TO BRING YOU MY LOVE - P.J. Harvey

É claro que a primeira ligação que se pode fazer entre P.J. Harvey e Nick Cave é o fato de ambos terem tido um caso amoroso. Mas os universos deles já se cruzaram também por outros motivos. Como esquecer, por exemplo, o belo dueto entre os dois na sorumbática Henry Lee, uma das melhores faixas de Murder Ballads, excelente álbum de Nick Cave lançado em 1996? Além disso, a notável cantora, guitarrista e compositora lançou em 1995 To Bring You My Love, obra em sintonia profunda com a música de Cave.

Depois de Rid of Me (1993), disco eminentemente movido a rocks compactos de guitarras quase punks e timbres magníficos (cortesia da produção perfeita de Steve Albini), P.J. Harvey resolveu reformular sua concepção sonora. Para começar, abriu mão da formatação básica guitarra-baixo-bateria, resolvendo investir em arranjos mais elaborados com influências de blues e folk. Além disso, convocou para as gravações músicos com experiências mais diversas do rock ríspido que vinha gravando até então. Entre os mesmos, estavam Mick Harvey, parceiro de Nick Cave, e Flood, produtor de alguns discos dos Bad Seeds.

Todas essas mudanças acabaram resultando em uma obra de uma beleza estranha e perturbadora, com uma variação de arranjos e atmosferas que na época eram inéditas na carreira de P.J. Harvey. To Bring You My Love começa (a canção-título) e termina (The Dancer) com temas lentos, mas vigorosos, que soam como blues reinventados por uma dama vitoriana e gótica. Entre tais canções, há um conjunto extraordinário de rocks majestosos (Meet Ze Monsta e Long Snake Moan), folk (C’mon Billy, com elaborados toques hispânicos) e excentricidades de cair o queixo (Down By The Water, bizarra combinação de sintetizadores, percussão discreta e vocal que oscila entre o dramático e o sussurrante).

Intrigas de Estado, de Kevin Macdonald **1/2

Esse filme já foi visto várias vezes: jornalista investiga os podres da política, é perseguido tanto pelos poderosos que investiga quanto por seus pares e no final descobre o que queria. Por mais que se queira dar uma aura de seriedade para “Intrigas de Estado” (2009), a verdade é que o filme obedece a uma rigorosa fórmula do gênero thriller político facilmente assimilável. Por mais que a figura do jornalista interpretado por Russell Crowe seja simpática, a mesma tem o desleixo tão calculado no visual e nos modos que acaba reduzindo muito do impacto e carisma que poderia ter. No saldo final, é claro que o filme não é ruim – o cineasta Kevin Macdonald obtém um competente ritmo narrativo que prende momentaneamente a atenção do espectador. O que faltou é um maior estofo dramático e alguma ousadia formal e temática. Pode agradar algumas platéias, eventualmente, mas é facilmente esquecível após o fim da projeção. E dá uma vontade danada de rever “Todos os Homens do Presidente” (1976), clássico do gênero.

Filme Caseiro, de Christopher Denham **1/2

Talvez “A Bruxa de Blair” (1999) não tenha sido o primeiro filme a usa a câmera subjetiva como forma única de filmagem, mas, certamente, é a produção que consagrou tal prática. Nesse tipo de realização, parte-se da premissa que um dos personagens, ou mais de um, é quem está segurando a câmera que filma o que o espectador está assistindo. Por mais que tal técnica permita uma abordagem mais “realista” para a filmagem, a verdade é que a mesma é perigosamente limitadora tanto o para acabamento formal da obra quanto para a própria criatividade dos realizadores. Afinal, para se chegar ao nível de verossimilhança pretendido, por vários momentos somos obrigados a agüentar enquadramentos tremidos ou fora do foco principal da cena. O melhor filme, na minha opinião, desse gênero é o espanhol “(Rec)” (2007), até porque ele rompe com algumas dessas regras: não temos o tremelicar constante da câmera e geralmente conseguimos ver aquilo que nos interessa no enquadramento. Toda essa introdução serve para dizer que “Filme Caseiro” (2008), debut do cineasta norte americano Christopher Denham, utiliza-se dessa estética “subjetiva” – na sua trama, um pai resolve filmar o quotidiano de diabruras do seu casal de filhos e descobre que os dois são perigosos esquizofrênicos. Esse mote é um pouco absurdo e o filme padece um pouco dos problemas aludidos acima, originados do seu estilo de filmar. Mesmo assim, Denham consegue propiciar ao espectador alguns momentos assustadores pela violência explícita de algumas cenas e também pela tensão de outras seqüências.

W., de Oliver Stone ***

“W.” (2008) se relaciona com outras produções da filmografia de Oliver Stone que enfatizam a visão crítica do diretor sobre episódios e períodos importantes na história dos Estados Unidos. Em algumas dessas obras, o cineasta foi muito bem sucedido, principalmente em “Platoon” (1986), “Nascido em 4 de Julho” e “JFK” (1991), esse último uma verdadeira lição de montagem cinematográfica. “W.”, cinebiografia do famigerado George W. Bush, não atinge o mesmo nível de qualidade dos filmes mencionados. Tem-se a impressão de uma obra feita às pressas, para aproveitar justamente o período de eleições presidenciais em 2008. Assim, a narrativa se apresenta frouxa em alguns momentos. Stone parece não ter se decidido pelo tipo de abordagem sobre a vida de Bush: o tom de farsa predomina em várias seqüências, mas em outras tantas o que se tem é pura recriação dramática. Além disso, o roteiro falha ao simplificar várias nuances sobre relevantes questões políticas, o que, por ironia, deixa a trama confusa. Mesmo o elenco do filme, muito promissor na sua escalação, acaba ficando abaixo do esperado, tendo em vista que as caracterizações mais simulam mimetizações de figuras reais do que oferecem alguma consistência aos personagens. Mesmo com todos esses problemas, entretanto, “W.” está muito distante de ser um mau filme. Stone tem experiência de sobra para saber conduzir uma trama, conseguindo prender o interesse do espectador, apesar dos tropeços aludidos. A sensação de decepção só aparece porque se sabe que “W.” poderia ser bem melhor.

Minhas Adoráveis Ex-Namoradas, de Mark Waters **1/2

Dentro da atual conjuntura no gênero comédia romântica, “Minhas Adoráveis Ex-Namoradas” (2009) até que consegue se sobressair. Para começar, parte de uma premissa interessante: o mote principal do conto clássico “A Christmas Carol”, de Charles Dickens, é transposto para uma trama contemporânea envolvendo um conquistador (Matthew McConaughey) e os “fantasmas” de relacionamentos do passado, do presente e do futuro que o fazem reavaliar suas atitudes perante suas vítimas. Há seqüências realmente bem engraçadas, onde até transparece um certo humor politicamente incorreto, sendo que o diretor Mark Waters consegue sintonizar com eficiência os aspectos cômicos com os elementos de fantasia. Como todas as obras nessa linha, entretanto, o filme tem de atender um público específico, e dessa forma, no seu terço final, acaba se rendendo para convenções burocráticas relacionadas a lições de moral e finais felizes.

ALL SOULS ALIVE - The Blackeyed Susans

Assim como ocorre no Beasts of Bourbon, a música do Blackeyed Susans é uma espécie de confluência de alguns gêneros musicais que se unem e formam uma sonoridade admiravelmente orgânica e original. No caso dessa última, juntam-se na mesma via rock, pop, folk e country. Além disso, entre as duas bandas há uma diferença fundamental: enquanto na equação punk-blues-hard rock do Beasts of Bourbon há uma formatação coerentemente crua e sem maiores retoques de produção, no Blackeyed Susans predominam arranjos ricos em detalhes sonoros e uma produção mais refinada e dedicada a realçar o apuro melódico das canções, mas que também não abrandam o poder de fogo da sua música densa. Na sua formação, havia dois ex-integrantes do Triffids (grupo esse em que também tocou o atual baixista dos Bad Seeds e do Grinderman, Martin P. Casey), memorável banda dos anos 80, o guitarrista David McComb e o mestre do pedal steel Evil Grahan Lee, além do brilhante cantor e guitarrista Rob Snarski, o baterista Jim White (atual dono das baquetas do Dirty Three e Cat Power) e o violinista e organista Warren Ellis (também atual Bad Seeds e Grinderman, além de parceiro de Nick Cave na composição das belas trilhas sonoras dos filmes A Proposta e O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford).

O álbum de estréia do Blackeyed Susans, o fantástico All Souls Alive (1994), é uma obra-prima obscura que deveria se descoberta por todos aqueles apreciadores da música que foge das obviedades. As duas faixas que abrem o disco, A Curse on You e We Cold’ve Been Someone, são rocks de melodias torturadas e pontuadas por um proeminente órgão que lhes dá um toque atemporal. Em Every Gentle Soul e Sheets On Rain surgem inesperadas e magníficas sonoridades hispânicas, pontificadas por preciosas intervenções de mandolins e pelo violino de Ellis. A porção country da banda aparece em todo o seu esplendor nas excelentes Reveal Yourself e I Can See Now, ambas dominadas pelo sensacional pedal steel de Evil Lee. A versão para Memories, de Leonard Cohen e Phil Spector, também é um capítulo à parte, em que o violino fanfarrão de Ellis e o vocal ébrio de McComb transformam a canção numa espécie de “rock de boteco”, pronta para ser entoada num pub cheio de bebuns inveterados. Há também Apartment #9, pungente e arrebatadora balada voz-violão entremeada por toques sutis de pedal steel. O ponto culminante de All Souls Alive, entretanto, é Dirty Water, uma canção épica e amarga marcada por guitarras dramáticas e violino e órgão que dilaceram uma melodia que é pura desilusão.

Depois de All Souls Alive, o Blackeyed Susans ainda lançou o excelente Mouth to Mouth (1996) e Shangri-La (2004), o qual ainda não ouvi, ambos já sem contar com David McComb, e pouco se ouviu falar da banda depois. Independente do que haja ocorrido, todavia, os caras conseguiram deixar sua marca na história do rock, principalmente por essa jóia transtornada chamada All Souls Alive.

I'M NEVER GONNA DIE AGAIN - These Immortal Souls

Se no Birthday Party ele infectava as canções com acordes e riffs espamódicos e dementes, no These Immortal Souls o guitarrista e cantor Roland S. Howard preferiu uma abordagem formal de talhe clássico. Isso não quer dizer, contudo, que a música da banda ficou primando pelo convencionalismo. O que chega aos ouvidos é uma massa sonora contundente em que canções de melodias sombrias recebem um tratamento muito peculiar em arranjos que aliam o peso das guitarras de Roland e da cozinha do baterista Epic Soundtracks e do baixista Harry Howard (parceiros também do guitarrista na primeira formação do Crime And The City Solution) com sutis e sóbrias intervenções da pianista Genevieve McGuckin.

Essa concepção sonora marcante do These Immortal Souls atinge o seu maio pico de lapidação em I’m Never Gonna Die Again (1992), segundo e derradeiro álbum da banda. Contando também com a produção devidamente rústica de Tony Cohen, o disco reflete com propriedade as obsessões musicais de Roland S. Howard, em que rocks poderosos e climáticos (The King of California e Hyperspace) convivem de forma desconcertante com temas lentos de forte acento bluesy (Shamed e Black Milk), além de faixas instrumentais de estranhas progressões harmônicas e melódicas (Imsonnicide). O que une conceitualmente tais canções é a guitarra inquieta de Roland, que ora dispara violentamente ásperos e concisos riffs, ora acentua acordes sinuosos. A interpretação vocal de Roland S. Howard para as suas canções também merece destaque: apesar de não ter as mesmas nuances de Nick Cave, o seu canto desleixado e gutural é mais do que adequado para a sonoridade de sua banda, sublinhando brilhantemente a intrincada e coesa trama instrumental de I’m Never Gonna Die Again.

Um Homem de Moral, de Ricardo Dias ***1/2

O cineasta Ricardo Dias não procurou dar uma comportada ordem cronológica para focalizar a vida e obra de Paulo Vanzolini em “Um Homem de Moral” (2009), preferindo dissipar sua narrativa em várias frentes: imagens de Vanzolini em ação como biólogo respeitado, as gravações do projeto/tributo “Acerto de Contas” (em que vários artistas gravaram praticamente todo o repertório de composições do homenageado) e depoimentos de músicos, amigos e do próprio Vanzolini. Essa opção de Dias está em perfeita sintonia com o espírito errático do compositor e sua canções. A música, geralmente, não foi o principal mote da vida de Vanzolini, mesmo que ele tenha composto alguns clássicos do cancioneiro brasileiro (“Ronda”, “Volta Por Cima”). Os depoimentos dele sobre a sua música são de tom casual e anedótico, como se ele encarasse isso quase como uma brincadeira. Esse aparente descaso com a própria arte, entretanto, não coaduna com a beleza serena da música que brota das telas e nem com as palavras de admiração de vários dos demais depoentes. São justamente nesses contrastes que reside o encanto de “Um Homem de Moral”. E ainda falando no aspecto dos depoimentos, Dias colheu as declarações de Vanzolini em épocas diferentes. Assim, em algumas cenas vemos o compositor em trajes sóbrios e bem arrumado, enquanto em outros momentos ele está um pouco desgrenhado, com a barba por fazer, roupas amarrotadas. Em um primeiro momento, pode-se pensar em uma divisão de personalidades na mesma pessoa, sugerindo-se uma dualidade. A verdade, todavia, é que o teor sarcástico e mal humorado das frases de Vanzolini predomina em todas as entrevistas com eles. Assim, o que poderia sugerir uma espécie de caracterização “O Médico e o Monstro”, na realidade revela um homem em permanente estado “Mr. Hyde” na sua misantropia.

O Exterminador do Futuro: A Salvação, de McG ***

O que sempre me agradou em “O Exterminador do Futuro”, principalmente nos dois primeiros filmes da série, foi aquele jeitão “filme B super produzido”. Essa nova produção (2009) derivada da franquia mantém bastante dessa aura. A picareta estética futurista apocalíptica, o roteiro cheio de furos (mas divertido) e a violência casca grossa de algumas seqüências remetem às produções oitentistas do gênero (o que pode explicar, inclusive, o fato da película ter sido uma decepção nas bilheterias). Esse sabor nostálgico fica ainda mais evidente na participação digitalizada de Arnold Schwarzenegger em algumas cenas memoráveis. É claro que McG está longe de ter o mesmo talento de James Cameron na condução da narrativa e na direção das seqüências de ação. Mesmo assim, conseguiu fazer de “O Exterminador do Futuro: A Salvação” um filme acima média.

Os Falsários, de Stefan Ruzowitzky ***

Filmes europeus bem produzidos que tem como tema a 2ª Guerra Mundial sempre serão potenciais candidatos ao Oscar de melhor filme estrangeiro. Dessa forma, não surpreende que “Os Falsários” (2007) tenha levado a estatueta para casa. Essa produção alemã não traz nada de extraordinário dentro do gênero, tanto no aspecto formal quanto no temático. Isso pode parecer frustrante em um ano como esse, em que tivemos em nossas telas obras extraordinárias como “Katyn” e “Bastardos Inglórios” que retratam o mesmo conflito. Mesmo assim, “Os Falsários” mereça ser assistido. Ainda que não alcance maiores vôos ousados, o diretor Stefan Ruzowitzky consegue estabelecer uma narrativa envolvente e tensa, além de extrair uma atmosfera naturalmente melancólica e niilista.

Caramelo, de Nadine Labaki **

“Caramelo” (2007) parece ter a intenção principal de sensibilizar o seu público sobre a situação da mulher muçulmana sobre como a mesma é reprimida em uma sociedade machista. Nesse sentido, consegue passar a “mensagem” com uma certa elegância. A direção de fotografia do filme obtém alguns enquadramentos bonitos, principalmente pelo tom da iluminação que evoca a cor do doce que dá título à obra em questão. As histórias paralelas que se entrecruzam também oferecem um panorama de vários aspectos do tema abordado. Apesar das qualidades, também é o tipo de produção que se esquece logo depois que se sai da sala. A narrativa não empolga, é apenas uma sucessão de cenas agradáveis ou amenas, nada muito diferente do que se vê de uma morna novela das 8 padrão.

THE LOW ROAD - Beasts of Bourbon

A Austrália é um país muito peculiar no que diz respeito ao rock que se faz por lá (e é claro que eu não me refiro a bandas babas do tipo INSX, Australian Crawl ou Men At Work). A impressão que se tem é que o gênero foi remodelado por lá, adaptando-se àqueles áridos desertos e sinistras paisagens. O Beasts of Bourbon é uma mais do que exemplar amostra das sonoridades ultra particulares australianas. Sua música é uma mescla indissociável de blues, punk e do mais áspero hard rock (fanzocas do Bon Jovi não se animem: definitivamente, essa não é a praia de vocês...). O produto final é uma música sombria, entorpecida e desesperada, mostrando que, às vezes, a essência do rock não está exatamente na velocidade ou peso com que é tocado, mas sim na atmosfera torturada que o envolve.

The Low Road (1991) é um manifesto perfeito do som do Beasts of Bourbon. O disco começa já começa pegando fogo, com a potente Chase The Dragon e seus riffs cortantes. Já The Low Road e Just Right são temas rasgados por dolorosos acordes bluesy, daqueles que fazem a gente imaginar botecos escuros e esfumaçados cheios de mal-encarados e perdedores em geral bebendo cerveja ordinária. Can’t Say No é uma balada dilacerante, em que a voz do Tex Perkins é um lamento desesperançado e quase bêbado sublinhando a melancólica melodia da canção. Lá no meio do disco, mais precisamente na sexta faixa, a banda apresenta uma surpresa sensacional: uma revisão bem peculiar de Ride On¸ clássica canção do AC/DC, em que transformam o que antes era um blues manhoso num estridente tema rock. Mas em termos de versões, o disco também apresenta um achado ainda mais desconcertante, que é a visitação sobre uma das mais emblemáticas e malditas músicas da história do rock: Cocksucker Blues, canção proibida e nunca gravada oficialmente pelos seus autores (uns carinhas chamados Mick Jagger e Keith Richards), que nas mãos do Beasts of Bourbon recebe o tratamento que lhe é direito, com os mesmos dando para a canção um andamento arrastado e cheio de sensibilidade junkie. Para fechar de forma devidamente “down” uma obra marcada pela amargura, nada melhor que Goodbye Friends, uma elegia de tons embriagados.

Essencial na arquitetura sônica de Low Road é a produção sem enfeites de Tony Cohen, que ressalta com precisão os timbres secos e crus dos instrumentos, o que acaba valorizando ainda o clima lúgubre das canções do disco. Cohen foi produtor de alguns dos melhores álbuns do Birthday Party e dos Bad Seeds. E por falar nesses últimos, Tex Perkins e Spencer Jones, baixista do Beasts of Bourbon, são eventuais colaboradores das “más sementes”.

Moss Side Story - Barry Adamson

Se Barry Adamson com o Magazine ajudou a forjar a sonoridade do pós-punk inglês, e com Nick Cave colaborou no processo de recriação do blues e outros gêneros ancestrais, em sua carreira solo ele procurou outras vias para expressar suas particularíssimas concepções sonoras. Abandonando de vez as tradicionais formações rock e a velha estrutura de canções pop para tocar na rádio, o inquieto músico inglês preferiu se dedicar à elaboração de temas, na sua maioria instrumentais, influenciados pela rica tradição das trilhas sonoras cinematográficas, com ênfase especial para aquelas feitas para clássicos filmes policiais. Moss Side Story (1989), álbum de estréia de Adamson, já traz toda essa estética de forma perfeitamente delineada. Não espere, entretanto, uma mera homenagem que se limita a reciclar clichês. Adamson vai muito mais longe, pois ele pega os elementos básicos dos cânones desse gênero musical e filtra os mesmos através de sua rica bagagem como velho guerreiro do rock underground. Assim, orquestrações e melodias soturnas convivem com estranhas dissonâncias e instrumentações atípicas. Dentro dessa abordagem sui generis, mesmo regravações, como a revisão do tema principal de O Homem do Braço de Ouro, acabam soando como peças próprias de Adamson.

A intenção inicial de Barry Adamson ao arquitetar tais molduras sonoras era fazer “trilhas sonoras imaginárias”, ou seja, músicas para filmes que não existem. O resultado expressivo de tal trabalho, todavia, não passou desapercebido, sendo que o gênio cinematográfico David Lynch acabou utilizando alguns temas de Adamson na maravilhosa trilha sonora do surreal A Estrada Perdida.

A Ilha da Morte, Wolney de Oliveira *

Por mais que tenha boas intenções em homenagear os pioneiros a ser envolverem com cinema em Cuba, “A Ilha da Morte” (2006) não deixa de ser mais uma obra irrelevante a aparecer nas telas. O diretor Wolney de Oliveira elaborou uma narrativa sem brilho e medíocre. Seria muito fácil dizer que o filme é ingênuo, simples ou coisa que o valha para justificar suas limitações. Na verdade, o que transparece é uma preguiça criativa que se configura numa produção presa a fórmulas gastas e carentes de vigor.

Meu Mundo em Perigo, de José Eduardo Belmonte **1/2

Assim como em “A Concepção” (2005) e “Se Nada Mais Der Certo” (2008), o cineasta José Eduardo Belmonte volta a retratar indivíduos atormentados em um mundo caótico. Ocorre que dessa vez o diretor parece não ter acertado a mão – a auto-condescendência dos seus protagonistas parece ter contaminado a narrativa em algumas seqüências de “Meu Mundo em Perigo” (2007). Belmonte se perdeu um pouco em excessos dramáticos, fazendo com que na obra não haja o senso de humor doentio de “A Concepção” nem a fluência de ação de “Se Nada Mais Der Certo”. Mesmo com esses reveses, entretanto, o filme tem as suas virtudes – o tom sujo da fotografia está em sintonia com o espírito desestruturado da trama e o elenco de atores ofece algumas intensas atuações memoráveis.

Haus der Luege - Einstürzende Neubauten

Se como membro dos Bad Seeds o guitarrista Blixa Bargeld se dedicou a reinvenção do blues, do country e outros gêneros tradicionalistas, na sua banda de origem, Einstürzende Neubauten, a sua missão era bem diferente...

O Einstürzende Neubauten talvez é o principal nome do Industrial, gênero do rock que dispensa a formação básica guitarra-baixo-bateria e se apropria de barulhos ambientais ou originários de objetos do quotidiano como matéria prima da sua música. Os seus dois primeiros discos, os radicais Kollaps (1981) e Drawings of Patient O.T. (1983), consistem quase que basicamente na voz e guitarra maníacas de Blixa Bargeld auxiliadas pela percussão em materiais metálicos dos demais membros da banda. O resultado é uma barulheira estranhamente harmônica e fascinante. Com Halber Mensch (1985) e Five on the Open-Ended Richter-Scale (1987), a música da banda busca uma aproximação maior com sonoridades mais melódicas, utilizando-se inclusive de instrumentos ortodoxos, como sintetizadores. Isso não implica, entretanto, em uma aproximação com uma música mais convencional, sendo que na verdade tais mudanças acentuam ainda mais a singularidade do trabalho desses alemães esquisitos.

Essas mudanças na concepção sonora que se insinuam nos discos mencionados acabam se cristalizando de forma plena em Haus der Luege (1989), a grande obra-prima do Einstürzende Neubauten. A abertura com Prolog até remete aos primeiros trabalhos dos caras, com a voz carregada de Bargeld se alternando com uma zoeira quase inaudível, mas em Feurio! e Haus der Luege a característica percussão metálica industrial da banda se casa de forma plena e magnífica com sintetizadores e seqüenciadores em paisagens sonoras de tons épicos e apocalípticos. Ein Stuhl in Der Hoelle é quase uma balada que remete a cantigas de tons folclóricos. Em Fiat Lux, temos um tema que se divide em três canções fortemente climáticas, permeadas por sons sampleados das ruas, inclusive manifestações de protestos, e um instrumental que lembra bastante os trabalhos mais experimentais de Brian Eno. Schwindel é uma improvável aproximação do industrial com o reggae, enquanto Der Kuss, belíssimo tema lento marcado por sintetizadores emocionantes e preciosas intervenções da guitarra de Bargeld, encerra de maneira extraordinária esse clássico bizarro do rock (e que milagrosamente foi lançado na época no Brasil pela gravadora Stiletto!!).

The Firstborn is Dead - Nick Cave & Bad Seeds

The Firstborn is Dead (1985), segundo disco de Nick Cave e seus Bad Seeds, é uma obra eminentemente marcada pelo blues. Não vá pensando, entretanto, caro leitor que se trata de algo na linha do blues branco quadradão estilo Steve Ray Vaughan. O caminho do cavernoso australiano e dos seus cúmplices é bem diferente. O que se houve, na verdade, é aquele blues de origens rurais, que quase se confunde com o country, transpassado pela herança corrosiva típica do pós-punk. Muito mais que emular os velhos riffs e acordes do gênero, Nick Cave e os Bad Seeds resgatam também um aspecto essencial do blues: uma ambiência soturna e nebulosa, característica de um ritmo que originalmente foi forjado a partir do sofrimento e da violência.

Para conceber Firstborn is Dead, Cave contou com uma reduzida e inspirada formação dos Bad Seeds, em que Blixa Bargeld ficou responsável pelas principais guitarras e Mick Harvey (parceiro de Cave também no Birthday Party) e Barry Adamson (naquela época, egresso do Magazine) se revezaram nos demais instrumentos, além da bela produção de Flood, que sabiamente enfocou a musicalidade da banda numa sonoridade mais esparsa e sutil. O resultado são canções que ora fluem em levadas rítmicas vigorosas (Tupelo e Train Long-Suffering), ora se insinuam em blues lentos e tenebrosos (Knockin’ Joe, Blind Lemon Jefferson e The Six Strings That Drew Blood). Há também uma versão para Wanted Man de Bob Dylan que na verdade é mais uma recriação radical, em que Cave toma a canção para si.

Posteriormente, o blues voltou aparecer em outros álbuns de Nick Cave, com resultado brilhante na maioria das vezes. Tais abordagens, todavia, foram mais tradicionais, não atingindo o mesmo grau de estranheza da desconstrução perversa do gênero obtido por The Firstborn is Dead.

Se Nada Mais Der Certo, de José Eduardo Belmonte ***1/2

Em tempos que obras de temática voltada para o próprio umbigo são cultuadas como o máximo em termos de modernidade cinematográfica, o cineasta José Eduardo Belmonte nada contra a corrente e apresenta um filme bastante ambicioso nas suas pretensões artísticas. “Se Nada Mais Der Certo” (2008) foca uma realidade que se desestrutura progressivamente. A produção parte de uma premissa intimista, mostrando a rotina pessoal de um fracassado jornalista (Cauã Reymond). Com o desenrolar da trama, entretanto, a película adquire uma conotação mais complexa no sentido que relaciona o lado pessoal dos seus personagens com o contexto social e político que os rodeia. Belmonte não é panfletário quando parte para esse lado – o que ele faz é a analogia metafórica da desilusão e do caos comportamental de suas criaturas com a crise moral e ética inerente à sociedade contemporânea. Para refletir esse conturbado panorama, ele adota uma narrativa fragmentada, sem ser frouxa. A edição trepidante e a direção de fotografia que usa tons iluminados estourados em vários momentos acentuam a sensação de dissipação dos personagens e do mundo ao seu redor. E é justamente nesse aspecto que está o grande mérito de Belmonte: ele não quer apenas contar uma história, mas também passar ao espectador todo um fluxo sensorial, por mais incômodo que isso possa ser. Por isso, mesmo padecendo de uma certa irregularidade, “Se Nada Mais Der Certo” é uma das mais inquietantes produções nacionais a chegar aos cinemas nos últimos anos.

Uma Noite no Museu 2, de Shawn Levy **1/2

A continuação do sucesso de 2006 é até melhor que a primeira parte. Os efeitos especiais são expressivos e há algumas seqüências realmente bem divertidas. No final das contas, entretanto, ficamos com a sensação de que tantos bons recursos humanos e materiais poderiam ter sido melhor aproveitados para uma obra mais ousada e menos convencional. A mistura de personagens históricos de diversos períodos em uma mesma história é uma premissa interessante, isso sem contar que Ben Stiller, Owen Wilson, Steve Coogan e Hank Azaria são atores de tremendo talento cômico. O cineasta Shawn Levy parece desconsiderar todo esse potencial criativo e nos entrega uma produção “quadrada” em excesso e mais preocupada com suas mensagens morais edificantes.

Mutiny/The Bad Seed - Birthday Party

Seguido na Insólita Máquina eu mencionava o Birthday Party nos meus textos, o bando comandado por Nick Cave antes dele formar os Bad Seeds. Mas isso é inevitável, pois considero tal banda uma das coisas mais fantásticas a ter surgido na história do rock. Sua música condensava de forma absurdamente caótica rockabilly, blues e punk, em canções que pareciam ter a sonoridade de trens desgovernados descarrilhando e descendo ladeira abaixo ou de carros se chocando brutalmente (não deve ser à toa, portanto, que na época Cave e o baixista Tracy Pew tinham o saudável hábito de furtar carros e logo depois destruí-los em violentos acidentes). De vez em quando, a banda dava uma trégua e oferecia algumas sinistras baladas. Se Prayers on Fire (1981) e Junkyard (1982) representam o auge da brutalidade sônica do Birthday Party, os EPs Mutiny e The Bad Seed, as últimas gravações em estúdio da banda e ambos lançados em 1983, marcam o começo da transição musical de Nick Cave. Apesar de ainda aparecem algumas canções no estilo “rolo compressor”, como a pura pauleira fora de controle de Sonny’s Burning, o que predomina são temais mais lentos como as soturnas Wild World, Deep in the Woods e Jennifer’s Veil, em que a guitarra esquizóide de Roland S. Howard dispara marcantes acordes bluesy. É de se destacar ainda o belo rock climático Mutiny in Heaven, que tem a participação de Blixa Bargeld, vocalista e guitarrista do Einstürzende Neubauten e futuro membro dos Bad Seeds. Como se pode observar, os EPs em questão, que posteriormente foram reunidos em um único CD, além de marcarem de forma brilhante o final abrupto do Birthday Party, também deram uma prévia do que Cave aprontaria junto aos Bad Seeds.