Caçadores de Atlântida, de Ruggero Deodato *

Vendo “Caçadores de Atlântida” (1983) dá para ter uma ideia do contexto histórico, artísticos e comercial da realização do filme. Provavelmente, o diretor Ruggero Deodato não tinha muita grana para a produção e precisava ter um retorno rápido do investimento. O que estava em voga nos cinemas na primeira metade da década de 80? Fácil: as histórias de um futuro pós-apocalíptico influenciadas pela franquia “Mad Max” e as aventuras envolvendo heróis machões em busca de civilizações antigas ou míticas na linha “Indiana Jones”. Com a maior cara-de-pau, é escrito um roteiro misturando todas essas referências, junta-se um elenco de canastrões e a direção tenta dar alguma unidade para esse precariedade. É claro que o resultado final é muito ruim em qualquer circunstância, mas eventualmente consegue ser divertido nos seus ápices de tosquices – tiroteios coreografados meio de qualquer forma, diálogos estúpidos, direção de arte brega. No final das contas, dá para dizer que é uma obra emblemática de uma época. A gente até sente uma certa nostalgia...

O último mundo dos canibais, de Ruggero Deodato ***1/2

Num primeiro momento, um filme como “O último mundo dos canibais” (1980) pode suscitar comparações com a obra de Werner Herzog. Afinal, o diretor alemão se notabilizou pelo seu registro particular da natureza selvagem. Tal semelhança, entretanto, vem apenas pela temática. O diretor italiano Ruggero Deodato não envereda pela abordagem reflexiva do referido cineasta germânico. O negócio de Deodato é uma ótica tipicamente exploitation, assim como seu falso documentário “Canibal holocausto” (1980). No filme, não há interesse por uma visão antropológica dos tais canibais. Para Deodato, eles são apenas selvagens e nojentos vilões, e o diretor gosta de enfatizar bastante isso, abusando de cenas de violência e com muitas vísceras à mostra. Por mais apelativa que possa aparentar tal abordagem, é inegável que ela funciona para a produção, gerando momentos memoráveis de tensão e de violência explícita gráfica. O cenário das selvas se converte num ambiente de filme de horror e Deodato é hábil na caracterização de uma atmosfera opressiva para as vítimas dos canibais. Assim, dá para dizer que “O último mundo dos canibais” é um biscoito fino para os apreciadores de uma podreira cinematográfica bem dirigida.

Roma fantástica, de Luigi Cozzi **1/2

O diretor italiano Luigi Cozzi conta uma história curiosa sobre o documentário “Roma fantástica” (2010). Na verdade, era para o filme ser dirigido por um francês para um canal de televisão, tendo como protagonista o próprio Cozzi a percorrer Roma e relacionar alguns de seus principais lugares a célebres obras do cinema de horror italiano. Ocorre que o tal francês era tão inexperiente nas lides de direção que o próprio Cozzi acabou assumindo a condução da produção. Esse acidente de percurso na realização de “Roma fantástica” é visível na sua narrativa, por vezes confusa e até truncada (lá pelo meio do filme, parece que a premissa original é meio que esquecida e se começa a fazer uma breve biografia do próprio Cozzi). Mesmo assim, o documentário se revela como uma experiência relevante por mostrar uma época de ouro (mais ou menos entre as décadas de 50 e 70) tanto para o cinema italiano quanto para os apreciadores dos gêneros de suspense e terror. Cozzi traz à tona nomes e títulos importantes, e por vezes esquecidos, fazendo um painel interessante tanto pelo lado estético quanto pela visão histórica daquele período, além de apresentar um relato esclarecedor de como era fazer um filme B na época. Relacionando com a atualidade, o documentário ganha uma dimensão ainda mais inquietante quando se observa que o horror no presente cinema italiano beira o inexistente se comparado com a época focalizada no filme. Uma pena.

A casa no fundo do parque, de Ruggero Deodato ***1/2

A gente pode perdoar na boa Ruggero Deodato por algumas das bobagens que realizou ao longo de sua carreira quando se assiste a uma obra como “A casa no fundo do parque” (1980). O filme representa uma bela síntese estética do que foi o gênero suspense no cinema italiano ao longo dos 60 e 70. A produção estabelece um notável equilíbrio entre tensão psicológica e violência explícita, e sempre mantendo uma atmosfera de perturbadora sordidez. Há uma ambiguidade moral que permeia toda a trama, em que o comportamento tresloucado da dupla de psicopatas que atormenta a noite de alguns burgueses não representa exatamente uma antítese do comportamento frio e arrogante de suas vítimas. Deodato pode não ter a mesma genialidade formal de Dario Argento e Mario Bava, mas mesmo assim consegue elaborar algumas cenas antológicas, principalmente quando combina violência e erotismo, em que o teor até vulgar do roteiro recebe um tratamento estilizado pelas classudas edição e direção de fotografia do filme. O resultado final nos faz perguntar porque o cinema italiano atual não produz mais uns suspenses de tal naipe.

Os bárbaros, de Ruggero Deodato **

Discutir os méritos artísticos de “Os bárbaros” (1987) é quase uma tarefa dispensável. É evidente que o filme é uma tosqueira “inspirada” no sucesso de “Conan, O Bárbaro” (1982) – tanto que para capitalizar se tem a manha de colocar dois heróis anabolizados em cena. Até dá para perceber uma certa criatividade em termos de direção de arte, ainda que prejudicada pela precariedade da produção. Na sua primeira metade, o filme parece se levar a sério. Na metade restante, o diretor italiano Ruggero Deodato dá a impressão de que se deu conta da ruindade da coisa e viu que era negócio enveredar para a paródia completa. E assumindo esse lado trash, a produção parece funcionar de forma mais efetiva. O verdadeiro atrativo de “Os bárbaros” está no fato de ser uma obra emblemática de uma era, em que produções B chegavam aos borbotões em nossos cinemas e locadoras, época também que havia um certo misto de ingenuidade e cara-de-pau em se realizar versões picaretas de filmes, ou gêneros, consagrados e o público conseguia até se divertir com essas tranqueiras. E mesmo um diretor de prestígio como Deodato não se furtava de se meter nessas enrascadas e ainda sair fazendo piada.

A força dos sentidos, de Jean Garrett ****

Uma das coisas fascinantes na história do cinema é aquela situação em que uma determinada obra, a partir de uma série de limitações e convenções, consegue transgredir e se expandir para terrenos que vão muito além do esperado. Esse é justamente o caso desse extraordinário “A força dos sentidos” (1980). Originária da linha de montagem de filmes eróticos da Boca do Lixo, essa produção dirigida por Jean Garrett atinge um nível de consistência artística admirável. Estão lá as habituais musas da Boca do Lixo (com destaque absoluto para uma Aldine Müller no esplendor de sua sensualidade e beleza), mas as cenas de sexo das quais participam ganham uma dimensão que extrapola a excitação – Garrett lhes dá uma ambientação misteriosa e até mórbida. Na realidade, todo o filme tem essa atmosfera sombria e obscura, remetendo a um clima típico das produções de horror europeu dos anos 60 e 70, principalmente com ênfase numa certa tensão psicológica, em que a fronteira do delírio e do metafísico não é bem precisa. Colabora para essa insólita abordagem de Garret a direção de fotografia elegante de Carlos Reichenbach, além da brilhante utilização de temas de música erudita na trilha sonora (expediente que era recorrente na Boca do Lixo – afinal, assim não se precisava pagar os direitos autorais....).

O sonho de Lu, de Carlos "Hari" Sama

Na intenção de mostrar a dor de uma mãe pela perda do filho, o diretor mexicano Carlos “Hari” Sama não abre muitas concessões em “O sonho de lu” (2011). Sua encenação é exasperante nas nuances dramáticas e planos fixos, valorizando com bastante ênfase os silêncios e o olhar perdido da protagonista Lucia (Ursula Pruneda em notável interpretação). Sama, na maior parte do tempo, utiliza um registro seco e objetivo, até com um certo distanciamento emocional, querendo evitar o sentimentalismo fácil que uma temática como essa poderia propiciar. Em determinados momentos, entretanto, o filme se permite alguns toques de um lirismo cortante, que vão dos números musicais (alguns executados pela própria Lucia) até filmagens marítimas que beiram um tom épico. Esse choque entre o realismo doloroso e esses alívios poéticos é que provoca a grande tensão criativa da obra, fazendo com que ela se torne mais marcante no imaginário do espectador.

Hoje, de Tata Amaral ***

Em tempos que se fala em “ditabranda”, questiona-se a validade de indenizações para ex-exilados e famílias de desaparecidos e até o Lobão põe em dúvida se houve tortura durante a ditadura militar no Brasil, um filme como “Hoje” (2011) acaba se mostrando como atemporal. Mais que um comentário político, a obra de Tata Amaral é marcada por um subjetivismo pungente – as marcas da violência física e moral sofrida pela protagonista Vera (Denise Fraga) são expostas com contundência e sem concessões. “Hoje” parece questionar o espectador e a própria sociedade sobre a prepotência de julgar o quanto o sofrimento de uma pessoa pode valer. Para ilustrar essa temática complexa, a cineasta busca um formalismo insólito, combinando sutilmente os elementos cinematográficos usuais de ficção com toques documentais e jornalísticos (por vezes, os personagens parecem depor à câmera). Não se trata, entretanto, de “teatro filmado”. O que Amaral faz é não se limitar à linguagem naturalista. Na verdade, “Hoje” é uma narrativa de cunho fantástico, oscilando entre o delírio e o onírico. O que se retrata no filme é um turbilhão emocional, um ajuste de conta pessoal de Vera com o próprio passado. E são justamente essas escolhas artísticas insólitas e difíceis de Amaral que tornam seu filme tão inquietante e marcante.

Homem de ferro 3, de Shane Black **1/2

É claro que “Homem de ferro 3” (2013) está longe da categoria bomba cinematográfica. Por vezes as trucagens até impressionam, além do diretor Shane Black (o mesmo do ótimo “Beijos e tiros”) demonstrar em alguns momentos boa mão para cenas de ação. O fato é que essa nova incursão cinematográfica pelo universo do herói da Marvel deixa a desejar. O grande mérito dos dois filmes anteriores dirigidos por Jon Favreau era demonstrar a capacidade de extrair os melhores elementos da mitologia original do herói nos quadrinhos e traduzir isso numa obra que fosse universal, capaz de cativar fãs e neófitos. Nessa terceira parte, dá impressão que diretor, produtores e roteiristas leram rapidamente alguns gibis do Homem de ferro, o que resultou em uma produção genérica e sem personalidade. A densidade dramática de Tony Stark (Robert Donwey Jr.) é nula – o afã de mostrá-lo como um sujeito bem-humorado, sempre com tiradinhas espertinhas na ponta dos lábios, tira muito de sua grandeza como personagem. Mas o pior de tudo foi o que fizeram com o Mandarim (Ben Kingsley), simplesmente o vilão mais importante da galeria de antagonistas do Homem de ferro nas HQs: nessa versão para a tela grande, o cara é reduzido a uma figura patética e pouca ameaçadora. Até a habitual cena depois dos créditos finais, típicas das produções recentes da Marvel, é uma bobagem tão sem graça que chega a constranger. É provável que o filme vá render um monte de grana nas bilheterias e motive uma nova sequência, mas se a franquia continuar nesse marasmo criativo periga fazer com que uma série que começou tão bem enverede para o limbo da irrelevância.

O carteiro, de Reginaldo Faria 1/2 (meia estrela)

Reginaldo Faria não é iniciante na lide cinematográfica. Participou de filmes cruciais da cinematografia nacional como “O assalto ao trem pagador” (1962), “Lúcio Flávio: Passageiro da agonia” (1977) e “Pra frente Brasil” (1981). Além é claro de já ter tido algumas experiências como diretor. Assim, como explicar que tenha concebido algo tão desastroso como “O carteiro” (2010)? Trata-se de uma obra em que simplesmente nada dá certo em nada, ainda que possamos ver algumas boas ideias que só ficam nas intenções. Faria diz ter se inspirado em comédias clássicas da época de ouro do cinema italiano, tanto que situa a sua trama numa cidade de colonização italiana do Rio Grande do Sul. Essa boa influência, entretanto, não se materializa em um resultado prático aceitável. O roteiro é capenga, não sabendo obter uma síntese orgânica entre drama e comédia, sendo que a encenação que beira o amador só piora ainda mais as coisas. É de se estranhar também que Faria, ator de longa quilometragem em cinema e televisão, tenha dirigido um elenco de interpretações tão inexpressivas. Talvez aqueles menos exigentes possam elogiar a direção de fotografia a realçar as belas paisagens da serra gaúcha, mas a verdade é que esse formalismo estilo cartão postal só joga “O carteiro” naquele limite tenebroso entre a ruindade e o medíocre. No final das contas, a produção até se torna um programa imperdível no sentido de ver como um filme pode dar tão errado.

Era uma vez eu, Verônica - de Marcelo Gomes ***1/2

O fato de “Era uma vez eu, Verônica” (2012) começar e terminar com uma grande suruba na praia não configura apenas um gosto pela sacanagem. No caso do filme, representa também uma declaração existencial de princípios e que também se revela em sintonia com a própria trajetória da protagonista Verônica (Hermilla Guedes) no filme. A personagem apenas quer extrair algum prazer da vida, independentemente das convenções sociais e pequeno-burguesas. Numa sociedade que defende valores arraigados em fortes tradições morais e religiosas, ainda que em pleno século XXI, o desejo de liberdade de Verônica acaba lhe deixando em crise pessoal. Em tempos de neo-conservadorismo e da assepsia temática e formal da produções oriundas da Globos Filmes, os dilemas e desejos da protagonista soam profundamente ousados e inquietantes. A questão da vontade por uma vida mais livre de convenções de Verônica parece influenciar o próprio tratamento estético concebido pelo diretor Marcelo Gomes para a sua obra. Se por vezes ele utiliza um registro objetivo, de tons que beiram o documental, em outros momentos sua câmera é livre, além dele valorizar uma considerável gama de efeitos visuais em termos de iluminação e enquadramentos, com o seu áudio enfatizando nuances como sussurros, gemidos, leves cantarolares. O fato da trilha sonora ser dominada pelas belas canções da Karine Buhr (uma lasciva combinação de rock, brega e regionalismos) sublinha com classe as intenções de Gomes. O resultado final desse conjunto formal é uma obra de efeito sensorial desconcertante, próximo do espírito libertário da protagonista.

Um porto seguro, de Lasse Hallström *

O sueco Lasse Hallström nunca foi um diretor especialmente brilhante, principalmente depois que se bandeou para Hollywood. Em sua carreira norte-americana, a cada produção foi perdendo traços de personalidade própria, a um ponto que hoje em dia se confunde com os mais burocráticos paus para toda obra que existem às dúzias por aí. Esse “Um porto seguro” (2013) é o seu fundo do poço artístico (se bem que nunca dá para duvidar que as coisas sempre podem piorar). Hallström devia estar precisando bastante da grana para aceitar trabalhar com um roteiro tão medíocre e derivativo como esse baseado no original de Nicholas Sparks. O tratamento que o cineasta dá para a trama é tão pífio e sem inspiração quanto o texto. É aquele tipo de filme que a gente pode identificar com clareza todo o seu mecanismo – quando não há muito o quê dizer, abusa de câmeras a fazer grandes panorâmicas (estilo cinema cartão postal); cenas intimistas são filmadas como se fossem um comercial de perfume ou sabonete para adolescentes; o roteiro tem viradas dramáticas que oscilam entre o formulaico e o apelativo (o que dizer da “surpresa” espírita do final?). A maior ousadia estética de Hallström é simular uma câmera que trepida quando o vilão alcoólatra entra em cena, e mesmo assim o resultado é simplesmente tosco e gratuito. E depois de ver um desastre tão ostensivo quanto “Um porto seguro”, não há como ficar curioso em saber qual é o próximo passo rumo ao grande nada por parte de Hallström.

Argo, de Ben Affleck ***

Pode-se dizer que a metade inicial de “Argo” (2012) mostra um trabalho formal bem definido e até com um certo traço autoral. O filme evoca bastante a estética típica do cinema de viés político norte americano dos anos 70 na linha de obras como “Três dias de Condor” (1975) e “Todos os homens do presidente” (1976) - até os créditos iniciais com o ícone do estúdio apresenta esse estilo retrô. Nessa formatação, o diretor Ben Affeck abusa da narrativa por vezes quase documental e da fotografia de tons granulados. Também no início do filme, o roteiro sugere uma visão mais crítica sobre a questão dos conflitos políticos dentro do Irã, ressaltando a própria participação dos Estados Unidos para que a situação chegasse a um ponto tão explosivo quanto aquela da época (final da década de 1970). Nessa conjunção estética e temática, “Argo” se mostra uma produção realmente inquietante. Ocorre que em sua metade final, o filme muda seu direcionamento. Affleck adota uma abordagem bem mais convencional, além de mostrar uma visão política claramente maniqueísta, com os iranianos sendo retratados como animais fanatizados. Por mais que a seqüência de fuga no aeroporto possa soar emocionante para parte dos espectadores, também revela uma incômoda falta de coerência que todo aquele estilo mais cerebral e contido do início do filme. Talvez essas diferenças entre as metades inicial e final de “Argo” reflitam uma esquizofrenia criativa por parte de Affleck. No final das contas, entretanto, é provável que se mostre como uma forma de adequação progressiva a um gosto médio das plateias.

A morte do demônio, de Fede Alvarez ***

Não há como não comparar uma refilmagem com o original, por maiores que sejam os méritos artísticos daquela. Ainda mais se a primeira versão do filme é uma obra-prima fundamental e marcante como o primeiro “A morte do demônio” (1981). Nesse sentido, essa revisão concebida pelo diretor Fede Alvarez, e lançada agora em 2013, decepciona, principalmente por não trazer o grau de inventividade e virtuosismo que a produção dirigida por Sam Raimi apresentou. Não há aquele senso de humor perturbador e a sordidez irônica que conquistaram o público e tornaram o debut de Raimi uma obra influente. Na versão de Alvarez, por mais que a ideia de misturar o terror sobrenatural com o vício de drogas da protagonista possa ser uma boa sacada, há uma incômoda impressão de um roteiro que se leva demasiadamente a sério, o que fica ainda mais acentuado quando a trilha sonora melodramática entra em cena e nos momentos envolvendo discussões familiares. Ora, convenhamos: num terror gore, profundidades psicológicas são um tanto irrelevantes... Tirando tais considerações comparativas, entretanto, há de se reconhecer que essa refilmagem tem os seus méritos que a colocam num nível acima da média do que vem se produzindo no gênero nos últimos tempos. Há seqüências efetivamente assustadoras, tanto pelo grau de violência explícita quanto pelo alto nível de suspense. Alvarez pode não chegar perto da criatividade estética de Raimi, mas mesmo assim tem talento e coragem suficientes para realizar cenas extremas de mutilações absurdas e sanguinolências desvairadas, capazes de se grudar no imaginário cinematográfico.

Oblivion, de Joseph Kosinski ***1/2

Dentro do gênero da ficção científica, “Oblivion” (2013) não chega a trazer nada de exatamente novo. O filme recicla muito de alguns preceitos temáticos já bastante utilizados em outras produções do estilo. Mesmo assim, é uma obra que surpreende por apresentar esmero estético e criatividade na sua concepção visual, que chega até a lembrar por alguns momentos o grafismo dos quadrinhos europeus da “Metal Hurlant” (aquele visual de uma Lua despedaçada é de ficar colado no nosso imaginário por um bom tempo), e por uma atmosfera constante de tensão. Nesse último ponto, isso é valorizado pelo fato de que quase metade da trama traz o protagonista Jack Harper (Tom Cruise) sozinho em cena, percorrendo um planeta Terra devastado por desastres naturais e bombas nucleares. O filme até surpreende por um tom reflexivo e intimista, o que também possibilita uma caracterização mais aprofundada do personagem principal. Isso não quer dizer que o diretor Joseph Kosinski esqueça que “Oblivion” é na sua essência uma aventura – há boas seqüências de ação, ainda que por vezes um tanto genéricas.

Vocês ainda não viram nada!, de Alain Resnais ***1/2

Filmes que procuram ligações entre as linguagens cinematográfica e teatral não chegam a ser exatamente uma novidade. Por vezes, esses tipos de produção caem no puro teatro filmado. Por outras, resultam em obras inquietantes, que reviram os conceitos de tais meios de expressão a um ponto que fica difícil delimitar onde começa um e termina o outro. Nessa última categoria, pode-se enquadrar a extraordinária versão recente de “Anna Karenina” (2012) e esse “Vocês ainda não viram nada!” (2011), de Alain Resnais. O veterano diretor francês sempre teve uma queda por uma abordagem anti-naturalista, vide obras como “O ano passado em Marienbad” (1961) e “Meu tio da América” (1980). Na obra em questão, Resnais propõe uma fusão radical de elementos, com direito inclusive à metalinguagem. O roteiro parte de uma premissa relativamente simples: um grupo de atores assiste a uma peça, (uma modernização da lenda de Orpheus e Eurídice), filmada num grande telão. Aos poucos, essa platéia de intérpretes começa a interagir com a encenação filmada, a um ponto que há duas (por vezes até três) narrativas paralelas, ou que se fundem, contando a mesma história. A ação se expande para fora do espaço “real”, entrando num universo paralelo (é um palco? É um sonho?). Em alguns momentos, a mesma cena é recontada, como se Resnais buscasse de forma obsessiva uma nuance específica. É fascinante que ainda assim o filme fuja do simples experimentalismo – a fluidez da sua narrativa e mesmo o caráter emocional de sua trama causam forte empatia com o público. A sintonia artística entre o cineasta e o seu elenco também contribui de forma decisiva com o impacto sensorial de “Vocês ainda não viram nada!” – é desconcertante a maneira como os atores variam o tom de suas atuações, passando do ato de interpretarem a si próprios ao de vestirem a pele dos personagens da peça numa simples variação de um gesto ou do olhar.

Alvo duplo, de Walter Hill ***

O diretor norte-americano Walter Hill era um nome recorrente nas salas de cinema nos anos 70 até a primeira metade da década de 90. Especialista no gênero ação, algumas de suas produções se tornaram sucessos comerciais consideráveis, além de serem bastante cultuadas por parte dos cinéfilos. Só que nos últimos 20 anos praticamente nada de seus filmes chegaram aos nossos cinemas. Daí a surpresa quando aparece esse “Alvo duplo” (2012), e tendo ainda como protagonista Sylvester Stallone, ou seja, um encontro de titãs da porradaria oitentista!! O resultado final está longe do status obra-prima de produções clássicas de Hill como “Warriors – Os selvagens da noite” (1979) ou “48 horas” (1982), mas é respeitável. Dá até para fazer suposições: a gente imagina Hill louco para filmar e alguém oferece um roteiro bem mequetrefe para ele. O cara não se faz de rogado e faz o que pode com a trama cheia de furos e obviedades. E o filme tem pelo menos dois grandes méritos: algumas cenas de ação muito boas e uma presença cênica marcante de Stallone (bem melhor que naquela paródia insossa que é a franquia “Os mercenários”). Por outro lado, “Alvo duplo” também serve como uma melancólica constatação – a de que não se fazem mais filmes de pura macheza truculenta como se fazia nos anos 80...

Sejam muito bem-vindos, de Jean Becker ***

A trama de “Sejam muito bem-vindos” (2011) já foi vista, com algumas variações, em inúmeras outras produções: um homem maduro em crise e desiludido que conhece alguém especial (um jovem, uma criança, um idoso), acaba tendo alguma lição de vida com essa experiência e se torna um ser humano um pouco melhor. A própria estrutura narrativa do filme em questão, clássica e linear, não foge muito do padrão tradicional das obras do gênero. É nos detalhes que o filme dirigido por Jean Becker acaba se sobressaindo. A encenação traz alguma virulência que soa inquietante para o espectador, além das abordagens formal e temática apresentarem uma contenção que faz com que não se caia no sentimentalismo excessivo. O protagonista Tailandier (Patrick Chesnais) sofre de depressão, sendo que a composição dramática do personagem é o fiel da balança de “Sejam muito bem-vindos” – a alternância de reações e o comportamento atribulado de Tailandier criam a empatia necessária para que o filme se torne consideravelmente crível e convincente.

Deste lado da ressureição, de Joaquim Sapinho **1/2

A última coisa que se pode querer acusar o diretor português Joaquim Sapinho em “Deste lado da ressurreição” (2011) é de querer facilitar as coisas para o espectador. Seu filme tem um roteiro repleto de situações que mais sugerem do que explicam. Os dilemas e traumas dos personagens nunca ficam bem esclarecidos – só se pode saber que são graves a um ponto de gerarem várias lamúrias e até autofragelações. Para complicar ainda mais, tudo isso é temperado por uma atmosfera católica, onde culpa e uma improvável redenção rondam a história. A abordagem formal de Sapinho se mostra em sintonia com o seu hermetismo temático, pois a narrativa é vagarosa, abusando de longos e fixos planos sequência e ações repetidas. A ausência de uma trilha sonora musical acentua ainda mais essa aridez. Tais escolhas artísticas refletem influências bem definidas do diretor que vem desde do neo-realismo italiano até obras recentes do cinema iraniano. Essa estética exasperante de Sapinho parece querer jogar quem assiste ao filme direto nos tormentos existenciais de suas criaturas (ainda que por vezes mais estimule uma certa sensação de vazio e tédio). Por outro lado, a produção tem um encanto visual cativante em alguns momentos. As tomadas marinhas, por exemplo, trazem uma concepção bastante criativa: ao retratar o protagonista (e surfista) Rafael (Pedro Souza) no mar, o registro audiovisual traz crueza e dinâmica que evocam uma espécie de tom documental naturalista, como se o personagem conseguisse apenas atingir sua integridade existencial quando está na água surfando. E é nesse limite entre a letargia e o insólito que “Deste lado da ressureição” trafega. Ainda que aborreça em determinadas sequências, é inegável a sensação de inquietação que passa.

Thérèse D., de Claude Miller ***

O grande mérito de “Thérèse D.” (2012) está no seu roteiro. O excelente texto do filme extrai a essência de um original literário, conseguindo valorizar expressivas nuances psicológicas tanto das situações quanto de personagens. A trama possui forte caráter intimista, mas concilia com um teor de simbologia – ao narrar os percalços da protagonista Thérèse (Audrey Tautou), a produção também traça com precisão o perfil conservador e hipócrita de uma sociedade e de uma época (no caso, a França das primeiras décadas do século passado). O diretor Claude Miller tem preocupação em evitar que o filme caia em excessos melodramáticos, conduzindo a narrativa num tom mais sóbrio, o que pode ser percebido em alguns sutis detalhes: trilha sonora discreta, edição de poucos cortes, abordagem emocional um tanto distanciada, interpretações contidas por parte de seu elenco. O rigor desse formalismo da narrativa impede maiores voos criativos em termos estéticos em “Thérèse D”. É inegável, entretanto, que estabelece uma relação de coerência artística com a proposta temática da obra.