Coisas Que Perdemos Pelo Caminho, de Susanne Bier **1/2

Os dois primeiros filmes que assisti da diretora dinamarquesa de Susanne Bier foram “Corações Livres” (2002) e “Brothers” (2004), obras altamente vigorosas, em que a cineasta combinava com maestria o rigor naturalista típico do movimento Dogma 95 e dinâmica narrativa admirável, além das tramas apresentarem uma forte densidade dramática que dispensava sentimentalismos excessivos. O superestimado “Depois do Casamento” (2006) colocou a perder boa parte das qualidades das produções anteriores, com a diretora sucumbindo a exageros melodramáticos e convencionalismos formais.

“Coisas Que Perdemos Pelo Caminho” (2007), estréia de Susanne Bier nas produções norte-americana, é um pouco melhor que “Depois do Casamento”, mas não recupera o brilho inicial de “Corações Livres” e “Brothers”. Por mais que o filme trate de temas difíceis como morte e vício em drogas pesadas, o tratamento que a cineasta oferece aos mesmos é asséptico demais, tirando muito do impacto que o filme poderia ter. Bier parece mais preocupada com as lições de vida do que com oferecer uma narrativa interessante. Mesmo assim, o filme mostra alguns atrativos, principalmente pela boa interpretação de Benicio Del Toro como o viciado Jerry (apesar de estar a léguas de distância do assustador junkie vivido por Del Toro no genial “Medo e Delírio em Las Vegas), além da bela trilha sonora recheada de inesquecíveis canções de Velvet Underground e Frank Zappa.

Filmes da Semana (cotações de 0 a 4 estrelas)

Mulheres Sexo Verdades Mentiras, de Euclides Marinho *
Allegro, de Christopher Boe ***
Smiley Face, de Gregg Araki *1/2
Além do Desejo, de Pernille Fisher Christensen ***
Jogos do Poder, de Mike Nichols **1/2
A Casa de Alice, de Chico Teixeira **1/2
Angel, de François Ozon *1/2
Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho ***
Cada Um Com Seu Cinema, de David Cronenberg, David Lynch e outros ***
Antes de Partir, de Rob Reiner **
Mala Noche, de Gus Van Sant ****
Ritos de Amor e Morte, de Yukio Mishima ****
Demência, de John Parker ****
Rambo 4, de Sylvester Stallone ****
Obras-Primas do Terror, de Enrique Carreras ****
Persépolis, de Marjane Satrapi e Vincent Parannaud ***
Os Senhores do Crime, de David Cronenberg ****
10.000 A.C., de Roland Emmerich **1/2
Medos Privados em Lugares Públicos, de Alain Resnais ***1/2
Sicko - $O$ Saúde, de Michael Moore **
Andarilho, de Cao Guimarães ***
Diário de Sintra, de Paula Gaitán *
Estômago, de Marcos Jorge ***
O Povo das Ilhas Perdidas, de Hrant Hakobyan **1/2
O Parque, de Yin Lichuan ***1/2
Quem Me Ama Que Me Siga, Benoit Cohen **1/2
Desvinculados, deJoanna Figg **1/2
Procurando Miguel, de Juan Fischer *1/2
Piscina de Princesas, de Bettina Blümer **1/2
Dias, de Laura Muscardin *
Cidade Congelada, de Aku Louhimies **1/2
Valsa Para Bruno Stein, de Paulo Nascimento *
Café Lumiere, Hou Hsiao-sien **1/2
Margem, de Maya Da Rin **
Rapsódias Balcânicas: Sérvia e Kosovo, de Jeff Daniel Silva **1/2
Primavera Em Um Parque, de Hiroshi Toda **
Compaixão, de Yaniv Amodai **1/2
Nossos Anos, de Alberto Gaglianoni ***
Para Sempre Esther, de Richard Olivier ***
Miss Gulag, de Maria Yatskva **
Minha Winnipeg, de Guy Maddin ***1/2
Inocência Selvagem, de Philippe Garrel ****
Quer Saber?, de Paulo de Tarso Disca **
A Fazenda das Alondras, de Paolo e Vittorio Taviani ***
Pesos Ligeiros, de Enrico Pau **1/2
Medusas, de Shira Geffen ***
Milton Santos: O Mundo Global Visto do Lado de Cá, de Silvio Tendler ***
O Império dos Sonhos, de David Lynch ****
A Oferenda, de Michelangelo Frammartino **1/2
Os De Lip – A Imaginação no Poder, de Christian Rouaud ***
Nossas Vidas Privadas, de Denis Coté **1/2
Também Queremos as Rosas, de Alina Marazzi ***
Réquiem – O Exorcismo de Micaela, de Hans-Christian Schmid ***1/2
Nisida – Crescer na Prisão, de Laura Rastelli **1/2
O Amor Esquivo, de Abellatif Kechiché ****
Residência Roma, de Andréa Foschi, Marco Innocenti, Marco Neri e Pietro Pasquetti **
Vjesh/Canto, de Rossella Schillaci ***
Domicílio Privado, de Saverio Costanzo ***
O Lado Grotesco da Vida, de Federica di Giacomo **1/2
Férias, de Thomas Arslan **1/2
O Exame de Xhodi, de Gianluca e Mssimiliano De Serio *1/2
Almost Blue, de Alex Infascelli **
Ser Romeu e Julieta, de Robin Schlant ***
Ascensor, de George Dorogantu *
A Sombra Má, de Andrea Segre e Francesco Cresati **
Tal Como Sou, de Ingrid Demetz **
Tartarugas na Costa, deSefano Pasetto **1/2
Filkret Bey, de Selma Koksal Cekik *1/2
Edu Coração de Ouro, de Domingos de Oliveira ***1/2
A Culpa, de Domingos de Oliveira ***
Jumper, de Doug Liman ***1/2
Possessão, de Andrzej Zulawski ****
O Sinal, de Ricardo Darín e Martin Odara ***
Na Natureza Selvagem, de Sean Penn ***1/2
O Preço da Coragem, de Michael Winterbottom ***
4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias, de Cristian Mungiu **1/2
Serras da Desordem, de Andrea Tonacci ***
Rolling Stones – Shine a Light – de Martin Scorsese ****
Zona de Conflito, de Tim Roth ****
Alice no País das Maravilhas, de Clyde Geronimi, Wilfred Jackson e Hamilton Luske ****
Scarface, de Howard Hawks ****
Fúria Sanguinária, de Raoul Walsh ****
Terra, de Julio Medem ****
Vacas, de Julio Medem ****
O Dia da Besta, de Álex de la Iglesia ****

Anos de Rebeldia, de Denis Hopper ****

Lançado em 1979 e considerado um dos vários pontos altos da carreira de Neil Young, o álbum "Rust Never Sleeps" é o reflexo de uma época conturbada tanto para o rock quanto para o próprio mundo. Era um tempo ainda muito marcado pela efervescência violenta e niilista do punk, com o ideário de paz e amor da geração "flower power" sepultado. Intrigado com a situação, o mestre canadense resolve expressar sua visão desse período através do disco em questão, cujo título, "A Ferrugem Nunca Dorme", já é uma alusão ao temor do autor de ser transformado em apenas mais um anacronismo. A clássica canção de abertura do disco, "Hey Hey, My My (Out Of The Blue)", sintetiza com perfeição o espírito da obra. Nela, Neil Young declara o seu amor ao rock and roll e faz dele a sua profissão de fé, mas ao mesmo tempo expõe as suas contradições, fazendo a ligação direta entre o Rei Elvis Presley e o príncipe bastardo Johnny Rotten, vocalista e líder dos Sex Pistols. É nessa canção, inclusive, que está a famosa sentença "é melhor queimar do que enferrujar", citada por Kurt Cobain na sua carta de despedida.

"Anos de Rebeldia", cujo título original é "Out Of The Blue", é um filme de 1981 que é diretamente inspirado em "Hey Hey, My My", mostrando o cotidiano de C.B. (Linda Manz), uma "punk girl" interiorana sempre pronta a arrumar confusões e fissurada em Elvis e Sid Vicious. Ao longo da trama, a menina vê o seu frágil núcleo familiar se desestruturar ainda mais após o seu pai, Don Barnes (Denis Hopper, também diretor do filme), sair da prisão.

Um detalhe fantástico em "Anos de Rebeldia" é que ele parece uma continuação natural de "Sem Destino", a fundamental obra de estréia de Hopper na direção e um verdadeiro marco cultural dos "sixties". Enquanto no primeiro filme há uma abordagem com um certo tom idealista e romântico para a trajetória dos dois traficantes-motoqueiros interpretados por Hopper e Peter Fonda, mas com final abrupto e violento, em "Anos de Rebeldia" essa visão mais reverencial dos anos 60 desaparece. Para o diretor, o sonho definitivamente acabou. A rebeldia, o amor livre e o uso de drogas, vistos anteriormente como formas de contestação da sociedade, foram distorcidos, passando apenas a serem mais uma forma de alienação. E C.B. é a encarnação perfeita dessa constatação, com a mesma tendo um ódio que chega a ser conceitual pelos hippies (a garota adora invadir as ondas de rádios amadores para ficar bradando "Kill All Hippies" - aliás, tal expressão é título de uma grande canção do Primal Scream, que inclusive sampleou as falas de C.B. para a música).

Hopper filma toda essa saga de decadência e destruição com muito vigor e estilo, apostando em um registro de fortes influências documentais que se casa perfeitamente com o espírito do filme. Isso se reflete logo na violenta abertura, com um dos acidentes automobilísticos mais brutais já visto no cinema, e também nas fantásticas seqüências de peregrinação noturna de C.B. pela cidadezinha onde vive e arredores, com a mesma se metendo em tudo que é tipo de encrenca, desde a puxar briga com leões-de-chácara com o triplo do seu tamanho até dar canja como baterista no show de uma banda punk e logo após participar do roubo de um carro. A espontaneidade captada por Hopper nesses momentos é admirável. É incrível também como a direção de fotografia oferece ao filme uma narrativa visual fortemente expressiva, abusando de longos planos-seqüência .

Além do belo trabalho na direção, Denis Hopper tem em "Anos de Rebeldia" uma das melhores interpretações de sua carreira, com o seu Don Barnes variando de forma comovente entre o francamente repulsivo e o patético. Mas o grande destaque do elenco do filme é sem dúvida nenhuma Linda Manz. Ela faz com que C.B. seja aquele tipo de personagem que fica rondando no nosso imaginário cinematográfico para sempre. Afinal, é em torno dela que gira o próprio filme, fazendo com que realmente ficamos íntimos da garota. Ao longo do filme, conseguimos perceber várias facetas de C.B.: sarcástica, apaixonada, carinhosa, carente, inocente, vingativa, sábia. Manz sabe captar e expressar todos esses lados da personagem, oferecendo uma atuação inesquecível. A garota ainda consegue resumir toda essa gama de sensações na trágica e irônica conclusão de "Anos de Rebeldia". Tal final, aliás, é uma verdadeira sacada de gênio de Hopper, dando um fecho sombrio e coerente para essa pérola transgressora da sua bissexta e marcante carreira de cineasta.

Profissão de Risco, de Ted Demme ***

Em "Profissão de Risco", o diretor Ted Demme parece nos dizer insistentemente que quer ser o novo Martin Scorsese. Bem, se ele conseguiria atingir tal objetivo é uma incógnita, afinal Demme faleceu em 2002, logo após ter finalizado "Profissão de Risco". Mas a julgar pelo filme em questão, é provável que dificilmente atingisse tal patamar. Até porque Scorsese já demonstrava genialidade no início de sua carreira, em filme como "Quem Bate a Minha Porta", "Sexy e Perigosa" e "Caminhos Perigosos", coisa que Demme nunca demonstrou em sua curta carreira cinematográfica. Mas não ser Scorsese não implica necessariamente em ser ruim, sendo que em "Profissão de Risco" podemos encontrar alguns momentos de bom cinema.

Demme formata "Profissão de Risco", tanto formal quanto tematicamente, tendo como modelo "Os Bons Companheiros", uma das grandes obras-primas de Scorsese, contando a história de ascensão, apogeu e queda do traficante George Jung (Johnny Depp). Guardadas às devidas proporções, a primeira metade de "Profissão de Risco" remete bastante aos filmes de gangsters de Scorsese, com um ritmo frenético (que parece aludir ao consumo de cocaína), caracterização bem trabalhada dos anos 60 e 70 e narração em off pautando a ação. São nesses momentos que o filme tem as suas melhores seqüências, com Demme sabendo conciliar com firmeza ironia e dramaticidade, além de contar com uma edição envolvente que se casa de forma eficiente com a trilha sonora recheada de ótimas canções emblemáticas da época. O diretor cria também um clima de dubiedade para a sua trama, em que a opulência e intensidade da vida do protagonista provocam um efeito de atração e repúdio para quem assiste.

Os problemas de "Profissão de Risco" começam aparecer, entretanto, no segundo ato do filme, que corresponde à decadência financeira e moral de Jung. O filme adquire uma narrativa muito mais arrastada e marcada por um forte tom moralista do tipo "você fez e agora você tem de pagar". Perde-se o sarcasmo do início, e fica apenas o rosário de desgraças para o nosso "herói". Demme parece esquecer alguns dos princípios do seu mestre, transformando a história de Jung em apenas mais uma parábola de como não devemos desobedecer a lei sob o risco de nos arrependermos. Uma das coisas fascinantes em "Os Bons Companheiros" era justamente o fato de que os personagens de Scorsese não pareciam demonstrar arrependimento dos seus atos, aceitando resignados o seu destino como uma das possíveis conseqüências para os seus crimes. O brilhante final resumia perfeitamente esse espírito: Henry Hill (Ray Liotta), já sob as asas do programa de proteção a testemunhas, olha o seu prato de macarrão com catchup e diz: "eu comia muito melhor antes". Aliás, um detalhe curioso em "Profissão de Risco" é o fato de Ray Liotta participar do filme como o pai de Jung, dando justamente a impressão desse último parecer uma versão júnior de seu marcante personagem em "Os Bons Companheiros".

Bird, de Clint Eastwood ****

A cinebiografia do saxofonista de jazz Charlie Parker, um dos grandes expoentes do bebop, é um filme realizado com paixão e conhecimento de causa. Clint Eastwood sempre foi admirador do músico e isso se reflete em cada fotograma. É admirável ainda que apesar de todo o carinho do diretor pelo seu protagonista, isso não impede que a vida de Bird (apelido de Parker) seja exposta de forma franca e sincera. Ao mesmo tempo em que podemos ver todos os motivos que levaram o personagem título a ser considerado um dos mais geniais músicos norte-americano do século passado, também constatamos muito da instabilidade e confusão da sua vida pessoal. Essa abordagem crua colabora ainda mais para o sucesso artístico de "Bird", tendo em vista que torna Parker um personagem ainda mais humano e carismático.

Eastwood foi ambicioso em "Bird": além de contar parte da trajetória de Parker, realiza também um belo panorama da cena jazz dos anos 40 e 50. Para isso, contou com um trabalho minucioso de reconstituição de época. A recriação dos ambientes enfumaçados dos clubes e boates onde Parker e outros músicos tocavam é impressionante. Os números musicais também são de tirar o chapéu: os solos originais de Parker foram inseridos dentro de um novo acompanhamento e o resultado é arrebatador, com um som que sai cristalino e que parece que foi gravado ontem. De se destacar ainda o fato de que Eastwood pegou todo o seu vasto conhecimento sobre os meandros do jazz, expondo com clareza e sensibilidade, e sem cair no didatismo estéril, muito das questões que norteavam o gênero na época: a falta de reconhecimento nos EUA e o auto-exílio dos músicos em Paris, o conflito entre o cool jazz acessível para as platéias brancas e a fúria criativa e improvisadora do bebop, a vida desregrada e auto-destrutiva de alguns de seus expoentes. Dentro desse último aspecto, é interessante observar como o roteiro de "Bird" evita o caminho fácil das simplificações e moralismos óbvios ao relacionar o conturbado comportamento de Parker com a sua música inovadora e imprevisível, como se esses dois lados da vida do músico tivessem uma relação de dependência recíproca. Isso fica evidente na seqüência em que a mulher de Parker, Chan (Diane Venora), fica na dúvida em permitir ou não a aplicação de uma terapia que poderia aplacar o processo de auto-destruição do saxofonista, mas que certamente embotaria muito da sua criatividade e sensibilidade.

Eastwood também foi extremamente feliz na escolha e direção do seu elenco. Forest Whitaker encarna com perfeição o papel título. Muito além da simples mimetização de maneirismos, o que realmente chama atenção na sua interpretação é a composição de um personagem que não cai no unidimensionalismo: o seu Charlie Parker pode ser uma cara infeliz e preste a desabar, mas ao mesmo tempo consegue ser irônico, sedutor e com um senso musical genial, e que da mesma forma que em alguns momentos consegue ser atraente também consegue causar o mais patético repúdio. Diane Venora também está magnífica, sendo que ela dá para Chan Parker uma personalidade que alterna com impressionante naturalidade uma série de diferentes situações e sensações: da admiração e cumplicidade, passando pela frustração e chegando a resignação, Venora dá uma dimensão humana para Chan tão forte quanto à do protagonista do filme.

É interessante observar também que "Bird" traz muito da visão pessoal do próprio Clint Eastwood sobre a música americana do século passado. O diretor não esconde suas preferências musicais: deixa bem claro o seu amor pelo jazz e desprezo pelo rock and roll. Isso pode até soar conservador, mas acaba ganhando a simpatia pela sinceridade, rendendo um dos momentos mais irônicos do filme, que é na dolorosa seqüência final que retrata a última noite da vida de Charlie Parker: o músico, bêbado e já muito doente, perambula pelas ruas de Nova Iorque visitando amigos ou velhos clubes já fechados quando acaba encontrando um velho conhecido saxofonista que está tocando rock em um auditório absolutamente lotado. Perplexo com a cena, Parker rouba o saxofone do "roqueiro" e sai correndo com o instrumento e tocando o mesmo. Após, entrega o sax e diz que o pegou apenas para ver se ele tocava mais de uma nota...

Mais do que simplesmente uma mera cinebiografia, Estwood conseguiu evidenciar em "Bird", através de sons e imagens, muito da essência do jazz através da figura de Charlie Parker, fazendo do seu filme uma das melhores traduções cinematográficas desse gênero musical, junto com o sensacional "Por Volta da Meia Noite", de Bertrand Tavernier.

Tartarugas Podem Voar, de Bahman Ghobadi ***1/2

Quem acompanha o cinema mundial com uma certa regularidade geralmente sabe o que aguardar de um filme iraniano: universo infantil mesclando-se com temática social, elenco composto basicamente por atores amadores, fotografia e montagem que remetem ao neo-realismo italiano. Mesmo caindo um pouco nessa previsibilidade, "Tartarugas Podem Voar", de Bahman Ghobadi (o mesmo diretor do bom "Tempo de Embebedar Cavalos"), é uma obra de luz própria e que apresenta particularidades dentro da linha de produções iranianas.

Logo no seu começo, "Tartarugas Podem Voar" já apresenta uma de suas melhores qualidades: um protagonista fortemente carismático. "Satélite" (Soram Ebrahim) é um garoto órfão responsável por colocar a vila de refugiados curdos iraquianos onde vive em contato com o mundo. Como o período da trama se passa justamente durante esse último conflito entre EUA e Iraque, seu papel na comunidade é mais do que fundamental. Além disso, é líder das crianças que se dedicam a caçar minas para vender nas cidades próximas. A forma com que Ghobadi apresenta o personagem é muito interessante: "Satélite" é a figura de lucidez num mundo que parece estar sempre pronto a desabar. Mesmo não agindo por motivos altruísticos, parece ser o elo que mantém a sua vila ainda ligada a civilização. O jovem ator Soram Ebharim é uma revelação, sendo que ele compõe com sensibilidade um personagem que parece estar sempre a ponto de entrar em colapso.

Talvez a nuance que mais faz com que "Tartarugas Podem Voar" se destaque de outras produções conterrâneas é a forma com que a sua narrativa oscila entre a ironia e a amargura. E quando esse lado melancólico entra em cena, sempre é com uma força devastadora. Isso fica evidente quando surge na trama a estranha "família" composta por um adolescente sem braços especialista em desarmar minas com a boca, uma garota soturna e uma criança cega. Ao mesmo tempo que aos poucos os segredos dos mesmos vão se desnudando, "Satélite" começa a se envolver com os jovens em questão, revelando um lado benevolente e inocente desconhecido até então. O garoto vê em Henkov (Hirsh Feyssal), a garota de eterno semblante taciturno, uma chance de finalmente ter uma família e uma vida normal. A visão cruel dos fatos mostrados em "Tartarugas Podem Voar", entretanto, não permite complacência ou redenção para os seus personagens. À medida que conhecemos os motivos que levam Henkov a ser tão dura percebemos também que não espaço para soluções fáceis no filme.

Ghobadi conduz o seu filme também com um estilo bem interessante. Predomina em boa parte da produção uma forma de filmar com tons fortemente documentais. Em alguns momentos, contudo, o cineasta insere em sua narrativa alguns toques oníricos, principalmente nas seqüências em que são focalizados as lembranças e os pesadelos de Henkov. Esse contraste entre sonho e realidade tem um efeito perturbador, sendo um dos ponto altos de "Tartarugas Podem Voar". O cineasta consegue também obter outro punhado de seqüências antológicas nas tomadas aquáticas no lago em que os personagens costumam se banhar, com tais cenas indo do poético ao sinistro.

Mesmo não tendo a precisão formal de obras como "Filhos do Paraíso" e "Onde Fica a Casa do Meu Amigo", títulos que representam o ápice do cinema iraniano, as "Tartarugas Podem Voar" é uma obra expressiva e que merece ser vista. E Bahman Ghobadi mostra que é um nome a se prestar atenção.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Sangue Negro, de Paul Thomas Anderson ****
A Via Láctea, de Lina Charmie *1/2
Elisabeth – A Era de Ouro, de Shekar Khapur ***
Os Indomáveis, de James Mangold ***1/2
O Orfanato, de Juan Antonio Bayona **1/2
Mutum, de Sandra Kogut **
Infidelidade?, de Miguel Oscar Menassa 0 (zero estrela)
A Petal, de Jang Seon-Woo ***1/2
Moacir – Arte Bruta, de Walter Carvalho ***1/2
Quem Disse Que é Fácil, de Juan Taratuto *
Savage Grace, de Tom Kalin **1/2
Delírios, de Tom DiCillo ***

A Fogueira das Vaidades, de Brian De Palma ***

Comentar adaptações cinematográficas de obras literárias geralmente é uma tarefa complicada. Por mais que digamos que as mesmas devam ser vistas como filmes independentes das obras originais nas quais foram baseadas, acabamos sempre fazendo comparações, ainda mais se tivemos a oportunidade de ler anteriormente os livros em questão. Digo tudo isso porque é exatamente o que sinto ao escrever sobre "A Fogueira das Vaidades", versão para o cinema dirigida por Brian De Palma para o romance escrito por Tom Wolfe.

Lembro-me que na época do seu lançamento, em 1990, havia uma grande expectativa em relação ao filme. O livro de Wolfe faz uma brilhante e corrosiva sátira à questão racial nos EUA ao retratar a queda social de Sherman McCoy, um endinheirado agente financeiro que vê o seu mundo ruir quando acidentalmente atropela um jovem negro que aparentemente tentava assaltá-lo. O escritor não pouca sarcasmo ao mostrar brancos e negros dispostos a tudo para tirarem vantagem do calvário de McCoy, indo de um decadente e alcóoltra jornalista sensacionalista, passando por um jovem promotor judeu oportunista e chegando a um maquiavélico reverendo negro. Aliado a esse ótimo material, podia-se considerar ainda o fato de que Wolfe já tinha um livro adaptado anteriormente para os cinemas que acabou resultando em uma obra-prima, no caso, "Os Eleitos", dirigido por Philip Kaufman. E para concluir, De Palma havia demonstrado brilhantismo nessa área de transposição para as telas de obras literárias ao dirigir o clássico filme de terror "Carrie, A Estranha" (na minha opinião, muito melhor que o próprio livro original de Stephen King). O fato é que tantas expectativas acabaram sendo frustradas, e "A Fogueira das Vaidades" foi tremendamente mal recebido por público e crítica.

A verdade, entretanto, é que assistindo "A Fogueira das Vaidades" pode-se perceber que o filme, apesar de não ser exatamente um clássico, está muito longe de poder ser considerado um fiasco. Para começar, tendo um virtuose como De Palma atrás das câmeras, é difícil termos algo menos que interessante. Só a seqüência de abertura já vale uma conferida no filme: abusando do recurso de plano seqüência, o cineasta acompanha todo o trajeto do jornalista Peter Fallow (Bruce Willis) do estacionamento até o salão de festas de um luxuoso edifício onde o repórter vai ganhar um prêmio Pullitzer. O que torna ainda mais sensacional tal seqüência é fato de Fallow estar bêbado (a cena dele enfiando a mão em um salmão servido na bandeja é antológica), sendo que os movimentos de câmera são tão vertiginosos que parecem refletir justamente a sensação de ebriedade do personagem. Momentos como esse aparecem ao natural durante boa parte do filme, com De Palma criando climas de verdadeiro pesadelo para Sherman McCoy (Tom Hanks, em um estilo de interpretação que já evocava o estilo catatônico de Forrest Gump).

O que impede que "A Fogueira das Vaidades" seja uma obra cinematográfica que entre no nível de espetacular é que todo o seu rigoroso cuidado na edição e fotografia acabou não bastando para torná-lo uma experiência plenamente satisfatória. "A Fogueira das Vaidades" é um filme que dependia muito de um roteiro bem estruturado, elemento esse que acabou não tendo. Muito das nuances fundamentais para a compreensão do espírito do livro de Tom Wolfe perderam-se em simplificações excessivas da adaptação. Personagens e situações se tornaram bem mais rasos e menos interessantes. Isso pode ser constatado, por exemplo, no frustraste e moralista final, em que o Juiz Leonard White (Morgan Freeman no seu eterno papel do bom negro que aconselha seus amigos brancos) dá um discurso edificante em pleno tribunal, descaracterizando totalmente a intenção original de Wolfe para a conclusão de sua obra, que era mais cínica e pessimista (e, conseqüentemente, bem mais interessante). É claro que com tudo isso não estou dizendo que os melhores filmes são aqueles que têm os melhores roteiros (até porque se fosse assim seria melhor ler livros do que assistir filmes). Apenas considero que existem filmes que pedem, além do cuidado visual, um roteiro elaborado com maior precisão, o que é o caso de "A Fogueira das Vaidades". Philip Kaufman, ao dirigir o anteriormente mencionado "Os Eleitos", teve a preocupação em escrever um roteiro que fosse o mais fiel possível às intenções de Wolfe, o que acabou resultando em uma adaptação que foi melhor sucedida que o filme de De Palma.

Mas mesmo com todos esses problemas, "A Fogueira das Vaidades" é um programa obrigatório para quem curte Brian De Palma e bom cinema, pois em termos de linguagem cinematográfica é bem mais ousado e melhor realizado que os Crashs da vida. E mesmo não estando no melhor de sua obra, De Palma não desistiu de continuar fazer filmes baseados em obras literárias, o que acabou revelando ser uma decisão sábia. Afinal, em 1993 ele acabou realizando aquela que é a sua grande obra-prima, "O Pagamento Final", baseado no livro de Edwin Torres.

Assassinatos do Expresso da Meia-Noite, de Aldo Lado ****

Essa produção italiana de 1978 é uma refilmagem da obra de estréia de Wes Craven, “Aniversário Macabro” (1972), mas é muito mais que um mero remake picareta. Ao contrário do charme amador do filme de Craven, o trabalho do diretor Aldo Lado é marcado por um grau de rebuscamento formal típico das produções setentistas do gênero Giallo. O resultado é um filme ainda mais assustador e tenso que a obra original. As seqüências que se passam no trem do título do filme são marcadas por um suspense mórbido e sórdido, com Lado mostrando apuro estético nos moldes do melhor de Dario Argento, explorando com maestria os ambientes soturnos dos vagões. A caracterização dos marginais estupradores e homicidas que molestam jovens garotas em um dos vagões impressiona pela crueza e ausência de maiores justificativas: eles simplesmente são vilões violentos e sádicos e parecem se deliciar com isso (o que em tempos de politicamente correto como os nossos pode chocar os espectadores mais desavisados).

No Direction Home, de Martin Scorsese ****

Tentar explicar o fenômeno Bob Dylan através de um documentário é uma tarefa impossível. Ainda mais se o filme em questão retrata apenas a primeira fase da carreira do bardo americano (1961-1966). Martin Scorsese, entretanto, não se intimidou com a dificuldade da empreitada. "No Direction Home", produção televisiva de 2005, é uma bela tentativa de decifrar o significado daquele que é uma das figuras mais fascinantes da história da música.

Scorsese teve em mãos farto material para realizar "No Direction Home", indo de uma quantidade admirável de registros raros de arquivo (fotos, gravações e filmes, incluindo até trechos de "Don't Look Back", clássico documentário dirigido por D.A. Pennebaker) até depoimentos reveladores tanto de Dylan quanto de pessoas próximas a ele. O cineasta combina tudo isso com maestria notável, utilizando-se de um trabalho de edição que dá uma fluidez e coerência impressionantes para a verdadeira overdose de imagens e informações que nos são mostradas. É fascinante também que a forma com que todo esse material é exibido revela a visão particular de Scorsese sobre a trajetória artística e pessoal do seu biografado, sem que seja necessário apelar para uma constante narração em off. Nesse sentido, a linguagem utilizada é tão bem elaborada em termos cinematográficos que chega a ser um crime que "No Direction Home" não tenha sido exibido na tela grande.

A vida de Bob Dylan não representa apenas uma sucessão de acontecimentos pessoais. A biografia do músico é recheada de fatos e significados que se confundem com várias questões pertinentes à história mundial contemporânea. Scorsese teve a sensibilidade para compreender isso, fazendo com que "No Direction Home" não mostre apenas a história de parte da vida de Dylan, mas também que contextualize com brilhantismo o mundo que o cerca. Nesse sentido, é sensacional a forma com que o cineasta aborda as influências musicais que levaram Dylan a forjar seu estilo único, pois é realizado um extensivo e apaixonado inventário do que de melhor a música norte-americana produziu no século passado. Indo do folk mais tradicional, passando por country e blues e chegando até ao rock, temos um panorama amplo desse aspecto tão rico da cultura dos EUA, sendo que Scorsese tem a sacada de mestre de recuperar e valorizar tremendamente a figura de Woody Guthrie, mestre da música folk e ícone da música protesto e que foi a influência decisiva para a primeira fase da carreira de Dylan, quando o mesmo se consagrou como uma espécie de menestrel moderno.

"No Direction Home" revela também como a trajetória de Dylan confunde-se com um dos períodos mais conturbados do século passado que foram os anos 60. A relação dele com essa época é fortemente paradoxal. Nos primeiros anos da sua carreira nos "sixties", Dylan era visto como um herói para o seu público. Músicos, universitários, intelectuais e a juventude em geral o viam como um resgatador da pureza musical dos EUA e porta voz dos grandes ideais sociais e políticos da época. Praticamente todas as causas civis importantes queriam a participação do músico. Essa lua de mel é interrompida quando Dylan, influenciado pelos Beatles, resolve trocar o violão acústico por uma banda de rock para acompanhá-lo. Isso causa um choque considerável para os seus fãs, o que fica evidenciado na seqüência de "No Direction Home" em que aparece o nosso herói tocando "eletrificado" pela primeira vez no tradicionalíssimo festival folk de Newport em 1965, provocando uma verdadeira trovoada de protestos e vaias por parte da platéia. Outro momento ilustrativo do documentário em relação a esse conflito é logo na abertura, em que Dylan, acompanhado pelos magníficos The Hawks (futura The Band), em show em Manchester na Inglaterra é xingado por parte do público com ofensas como "Judas" ou "traidor". Através de fatos como esses, Scorsese nos dá uma visão bem menos mitificada dos anos 60, mostrando que mesmo na ala dita "libertária" da sociedade havia altas doses de conservadorismo e intolerância. Na verdade, era como se o mundo não estivesse preparado para digerir alguém como Bob Dylan. Exemplo disso são as seqüências que mostram o mesmo sendo entrevistado por repórteres. É engraçadíssimo ver a cara de perplexo de Dylan perante a obtusidade de seus entrevistadores ou as suas respostas irônicas para algumas perguntas incrivelmente cretinas.

A maneira como essa relação conflituosa entre o biografado e o universo de fãs e imprensa que gira em torno dele também faz com que "No Direction Home" seja uma reflexão do papel do artista perante o seu público. Dylan é um músico cheio de inquietações em relação a sua arte. A imprevisibilidade e inconstância são inerentes à sua própria criatividade. Na sua lógica, sua obrigação não está em agradar o público, mas sim em expressar a sua visão artística da forma que ele desejar, por mais absurda ou ilógica que ela possa parecer. Se ele estivesse apenas disposto a fazer o que esperam dele, é provável que não teríamos alguns dos seus mais brilhantes discos e que sua carreira não fosse tão fantasticamente perene como é. E se hoje, em tempos de louvação do arrivismo e mediocridade de "Os Dois Filhos de Francisco", tal posicionamento pode ser profundamente transgressivo, imagina nos anos 60...

Como se pode observar, a gama de questões levantadas por "No Direction Home" é considerável e complexa, sendo que Scorsese consegue colocar tudo isso na tela com uma clareza extrema. Isso ocorre porque o cineasta, apesar de admirador confesso de Dylan, não perde a perspectiva humana de seu biografado. Houve um cuidado para não transformar o documentário apenas numa peça de promoção das qualidades de Dylan. Muito pelo contrário. Scorsese expõe o músico como uma pessoa marcada por fortes contradições e capaz de atitudes não muito louváveis. Isso fica evidente principalmente em alguns depoimentos com uma certa dose de amargura de artistas que foram muito próximos a ele como Peter Seeger, Joan Baez e Liam Clancy, em que Dylan é descrito como uma pessoa capaz de atos não muito éticos para promover a sua carreira. O documentário também mostra as dificuldades dele em lidar com as amenidades de uma rotina caseira normal, o que faz com que o mesmo só sinta-se realmente à vontade quando está na estrada (aliás, o próprio título do filme é uma referência a esse fato). Essa visão franca e sem maniqueísmos simplistas torna ainda mais intrigante a figura de Bob Dylan.

Tudo o que descrevi nesse texto é apenas um brevíssimo resumo. As três horas e meia de "No Direction Home" contém ainda mais informações e imagens preciosas, além de vários momentos com ótima música, e que nos fazem aguardar ansiosamente uma continuação desse projeto tão bem sucedido de Martin Scorsese. Afinal, o filme vai somente até 1966, mais precisamente no dia em que Dylan sofreu um acidente de moto que o deixou "de molho" por alguns anos, sendo que posteriormente ele produziu outros discos antológicos, além de uma série de acontecimentos relevantes que ocorreram na sua vida (para aqueles que querem saber mais, recomendo a excelente biografia "Dylan - A Biografia", escrita por Howard Sounes, e lançada no Brasil pela Editora Conrad). Enfim, "No Direction Home" não é só indicado para fãs de Bob Dylan, mas também para aqueles interessados por grandes filmes ou em conhecer um dos músicos mais geniais de todos os tempos.

Across The Universe, de Julie Taymor ***1/2

É claro que o roteiro esquemático (parece uma versão requentada de “Hair”), o encadeamento meio truncado em alguns momentos entre a trama e os números musicais em si e algumas seqüências mais melosas fazem que “Across The Universe” seja um filme que esteja longe da perfeição. A verdade, entretanto, é que isso são apenas meros detalhes, pois o que interessa nessa produção é a tentativa de tradução da música dos Beatles em imagens. E nisso o filme é bem sucedido. O frescor juvenil e a beleza onírica de algumas seqüências estão em perfeita sintonia com o espírito das canções do quarteto de Liverpool, variando, inclusive, de acordo com a própria evolução artística do quarteto, indo daquelas singelas canções de amor do início de carreira do grupo e chegando até as ousadas experiências deles com psicodelia e arranjos mais complexos. Surpreende positivamente também em “Across The Universe” a criatividade no trabalho de elaboração de novos arranjos para os clássicos dos Beatles, além do fato do filme não se concentrar apenas nas músicas mais óbvias e conhecidas da banda. O resultado é uma obra que impressiona tanto os velhos fãs quanto os neófitos, e que faz com que várias cenas fiquem gravadas no inconsciente de cinéfilos e apreciadores de música em geral, principalmente na fantástica seqüência de abertura na praia ou nos números de viagem de lisérgica de “I’m The Walrus” e “Because”.

Vida de Casado, de Mikio Naruse ****

Ao mesmo tempo que o cinema japonês sempre apresentou uma forte tendência para obras épicas, vide os filmes de samurais de Akira Kurosawa, havia um lado nessa cinematografia que totalmente oposta que eram os filmes de temática intimista e familiar. Nesse campo, o mestre insuperável foi Yasujiro Ozu, mas também havia outros cineastas que enveredavam para esse lado e fizeram filmes marcantes. Um deles foi Mikio Naruse, que em 1951 lançou uma pequena pérola cinematografia japonesa chamada “Vida de Casado”, filme esse que abordava com uma lucidez impressionante um casamento que se desintegra ao poucos devido aos comodismos da rotina. O estilo de filmar de Naruse não é nenhum pouco apoteótico, sendo que a força de seu filme está justamente na sutileza e na calma plácida com que a trama vai de desenvolvendo. Não são oferecidas soluções fáceis, com o filme se tornando aos poucos cada vez mais contundente no seu exame da relação entre marido e mulher. No mundo de Naruse, não existe espaço para o amor romântico redentor, e sim para uma visão mais franca das relações humanas.

Filmeas das Últimas Semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

Eu Sou a Lenda, de Francis Lawrence ***1/2
Alien Versus Predador, de Greg e Colin Strause *1/2
O Gângster, de Ridley Scott ****
Noel – O Poeta da Vila, de Ricardo Van Steen **1/2
Paranoid Park, de Gus Van Sant ****
Cloverfield, de Matt Reeves **
Sombras de Goya, de Milos Forman ***1/2
A Espiã, de Paul Verhoeven ****
Onde Os Fracos Não Têm Vez, de Joel e Ethan Coen ****
Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, de Tim Burton ****
A Lenda do Tesouro Perdido – Livro dos Segredos, de John Turteltaub *1/2
O Grande Chefe, de Lars Von Trier ***1/2
Juno, de Jason Reitman ***
Proibido Proibir, de Jorge Durán **1/2
Filhos de Hiroshima, de Kaneto Shindô ***1/2
Uma Noite na Ópera, de Sam Wood ****
Faca na Água, de Roman Polanski ****
Balada Sangrenta, de Salley Henzell ***
Festival Express, de Bob Smeaton ***1/2
Punk: Atitude, de Don Letts ***
Exército do Extermínio, de George Romero ****
Dark Star, de John Carpenter ***
Dr. Mabuse – O Jogador, de Fritz Lang ****
Vítimas de Uma Alucinação, de Kiyoshi Kurosawa ****

Filmes da Semana (cotações de 0 a 4 estrelas)

A Vida dos Outros, de Florian Henckel Von Donnersmarck ***
O Reino, de Peter Berg ***1/2
O Caçador de Pipas, de Marc Forster *
Pode Crer!, de Arthur Fontes **1/2
Zona de Risco, de Chan-wook Park ***1/2
Encurralado, de Steven Spielberg ****
Uma Escola de Arte Muito Louca, de Terry Zwigoff ****
Armadilha do Destino, de Roman Polanski ****
A Primeira Página, de Billy Wilder ****

O Império dos Sonhos, de David Lynch ****

O que mais tenho ouvido falar sobre “O Império dos Sonhos”, obra mais recente de David Lynch, é que o espectador não deveria se preocupar em encontrar lógica no filme, pois o mesmo seria propositadamente desprovido de sentido, estando ele vinculado a preceitos oníricos. É claro que um filme é passível de receber as mais variadas interpretações, mas reduzir essa genial trabalho de Lynch simplesmente a um devaneio originado de sonhos seria um equívoco. É claro que o cineasta, ao longo da trama, por vários momentos rompe com estruturas narrativas lineares e apresenta os fatos de forma desconexa e desvinculados da “realidade” normal das coisas. Um olhar mais atento, entretanto, faz com que se perceba que no desenrolar da história Lynch vai jogando na tela situações, personagens e pistas que se agrupam aos poucos difusamente. É claro que não dá para dizer que no final o espectador irá entender tudo que viu/ouviu/sentiu, mas ao mesmo tempo há a noção de uma espécie de quebra-cabeças cuja intenção é nunca se completar.

Acredito também que assistir apenas uma vez a “O Império dos Sonhos” é insuficiente. Não digo isso no sentido de que seriam necessárias revisões para entender o “sentido” do filme, mas sim por questões de poder apreciar o mesmo melhor. Pode ocorrer do espectador ficar simplesmente seduzido pelas imagens de beleza perturbadora e se deixar levar pelas mesmas, não dando muita bola para quantidade gigantesca de referências que surgem sucessivamente na tela. E pode acontecer também que “O Império dos Sonhos” faça com que se pense em várias teorias e conceitos ao mesmo tempo, tamanha a gama de informações e estranhas simbologias que abundam ao longo do filme. Lynch parece brincar com metalinguagem, experiências xamânicas e noções sobre a flexibilidade do tempo e espaço como se fossem as coisas mais normais do mundo. E revela também uma série de referências cinematográficas nada óbvias: a fúria surreal de Luis Buñuel, a simbologia sem concessões de Alejandro Jodorowsk, o horror climático e fortemente estilizado de Mario Bava, a violência sensorial de Dario Argento.

Essenciais também na realização de “O Império dos Sonhos” são as colaborações preciosas de Angelo Badalamenti e Laura Dern. Badalamenti providencia aqueles já conhecidos, mas sempre perfeitos, temas musicais cheios de climas sombrios e delirantes que casam à perfeição com as imagens transtornadas concebidas por Lynch. Vale destacar que na trilha sonora do filme há também a presença de insólitas canções obscuras que se combinam sinuosamente com a trilha composta por Badalamenti, indo de uma canção melancólica do sempre inquieto Beck até músicas latinas com percussões enlouquecidas, como aquela que serve de tema para a brilhante seqüência de créditos finais. Já Laura Dern apresenta umas das mais estonteantes atuações dramáticas femininas dos últimos anos, compondo uma personagem que se fragmenta em outras personalidades, mas que no final se recompõe de forma extraordinária.

É impossível assistir “O Império dos Sonhos” e não pensar na trajetória de Lynch como cineasta. Se em “Veludo Azul” (1986), “Coração Selvagem” (1990) e “Twin Peaks – Os Últimos Dias de Laura Palmer” (1992) podiam ser vislumbradas narrativas quase moldadas em modelos clássicos entremeadas de seqüências de pura esquisitice, a partir de “A Estrada Perdida” (1997) o cineasta começa a partir para uma radicalização formal que se acentua e aperfeiçoa em “Cidade dos Sonhos” (2001) e atinge o ponto de ruptura total em “O Império dos Sonhos”. Lynch já não encara mais o cinema simplesmente como uma arte de “contar uma boa história”, sendo que vê na arte cinematográfica uma forma de experiência sensorial de possibilidades quase infinitas. “O Império dos Sonhos” é uma tempestade de sons e imagens, em que a “boa história” é apenas mais um elemento, e não a essência. E para embarcar nessa viagem, é apenas necessário um pouco de disposição para contemplação...

Torrente, O Braço Errada da Lei, de Santiago Segura ****

Santiago Segura é um dos colaboradores mais constantes do excêntrico cineasta espanhol Alex de La Iglesias. Em “Torrente, O Braço Errado da Lei”, primeiro trabalho de Segura como diretor, dá para sacar que o cara aprendeu as lições direitinho com o seu mestre Iglesias nos quesitos de esculhambação e ironia. “Torrente” é uma comédia cujo humor negro é levado aos extremos, com várias antológicas seqüências tremendamente escatológicas e politicamente incorretas. O personagem título, interpretado genialmente pelo próprio Segura, é um primor cômico em termos de canalhice e cara-de-pau, chegando ao cúmulo de oferecer para o próprio pai uma papinha composta basicamente por restos de comida de restaurantes e baganas de cigarro.

A grande sacada de Segura em “Torrente”, entretanto, é conciliar essa série de momentos que beiram o pastelão e o absurdo com uma trama policial excelentemente elaborada, numa bem sucedida espécie de homenagem/sacanagem ao gênero policial. Além disso, é de se destacar o ótimo time de coadjuvantes, principalmente o apalermado açougueiro aprendiz de detetive Rafi (Javier Câmara) e o já citado pai moribundo de Torrente (Tony Leblanc).

No mais, “Torrente, O Braço Errado da Lei” é um expressivo exemplo de que o atual cinema espanhol não se limita aos dramas bem comportados de Pedro Almodóvar.

Filmes das últimas duas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

Império dos Sonhos, de David Lynch ****
Across The Universe, de Julie Taymor ***1/2
Coisas Que Perdemos Pelo Caminho, de Susanne Bier **1/2
O Amor nos Tempos de Cólera, de Mike Newell *1/2
Antes Só Do Que Mal Casado, de Peter e Bobby Farrelly ***1/2
A Noiva Perfeita, de Eric Lartigau **
A Maldição da Flor Dourada, de Zhang Yimou ***1/2
Desejo e Reparação, de Joe Whight ***1/2
Meu Nome Não é Johnny, de Mauro Lima ***
O Enigma de Outro Mundo, de John Carpenter ****
O Pequeno Ajudante de Satã, de Jeff Lieberman *
Alta Tensão, de Alexandre Aja ****
De Olhos Bem Fechado, de Stanley Kubrick ****
Cega Obsessão, de Yasuzo Masumura ****
El Topo, de Alejandro Jodorowsky ****
O Gosto da Vingança, de Ji-woon Kim ****
Uma Passagem Para a Vida, de Patrice Leconte **1/2

Mentiras Sinceras, de Julian Fellowes ***1/2

Aparentemente, “Mentiras Sinceras” seria apenas mais um suspense com uma visão moralista sobre o adultério. Com o desenrolar da sua trama, entretanto, o filme vai surpreendendo cada vez mais o espectador. Isso porque o mistério e o suspense são dispensados logo depois da meia hora inicial do filme, com o diretor Julian Fellowes se concentrando muito mais numa visão crua e arguta sobre os relacionamentos humanos. O interesse maior do cineasta está muito mais em mostrar a incapacidade do protagonista James Manning (Tom Wilkinson), um advogado bem sucedido profissionalmente, em entender as razões que levaram sua esposa (Emily Watson) a traí-lo com um playboy aristocrata (Rupert Everett, numa caracterização interessantemente sebosa). A narrativa de Fellowes oferece ao filme uma atmosfera cada vez mais sufocante, à medida que a incapacidade emocional de Manning para lidar com a situação vai ficando progressivamente mais evidente. Aliado isso, há em “Mentiras Sinceras” uma elegância no filmar notável, em que os campos interioranos ingleses são mostrados em toda a sua plácida beleza, contrastando de forma precisa com o verdadeiro turbilhão emocional que é a vida dos personagens.

Top 20 Melhores Filmes do Ano

1º) Lady Vingança, de Chan-Wook Park
2º) Império dos Sonhos. de David Lynch
3º) Zodíaco, de David Fincher
4º) Possuídos, de William Friedkin
5º) O Homem Duplo, de Richard Linklater
6º) O Hospedeiro, de Bong Joon-Ho
7º) Viagem a Darjeeling, de Wes Anderson
8º) Superbad, de Greg Mottola
9º) Tropa de Elite, de José Padilha
10º) Borat, de Larry Charles
11º) Apocalypto, de Mel Gibson
12º) Ventos da Liberdade, de Ken Loach
13º) Ratatouille, de Brad Bird
14º) Transylvania, de Tony Gatlif
15º) Metal – Uma Jornada Pelo Mundo do Heavy Metal, de Sam Dunn
16º) Atravessando a Ponte – O Som de Istambul, de Fatih Akin
17º) Planeta Terror, de Robert Rodriguez
18º) A Conquista da Honra, de Clint Eastwood
19º) O Sabor da Melancia, de Tsai Ming Liang
20º) Transformers, de Michael Bay

Filmes das Últimas Duas Semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

O Sobrevivente, de Werner Herzog ***1/2
Mandando Bala, de Michael Davis ***1/2
Angel-A, de Luc Besson ***
Meu Melhor Amigo, de Patrice Leconte ***
Conduta de Risco, de Tony Gilroy **1/2
No Vale das Sombras, de Paul Haggis **
Bee Movie, de Steve Hickner e Simon J. Smith ***
Nação Fast-Food, de Richard Linklater ***1/2
A Comédia do Poder, de Claude Chabrol ***
O Magnata, de Johnny Araújo **1/2
Império dos Sonhos, de David Lynch ****
30 Dias de Noite, de David Slade ***1/2

Hitman - Assassino 47, de Xavier Gens ***1/2
O Príncipe das Sombras, de John Carpenter ****
O Tambor, de Wolker Schlöndorff ***1/2
Mr. Vingança, de Chan-Wook Park ****
Lili Marlene, Rainer Werner Fassbinder ***1/2
O Sol Por Testemunha, de René Clément ****
O Homem Que Caiu na Terra, de Nicolas Roeg ***1/2
O Assassino da Furadeira, de Abel Ferrara ****
Querelle, de Rainer Werner Fassbinder ****

O Mestre das Armas, de Ronny Yu ***1/2

Pode-se até dizer inicialmente que “O Mestre das Armas” é um filme de artes marciais com uma história consistente, afinal se baseia em fatos históricos, abordando a presença colonialista inglesa na China . Mas no final das contas, o grande barato em assistir essa produção está nas sensacionais coreografias de lutas, com Jet Li protagonizando verdadeiros balés estéticos, tamanho o detalhismo nas seqüências de ação do filme. Mesmo não estando no nível de outros filmes recentes de porradaria oriental como “Kung Fusão” ou “O Clã das Adagas Voadoras”, “O Mestre das Armas” é uma ótima pedida para quem está a fim de se divertir vendo uns “chinas” se engalfinharem em violentas e elaboradas lutas de artes marciais.

Pro Dia Nascer Feliz, de João Jardim ***

Um documentário sobre o ensino no Brasil pode não parecer um programa cinematográfico dos mais promissores, mas no caso de “Pro Dia Nascer Feliz” o resultado final acaba se revelando até surpreendente. O diretor João Jardim faz um amplo panorama sobre quais seriam os perfis de alunos, professores e escolas por todo o país, e é claro que as conclusões que se chega não são das mais animadoras. O filme, entretanto, não se limita a mostrar estatísticas, sendo que alguns depoimentos e imagens colhidos têm um conteúdo dramático que impressiona. De escolas isoladas no meio do sertão brasileiro chegando a escolas particulares de metrópoles, Jardim oferece uma visão crua e sem muitas concessões sobre uma realidade preocupante, ao mesmo tempo que consegue realizar um filme que tem uma fluência narrativa admirável em alguns momentos.

Filmes das Últimas Duas Semanas (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Viagem a Darjeeling, de Wes Anderson ****
A Lenda de Beowulf, de Robert Zemeckis ***1/2
Person, de Marina Person ***
3 Efes, de Carlos Gerbase ½ (meia estrela)
O Sobrevivente, de Werner Herzog ***1/2
The Animation Show – Volume 2, de Mike Judge e outros ***1/2
Negócio é Negócio, de Paul Verhoeven ****
Pacto de Sangue, de Billy Wilder

O Pagamento Final, de Brian de Palma ****

Na minha modesta opinião, esse é um dos dez melhores filmes de todos os tempos! Sei que é brabo começar assim um comentário, de forma tão hiperbólica. Mas realmente não consigo ser contido quando falo da obra-prima máxima do Mestre Brian De Palma. E olha que é complicado falar uma coisa dessas sobre um diretor que tem tantos pontos altos na sua carreira (“Carrie, A Estranhas”, “Dublê de Corpo”, “Vestida Para Matar”, “Os Intocáveis”).

Em “Pagamento Final”, o estilo rebuscado e preciosista de De Palma atinge um equilíbrio perfeito. Por mais apoteóticas e virtuosísticas que algumas seqüências do filme possam parecer (e realmente são), tudo está na medida, mas é claro sem esquecer o puro tesão pelo ato de filmar que transpira em outras obras do cineasta. De Palma conduz “O Pagamento Final” com uma segurança infalível, em que acompanhamos a saga do anti-herói Carlito Brigante (Al Pacino, na atuação mais sensacional da sua vida) sabendo que todo o seu esforço em busca de uma nova vida vai dar em nada. À medida que Carlito vai se metendo em uma situação cada vez mais sem saída, De Palma cria um clima de tensão crescente e absolutamente eletrizante, e que acaba culminando numa meia-hora final que é um verdadeiro show de planos seqüências brilhantemente executados aliados a uma montagem que deixa o espectador suando frio.

Também é de cair o queixo o impressionante trabalho dramático do elenco de “O Pagamento Final”. Sean Penn oferece uma caracterização genialmente repulsiva para o advogado escroque David Kleinfeld, enquanto John Leguizamo e Viggo Mortensen, mesmo aparecendo poucos minutos em cenas, dão uma dimensão sinistra impressionante para os seus respectivos personagens.

Apreciadores de frescuras e abobadices sentimentalóides tipo “Babel” ou “Elza e Fred” devem passar longe de “O Pagamento Final”, um filme movido a cocaína, sexo, violência e disco music que é uma verdadeira lição de cinema visceral e inspirado. Se vocês gostam de cinema com sangue nas veias, esse é o filme para ter como uma das suas obras de cabeceira.

A Dama de Honra, de Claude Chabrol ****

Sempre que a gente acha que o cinema francês está excessivamente coxinha com filmes sem inspiração e excessivamente verborrágicos, acaba aparecendo Claude Chabrol para mostrar que ainda há gente com culhões por aquelas bandas. “A Dama de Honra” não apresenta maiores novidades no velho estilo Chabrol, mas nem precisava, pois o cara atingiu um nível tão foda que dispensa inovações. A tensão psicológica e a elegância no filmar do velho mestre francês mostram que ele é um dos melhores discípulos que Hitchcock já teve. “A Dama de Honra” impressiona também pela caracterização de seus personagens: em meio a uma assassina fria e sexy e um pobre coitado que não sabe o que fazer direito, há uma dureza emocional em que não existe espaço para redenção ou outros tipos de concessões. O resultado acaba sendo um dos suspenses mais impressionantes dos últimos anos.

C.R.A.Z.Y. - Loucos de Amor, de Jean-Marc Vallée ***1/2

O grande barato dessa produção canadense de 2005 é enquadrar a sua temática (homossexualismo e o respectivo preconceito social e familiar) num contexto bem humorado e pop, ainda mais que boa parte do filme se passa na primeira metade dos anos 70, auge do Glam Rock, movimento musical que tinha por característica básica a androginia. Mesmo não chegando no nível de uma obra-prima como o genial “Velvet Goldmine” de Todd Haynes, “C.R.A.Z.Y.” tem ótimos momentos, principalmente aquele em que o protagonista paga um tremendo mico, quando adolescente, ao dublar David Bowie cantando “Space Oddity”, com direito inclusive ao seu rosto pintado com um raio, no seu quarto, mas com toda a rua assistindo e tirando sarro. E por mais que o filme caia em algumas obviedades sentimentais, é inegável que ele tenha uma considerável força dramática em algumas seqüências, principalmente no que se refere ao relacionamento do personagem principal com o seu pai e os seus irmãos.

Filmes das duas últimas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

1408, de Mikael Hafström **1/2
O Passado, de Hector Babenco **1/2
Leões e Cordeiros, de Robert Redford **
Planeta Terror, de Robert Rodriguez ****
Sede de Viver, de Vincente Minnelli ****
Jogos Mortais 4, de Darren Lynn Bousman ***1/2
Depois do Casamento, de Susanne Bier **1/2
Tragam-me a Cabeça de Alfredo Garcia, de Sam Peckinpah ****
Quarteto Fantástico, de Oley Sassone ½ (meia estrela)
Os Donos da Noite, de James Gray ***1/2
Vida e Morte de Peter Sellers, de Stephen Hopkins ***
O Albergue 2, de Eli Roth ****
Interlúdio, de Alfred Hitckcock ****
Jackie Brown, de Quentin Tarantino ****
Amanhecer Violento, de John Milius ****

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Os Atores, de Bertrand Blier ***
O Barco da Liberdade, de Bruno Podalydes ***
Senta a Pua, de Erik Castro **
The Devil And Daniel Johnston, de Jeff Feuerzeig ****
Olhe Para os Dois Lados, de Sarah Watt **1/2
Conan – O Bárbaro, de John Milius ****

O Esquilo Vermelho, de Julio Medem ****

O diretor espanhol Julio Medem geralmente oferece em seus filmes uma original concepção narrativa e formal. São obras que inicialmente parecem atuar dentro do gênero drama, mas com o desenrolar de suas tramas vão revelando elementos de cinema fantástico, mas sob uma ótica insólita, onde esse aspecto da fantasia brota de traços psicológicos e de delírios. “O Esquilo Vermelho” se enquadra perfeitamente nesses parâmetros tão característicos de Medem. O roteiro do filme é uma estranha e magnífica combinação de amnésia, coincidências, sonhos, romance e traumas familiares. O que poderia resultar numa confusa narrativa acaba gerando algo que flui com invulgar naturalidade. A câmera de Medem foca a realidade como se fosse o metafísico, gerando dessa forma seqüências de uma beleza onírica impressionante.

Inacreditável - A Batalha dos Aflitos, de Beto Souza **1/2

A rigor e se fossemos analisar “Inacreditável – A Batalha dos Aflitos” por um prisma exclusivamente formal, dentro da cotação desse blog tal produção seria no máximo uma estrela. Afinal, o diretor Beto Souza demonstra pouco brilho ao conciliar burocraticamente entrevistas de jogadores, comissão técnica, dirigentes e torcedores com imagens de arquivo da dura trajetória do Grêmio na campanha da Série B em 2005 e principalmente do inesquecível jogo final com o Náutico. Ocorre, entretanto, que os fatos em si são tão empolgantes que não tem como o expectador se manter impassível com o filme. O que vai passando nas telas é tão dramático que mesmo sabendo qual será o resultado final da empreitada gremista ficamos num puta clima de tensão. E convenhamos: não é todo os dias que presenciamos numa sessão de cinema uma platéia gritando, batendo palmas e cantando!!

É certo que “Inacreditável – A Batalha dos Aflitos” não entra na minha (ou na de qualquer apreciador de cinema) lista de melhores filmes de todos os tempos. Mas certamente entra naquela de sessões cinematográficas mais memoráveis da minha vida.

A Garota da Vitrine, de Anand Tucker ***1/2

Um olhar mais apressado sobre “A Garota da Vitrine” talvez possa sugerir algo como uma espécie de derivado de “Encontros e Desencontros”, o cult film de Sofia Coppola. Mas reduzir o filme a isso seria uma injustiça, pois em certos pontos tal obra é superior ao exageradamente incensado filme da filha do nosso amigo Francis. Ao mostrar a história do envolvimento romântico da jovem Mirabelle Buttersfield (Claire Danes), uma vendedora de luvas e aspirante a artista plástica, com um ricaço mais velho (Steve Martin), o diretor Anand Tucker oferece um painel sóbrio e lúcido sobre a solidão e as relações humanas, mas não dispensa um toque de humor amargo para deixar as coisas ainda mais interessantes. Vale mencionar ainda que “A Garota da Vitrine” tem o seu roteiro escrito pelo próprio Steve Martin, baseado num livro de sua autoria, sendo que aqueles que esperam algo na linha cômica escrachada de boa parte das comédias que ele protagoniza irão ficar surpreendidos com o tom irônico mais contido do filme em questão. No mais, é de se destacar também a atuação serena e comovente de Claire Danes (recuperando-se com honras, por sinal, depois daquele fiasco chamado “Tudo em Família”) e a interpretação hilária de Jason Schwartzman como um desengonçado e pé-rapado admirador de Mirabelle.

Aurora, de Friedrich Wilhelm Murnau ****

Sei que geralmente clichês são meio chatos, mas é que às vezes os mesmos acabam sendo inevitáveis. Bem, essa desculpa é apenas para dizer que “Aurora”, monumental obra-prima de F.W. Murnau, é uma daquelas raras produções cinematográficas que não envelheceram com o passar dos anos. Até mesmo o fato de ser um filme mudo parece funcionar a seu favor, pois Murnau aprofunda ainda mais o seu acurado trabalho de fotografia e edição para obter uma narrativa que é quase que puramente visual. Para o genial diretor alemão, os diálogos eram praticamente dispensáveis nas suas narrativas, e “Aurora” é uma das maiores provas disso. É de se destacar ainda que mesmo com o fato de “Aurora” ser uma produção norte-americana, pode-se sentir em cada momento do filme a forte herança expressionista que Murnau trouxe da Alemanha, o que colabora para dar ao um filme uma encantadora atmosfera onírica. É impressionante também a brilhante utilização de efeitos especiais: por mais primitivas que tais trucagens possam parecer diante dos modernos efeitos digitais atuais, a verdade é que as mesmas mantêm intacto o seu impacto visual, com os seus jogos de sobreposições de imagens obtendo um resultado impressionante para quem assiste ao filme.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

O Vidente, de Lee Tamahori ***1/2
Super-Bad – É Hoje, de Greg Mottola ****
Faces, de John Cassavetes ****
Tá Dando Onda, de Ash Brannon e Chris Buck ***
People – Histórias de Nova Iorque, de Danny Leiner **1/2
Asterix e Obelix: Missão Cleópatra, de Alain Chabat ***

Sex And Fury, de Norifumi Suzuki ****

Um dos grandes baratos de assistir aos dois volumes do magnífico “Kill Bill” é buscar a quantidade insana de referências bem sacadas de outros filmes presentes na obra-prima de Quentin Tarantino. Obras, aliás, que fogem do óbvio e do gosto médio. “Sex And Fury” é uma dessas pérolas homenageadas por Tarantino, e assistindo a tal filme a gente pode perceber o quanto o genial cineasta norte-americano se inspirou nele. Para começar, a própria figura da anti-heroína Ochô Inoshika remete à noiva vingativa interpreta por Uma Thurman, sendo que a personagem principal de “Sex and Fury” protagoniza coreografias de luta brilhantemente encenadas pelo cineasta Norifumi Suzuki. Um desses combates, aliás, foi claramente evocado na seqüência final do primeiro de “Kill Bill”, no já antológico duelo entre a Noiva e O-Ren Ishii (Lucy Liu). De se destacar ainda em “Sex And Fury” o inacreditável trabalho de fotografia, com um tratamento estético tão bem elaborado em que até o sangue jorrando tem uma beleza plástica inigualável.

Sete Amores, de Buster Keaton ****

Que Buster Keaton é um dos maiores mestres da comédia da história do cinema todo mundo já sabe. O que “Sete Amores” mostra também, contudo, é que o cara sacava tudo também de filmes de ação!! O terço final do filme é um verdadeiro show em termos de aventura cinematográfica, quando o protagonista Jimmie Shannon é perseguido por centenas de moças casadoiras, rendendo algumas das seqüências mais antológicas da sua carreira. O meu momento favorito no filme é quando durante a mencionada perseguição ele desce uma ribanceira com o acréscimo de uma verdadeira avalanche de rochas no seu encalço. Faz a gente pensar que Spielberg deve certamente ter assistido a esse filme e se inspirado para a sua obra-prima “Os Caçadores da Arca Perdida”.

Mulheres do Brasil, de Malu Martino *

A intenção da diretora Malu Martino para “Mulheres do Brasil” é até interessante: mostrar as várias facetas da mulher brasileira, variando as classes sociais, as regiões, as situações familiares. O resultado, contudo, é pífio e sem vida. A opção de dividir o filme em episódios diferentes, que poderia render possibilidades para vôos ousados, acaba sendo uma solução equivocada. A cineasta não consegue alternar com eficiência drama e comédia, fazendo de “Mulheres do Brasil” uma verdadeira mixórdia narrativa. A tentativa de inserir tons documentais na ficção piora ainda mais as coisas, fazendo com que em algumas seqüências a obra pareça uma verdadeira propaganda institucional. Totalmente descartável e defeituosa, “Mulheres do Brasil” é uma obra que nasceu para um justo esquecimento.

Notas de Um Escândalo, de Richard Eyre ***

Esse drama inglês não apresenta maiores ousadias no gênero “baseados em fatos reais”. Mesmo assim, e sendo formalmente bem convencional, o diretor Richard Eyre consegue chamar atenção por uma certa crueza ao abordar temas espinhosos como lesbianismo e adultério, fazendo com que se crie uma empatia com a trama e os personagens. Colaboram para isso também as sóbrias atuações de Judi Dench como uma veterana professora manipuladora e mal-resolvida sexualmente e Cate Blanchett no papel da professora novata que se envolve com um adolescente. As atuações das duas são a alma do filme, fazendo valer uma conferida em “Notas de um Escândalo”.

É interessante mencionar o destaque negativo da trilha sonora. Não que a música de Plillip Glass sejam ruim. O problema é a forma com que a mesma é utilizada: é tão ostensiva e constante que em alguns momentos ela chega a quebrar os climas de tensão, quando em tais seqüências o simples silêncio seria muito mais eficiente em termos dramáticos.

Plano 9 do Espaço Sideral, de Ed Wood 1/2 (meia estrela)

Putz, não tem como eu escrever algo sobre esse filme sem repetir boa parte do que eu já havia escrito sobre “Glen ou Glenda?”, comentado poucos dias atrás nesse mesmo blog. O que posso dizer de diferente sobre “Plano 9 do Espaço Sideral” é que é um pouco melhor produzido e dirigido, sendo que esse pouco quer dizer pouco mesmo... A verdade é que a mitologia por trás desse filme é bem mais fascinante do que a obra em si. Vale mais assistir por curiosidade ou até mesmo um certo dever cinéfilo. Agora se tu, caro leitor, vais gostar, bem, isso já é outro papo...

Motoqueiro Fantasma, de Mark Steven Johnson **

Na área de adaptações cinematográficas de quadrinhos Marvel, “Motoqueiro Fantasma” não atinge os níveis de ruindade de “Demolidor” e “Elektra”, mas também está bem distante do brilhantismo de “Homem Aranha 2” e “X-Men 2”. Para quem conhece o gibi original, dá até para perceber que o diretor Mark Steven Johnson preservou alguns elementos importantes da mitologia do personagem-título. O problema é que tudo ficou rasteiro demais. Para um super-herói que tem poderes originados do inferno e cujo principal oponente é o próprio diabo, faltou tensão e maior dinâmica. Tudo se resolve rápido demais e os adversários do Motoqueiro Fantasma são tão mequetrefes que em algumas situações com apenas um golpe ele detona oponentes que deveriam ser extremamente perigosos. O próprio Nicolas Cage não parece se levar muito a sério no papel de protagonista, sendo que se tem a constante impressão de que a qualquer instante ele vai começar a rir da coisa toda (o que é de se estranhar, afinal Cage se diz fã de longa data do personagem). Mas no geral, o filme não é ruim, tendo uns efeitos especiais bem legais. O problema é que no final acabamos pensando o que o filme teria rendido nas mãos de um cineasta com mais culhões como John Milius ou Paul Verhoeven.

O Bígamo, de Ida Lupino ***1/2

O que surpreende nessa produção é o tratamento lúcido e sem moralismos excessivos para a questão da bigamia. O bígamo do título (Edmond O’Brien) não é mostrado como um canalha sem sentimentos, mas apenas como um pobre coitado que se deixou levar pelo destino, algo, por sinal, bem de acordo com a temática noir. E por falar nisso, outro dos grandes méritos de “O Bígamo” é o tratamento de cinema noir que a diretora Ida Lupino oferece para a sua trama: a tensão e a dinâmica do filme é a de um clássico filme policial, mesmo que o roteiro em si seja a de um drama. Essa aparente contradição dá para a obra uma aura de estranhamento que contribuem ainda mais para a sua força narrativa.

Rocky Balboa, de Sylvester Stallone ***1/2

É claro que “Rocky Balboa” por alguns momentos cai para o sentimentalismo e um tom ingênuo excessivos, além é claro de ser meio constrangedor ver o velho Rocky com o rosto cheio de botox. Mas isso são apenas pequenos detalhes, pois o que compensa mesmo no filme é que ele resgata o real espírito da série, aquela coisa de pessoas simples e meio broncas vivendo situações redentoras. Stallone conduz com uma direção segura e de classe uma história que está em perfeita sintonia com a mitologia de seu personagem mais famoso, sendo que a seqüência da luta final de Rocky envelhecido, mas ainda durão, contra um forte e impetuoso campeão mundial é umas das melhores e mais emocionantes da série.

No saldo final, “Rocky Balboa” é tão satisfatória que faz com que a gente fique bem mais curioso para assistir “John Rambo”.

Filmes da Semana (cotações de 0 a 4 estrelas)

Metal – Uma Jornada Pelo Mundo do Heavy Metal, de Sam Dunn ****
Stardust – O Mistério da Estrela, de Matthew Vaughn ***1/2
Despedida de Ontem, de Alexander Kluge ***
Desbravadores, de Marcus Nispel **1/2
Transylvania, de Tony Gatlif ****
Noite de Estréia, de John Cassavetes ****
Morte no Funeral, de Frank Oz **1/2
A Morte de um Bookmaker Chinês, de John Cassavetes ****
Tropa de Elite, de José Padilha ****
Jogos Mortais 2, de Darren Lynn Bousman **1/2
Jackass 2, de Jeff Tremaine ***

Glen ou Glenda?, de Ed Wood 1/2 (meia estrela)

Apesar de considerar “Ed Wood”, a cinebiografia dirigida por Tim Burton, uma verdadeira obra-prima, devo confessar que não tenho o mesmo entusiasmo pela obra do personagem título. Assistir “Glen ou Glenda?”, por exemplo, é quase penoso, não só pelo fato de ser uma obra tosca e mal dirigida, mas principalmente por ser um filme muito chato!! Por mais ingênua que a visão ingênua e a incompetência formal de Wood possam parecer (e aí para muitos pode estar o encanto de seus filmes), a verdade é que temos uma narrativa arrastada e personagens desinteressantes. Mesmo aquela graça involuntária que esse tipo de produção pode gerar não aparece. No gênero “tranqueiras divertidas”, acho que “Robot Monster” e “O Esqueleto Perdido de Cadavra” são muito mais legais.

Letra e Música, de Marc Lawrence ***1/2

De vez em quando surpresas acontecem. Quem poderia dizer que uma singela e despretensiosa comédia romântica fosse oferecer um retrato tão irônico e bem humorado sobre a indústria da música pop? Pois “Letra e Música” é exatamente isso. Através da história de um pop star decadente (Hugh Grant, numa interpretação ultra cool) que recebe uma oportunidade de voltar aos holofotes desde que componha uma boa canção para uma nova estrela teen, o filme de Marc Lawrence oferece uma visão interessante sobre a relação entre a música e os seus aspectos comerciais. Mais louvável ainda é que se evita a simplória crítica aos mecanismos de criação e divulgação da canção popular. Afinal, na história da música pop, inspiração artística e o desejo de sucesso geralmente andam lado a lado, sendo que o fato de uma canção ser bem sucedida comercialmente não significa necessariamente que o autor da mesma tenha vendido a alma ao grande demônio corporativo (vide tanta gente boa como Beatles, Supremes e Elton John).

“Letra e Música” também serve como uma bela tiração de sarro com essa onda nostálgica dos anos 80 que está em voga atualmente. O protagonista é um verdadeiro refugo daquela época, com todos aqueles trejeitos estapafúrdios típicos de algumas bandas da época, como Wham e Duran Duran. E nesse sentido, o clip que abre e fecha o filme é uma verdadeira pérola de paródia musical e estética.

Outro ponto alto de “Letra e Música” é a sua brilhante trilha sonora, composta basicamente de canções originais que emulam genialmente algumas vertentes da música pop. Indo de um brilhante pastiche oitentista (a cara-de-pau “Pop! Goes To My Heart”), passando por divertidas paródias do estilo Britney Spears e chegando numa belíssima e classuda balada (“Way Back into Love), o filme acaba oferecendo um belo panorama de estilos musicais dos últimos 20 anos.

Por mais irônico que “Letra e Música” possa ser, a verdade é que o filme é um verdadeiro tributo à música pop, revelando como canções aparentemente tolas podem se infiltrar no imaginário das pessoas e ficarem grudadas lá para sempre.

Filmes das Últimas Semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

Os Quatros Elementos em Si ou O Guru Selvagem, de André Martinez *
O Resultado do Amor, de Eliseo Subiela *
A Última Cartada, de Joe Carnahan ****
Hairspray – Em Busca da Fama, de Adam Shankman ****
Uma Mulher Sob Influência, de John Cassavetes ****
Santiago, de João Moreira Salles ***
Quatro Estrelas, de Christian Vincent ***
Tapas, de José Corbacho *
Os Jetsons – O Filme, de Joseph Barbera e William Hanna **
Sombras, de Josh Cassavetes ****
Contra a Parede, de Fatih Akin ****
Freaks, de Tod Browning ****
Ligeiramente Grávidos, de Judd Apatow ***
O Último Bandoneon, de Alejandro Saderman **1/2
Um Menino No Verão de 1945, de Kazuo Kuroki ***1/2
Amantes Constantes, de Philippe Garrel **1/2
Dias de Ira, de Carl Theodor Dreyer ****
O Horror Vem do Espaço, de Arthur Crabtree ***
Vampiros de Alma, de Don Siegel ****
A Última Esperança da Terra, de Boris Sagal ***1/2
Ratos, de Bruno Mattei *1/2
Predadores da Noite, de Bruno Mattei *
A Dança da Vida, de Juan Zapata *
Sangue de Pantera, de Jacques Tourneur ****
Doppelganger, de Kiyoshi Kurosawa ****
Do Além, de Stuart Gordon ****
Os Olhos Sem Rosto, de Georges Franju ****
Calafrios, de David Cronenberg ****
O Elemento do Crime, de Lars Von Trier ***1/2
The Bird People In China, de Takashi Miike ***
Nothing, de Vincenzo Natali **
A Máscara da Morte Rubra, de Roger Corman ***1/2
Lunacy, de Jan Svankmajer ****
Bubba Ho-Tep, de Don Coscarelli ****
Zombie 3, de Lucio Fulci e Bruno Mattei *1/2
Zombie 2, de Lucio Fulci ****
Frostbiten, de Anders Banke **1/2
Martin, de George Romero ****
A Queda da Casa Usher, de Jean Epstein ****
Ação Mutante, de Alex de la Iglesia ****
2000 Maníacos!, de Herschell Gordon Lewis ***
Kill, Baby... Kill, de Mario Bava ****
Robot Monster, de Phil Tucker *
Lola, de Rainer Werner Fassbinder ****
Curva do Destino, de Edgar G. Ulmer ****
Operação Yakuza, de Sidney Pollack ****
Como Era Verde o Meu Vale, de John Ford ****
Luzes da Cidade, de Charlie Chaplin ****
A Aventura, de Michelangelo Antonioni ****
Antônia, de Tata Amaral ***1/2
Looney Tunes – De Volta à Ação, de Joe Dante ****