente entre os irmãos Damien (Cillian Murphy, em mais um desempenho extraordinário) e Teddy O’Donovan (Padraic Delaney), líderes do IRA, o que aumenta ainda mais o impacto do filme. Loach também evita transformar o seu filme em apenas mais uma narrativa de mocinhos e bandidos. Todas as complexidades e contradições inerentes ao conflito do IRA com os ingleses vem à tona, principalmente na segunda metade do filme quando há um racha entre os irlandeses que acaba culminando numa verdadeira guerra fratricida. Loach deixa claro que numa guerra, por mais justos que aparentemente possam ser os seus motivos, há escolhas e decisões que são irrevogáveis e que marcam os indivíduos para sempre. Isso fica evidente em duas tristes e belíssimas seqüências de “Ventos da Liberdade”: a primeira quando Damien é forçado a matar um velho amigo de infância e a outra no diálogo final entre os irmãos O’Donovan.