O Leitor, de Stephen Daldry *1/2

Em cada fotograma de “O Leitor” (2008) parece estar estampado um desejo: “Por favor, eu quero ser indicado para o Oscar”. Tudo que a Academia gosta está lá: fotografia limpa, edição sem sobressaltos, roteiro de temática “séria” (tem até II Guerra no meio...), atores respeitáveis em atuações sóbrias, mensagens edificantes. A estratégia deu resultados, sendo que o filme ganhou várias indicações para o Oscar, levando a estatueta para melhor atriz. Isso, entretanto, quer dizer que o filme é bom? Infelizmente, na minha opinião, não é o caso. De tão preso a fórmulas pré-determinadas, “O Leitor” é um filme sem alma e chato. Todos os ingredientes que citei acima (roteiro, fotografia, edição, interpretações, etc) parecem estar ali simplesmente jogados na tela, sem a menor inspiração. A pretensa visão “madura” e “séria” na verdade sucumbe a uma trama com momentos de dramalhão dignos das novelas mais xumbregas. No mais, incomoda ver uma atriz tão talentosa como Kate Winslet, que já teve interpretações memoráveis em filmes como “Almas Gêmeas” (1994) e “Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças” (2004), ganhar o tal do Oscar por uma atuação tão insípida quanto essa de “O Leitor”.

Hermeto Campeão, de Thomas Farkas **1/2 e Tom Zé ou Quem Irá Colocar Uma Dinamite na Cabeça do Século, de Carla Gallo ***

É claro que esses dois médias metragens estão longe de serem obras-primas cinematográficas. São, entretanto, imprescindíveis para quem gosta de música brasileira ou se interessa por cultura em geral por trazerem imagens raras, depoimentos e números musicais dos artistas focalizados. O fato dos mesmos estarem distantes da grande mídia torna ainda mais fascinante todos esses aspectos que são focalizados nos documentários em questão, onde a história pessoal e a concepção artística de cada um deles se mostram ligadas de forma intrínseca à música de ambos.

Filmes Vistos em DVD nas últimas semanas (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Paisá, de Roberto Rossellini ****
Eraserhead, de David Lynch ****
007 – Licença Para Matar, de John Glen ***1/2
MR 73 – A Última Missão, de Olivier Marchal ****
Renegado Impiedoso, de Michael Winner ****
À Procura da Vingança, de David Von Ancken ***1/2
O Castelo Maldito, de Stuart Gordon ***

Sim Senhor, de Peyton Reed ***

Como algumas críticas já disseram, “Sim Senhor” (2009) realmente tem uma trama que lembra “O Mentiroso” (1997), filme que também tinha Jim Carrey como protagonista. A verdade, entretanto, é que trama é o que menos importa em “Sim Senhor”. Afinal, o frágil roteiro é apenas um pretexto para alguns detalhes preciosos como algumas belas gozações de Carrey, o sarro com o rock indie através da banda fictícia Munchausen by Proxy, o jeitinho insólito e adorável de Zooey Deschanel, as festas temáticas do personagem de Rhys Darby, a trilha sonora de banda Eels. Mesmo não tendo a consistência de “Abaixo o Amor” (2003) e “Separados pelo Casamento” (2006), produções anterior de Peyton Reed, “Sim Senhor” está bem acima da média em relação aos lançamentos cômicos mais recentes.

Noivas em Guerra, de Gary Winick *

O problema de “Noivas em Guerra” não é o simples fato dessa produção ser uma comédia romântica. Afinal, já saiu muita coisa boa nesse gênero (“Levada da Breca”, “Harry e Sally – Feitos Um Para o Outro”, a primeira versão de “Sabrina”). O problema de “Noivas em Guerra” é que o filme é medíocre mesmo, sem inspiração, mecânico no seu sentimentalismo barato formulaico. E faz pensar o que aconteceu com a Kate Hudson, que fazia aquela guriazinha adorável e gostosinha de “Quase Famosos” (2001), a inesquecível Penny Lane, e nesse “Noivas em Guerra” está mais parecendo uma patricinha qualquer. O tempo é realmente implacável...

Surpresas do Amor, de Seth Gordon ***

O cara que bolou esse título em português para essa produção norte-americana de 2008 deveria ser processado. Afinal, “Surpresas do Amor” faz pressupor uma comédia romântica água com açúcar daquelas com Meg Ryan, quando na verdade o filme em questão, cuja tradução literal do seu título em inglês seria “4 Natais”, traz uma visão bem sarcástica sobre as relações amorosas e familiares, além de seqüências cômicas regadas a escatologia e grosseria. É claro que se tratando de uma comédia de Hollywood, essa concepção mais irônica não leva a sua crítica até às últimas conseqüências, sendo que a sua conclusão fica mais na linha do edificante. Mesmo assim, “Surpresas do Amor”, apesar do título cretino, é uma comédia acima da média em relação ao que chega normalmente nos nossos cinemas no gênero.

Ninho Vazio, de Daniel Burman ***1/2

Ler a pequena sinopse de “Ninho Vazio”, produção argentina de 2008, que tem saído nos jornais não dá a menor idéia do que o mesmo representa. A descrição é algo como “casal na meia-idade é obrigado a reestruturar a sua rotina após os filhos saírem de casa”, o que faz pensar em algo numa linha melodramática, o que está muito longe do que assistimos na tela. O diretor Daniel Burman utiliza um recurso narrativo muito interessante. Ao longo do filme, situações vão se sucedendo de forma quase aleatória, às vezes quase vaga, em outras oportunidades até francamente inconsistente, beirando um insólito surrealismo. Os personagens parecem ter uma propensão para o caricato. Aos poucos, entretanto, essa trama aparentemente desfocada vai adquirindo um estranho sentido até um ponto que o que se enxerga é o processo criativo do protagonista, um veterano escritor (Oscar Martinez) que vai compondo a sua obra de acordo com o quotidiano e as suas próprias impressões. É como se ele testasse possibilidades dramáticas até chegar a um ponto que considere o ideal. Por mais que tal solução narrativa possa parecer forçada, em “Ninho Vazio” ela se mostra uma opção muito bem delineada, mostrando como cinema e literatura são, em sua essência, jogos de ilusões e impressões pessoais.

Quando Você Descer do Céu, de Éric Guirado ***

Essa produção francesa de 2003 é surpreendente. O diretor Eric Guirado combina com habilidade drama social com toques intimistas e cômicos, sem cair para o enfadonho. Inicialmente, fatos banais do quotidiano de um jovem interiorano recém chegado na cidade grande vão se sucedendo quase que aleatoriamente, mas aos poucos a narrativa ganha densidade dramática, envolvendo cada vez mais o espectador na jornada de perda da inocência do protagonista perante uma sociedade corrompida. O filme evita as soluções maniqueístas ou simplórias, mas também não tende para niilismos. Mesmo diante da aparente impotência do personagem principal em mudar o que está errado, o final chega a ser quase redentor e esperançoso. Guirado acerta também no registro da fotografia para essa pequena saga acre-doce, com um estilo de filmar que oscila entre o quase documental e o tom de fábula.

Leonera, de Pablo Trapero ***

“Leonera” (2008) aborda em sua trama algumas questões que por várias vezes já foram vistas nas telas: quotidiano na prisão, julgamentos injustos, maternidade colocada à prova em situação extrema. Mesmo não trazendo novidades, é uma produção que impressiona pela contundência e objetividade com que o diretor argentino Pablo Trapero se utiliza para filmar. Não há uma preocupação de criar empatia da protagonista com o público, sendo que as situações mostradas ao longo da trama são tão realistas que por vezes se tem a impressão de se estar assistindo a um documentário. O naturalismo das seqüências de nudez, a sexualidade crua dos personagens e a maneira sem concessões de retratar as relações humanas formam um conjunto perturbador que tem um impacto ainda maior associado à fotografia nada estilizada do filme.

Mesmo não tendo um resultado final tão satisfatório quanto “A Família Rodante” (2004) e “Nascido e Criado” (2006), obras anteriores de Trapero, “Leonera” é um filme que confirma o nome desse cineasta como um dos mais interessantes no atual cinema argentino.

Juízo, de Maria Augusta Ramos ***

Antes de mais nada, cabe ressaltar uma coisa: por mais que “Juízo” (2007) tenha por base fatos exclusivamente baseados em fatos reais, tal obra não se trata de um documentário, ao contrário de “Justiça” (2004), obra anterior da diretora Maria Augusta Ramos. Nessa produção mais recente, a cineasta optou por um recurso criativo que lembra bastante “Jogo de Cena” (2008) de Eduardo Coutinho. Em “Juízo”, há recriações dramáticas de alguns casos que tramitaram em uma Vara da Infância e da Juventude do Rio de Janeiro, além do retratar o quotidiano dos menores infratores em um centro de reeducação. Como por lei é proibido filmar menores infratores, os mesmos são “interpretados” por outros jovens igualmente carentes, mas que não tem problemas de justiça. Por outro lado, juízes, promotores e defensores públicos “interpretam” a si mesmos. É claro que o conteúdo do filme é impactante, pois apesar do mesmo não ser um documentário, o estilo de filmar da diretora é bastante seco e direto. A rotina e a trajetória desses jovens constituem um todo massacrante e com uma carga angustiante considerável. Mas confesso que o que mais me impressionou em “Juízo” foi a opção estética de Maria Augusta Ramos, em que por mais que se saiba que estamos vendo situações baseadas em fatos reais, ao mesmo tempo ficamos com a dúvida do quanto aquilo é distorcido pela própria interpretação da realidade. É nessa situação dúbia que se encontra a força motriz da narrativa do filme.

Linha de Montagem, de Renato Tapajós

Esse documentário sobre as greves ocorridas no ABC Paulista no final da década de 70 e início da de 80, lançado originalmente em 1982, pode ser fortemente didático e até mesmo panfletário em algumas seqüências. Por outro lado, entretanto, é uma obra que impressiona pela sua dinâmica narrativa. Acompanha-se a luta e os infortúnios dos grevistas como se assistisse a um tenso filme policial cheio de reviravoltas. Contribuem muito para isso a fotografia direta e sem enfeites e a montagem precisa do filme. Mesmo quem não é muito fã do Lula ou não simpatiza com o ideário esquerdista pode acabar seduzido por esse bem conduzido “Linha de Montagem”.

Foi Apenas Um Sonho, de Sam Mendes ***

Esse é um daqueles velhos casos que já comentei aos montes nesse blog: é um filme baseado em livro que não li, mas que se percebe que a obra literária em questão deve realmente ser muito boa, mas o resultado fílmico não é tanto... Digo isso porque ao se analisar a trama de “Foi Apenas Um Sonho” se pode perceber que as idéias que estão ali dentro estão certas e bem delineadas. O problema do filme é o tratamento cinematográfico convencional e demasiadamente preso a fórmulas (a mania de se aproximar a câmera dos personagens a cada momento que eles dizem algo de relevante chega a ser irritante...). O cineasta Sam Mendes estruturou a produção num formato de tragédia grega. E isso fica evidente, por exemplo, no personagem Jon (Michael Shannon), que faz a função daqueles coros que nas tragédias comentavam e até mesmo faziam o juízo do que estava sendo mostrado em cena. O problema é que o que era para ser uma possibilidade para maiores vôos criativos acaba se tornando uma verdadeira camisa-de-força, tornando a narrativa um modelo didaticamente aborrecido das mazelas de uma mulher sufocada pelo moralismo e mediocridade da sociedade norte-americana nos anos 50. Mendes enfoca todos os dramas dos personagens nos diálogos, não dando espaço para o subtexto que as imagens poderiam oferecer, carregando também de forma exagerada no dramatismo.

É claro, entretanto, que “Foi Apenas Um Sonho” está muito distante de não ser considerado um bom filme. Fotografia e direção de arte contribuem para fazer uma bela reconstituição visual dos anos 50, lembrando muito, nesse sentido, o sensacional “Longe do Paraíso” (2002), de Todd Haynes. Além disso, as atuações de Leonardo Di Caprio, Kate Winslet e Michael Shannon impressionam em determinadas seqüências pelas suas detalhistas nuances dramáticas. O maior problema do filme, na verdade, é que se fica com a constante impressão de que o mesmo poderia ser bem melhor. Até porque Sam Mendes vinha de uma obra absolutamente brilhante, o contundente “Soldado Anônimo” (2005).

A Alegria de Emma, de Sven Taddicken **

Os primeiros minutos de “A Alegria de Emma”, com iluminação natural e imagem quase granulada, pode fazer pensar em algo no estilo contundente do Dogma 95. O diretor Sven Taddicken , entretanto, está muito longe do talento e do rigor estético de um Lars Von Trier, por exemplo. Apesar da aparente pretensão de contar uma história por um viés mais cru e humano, o filme resvala várias vezes para o sentimentalismo fácil, além de não apresentar maiores vôos formais. Além disso, a combinação de momentos cômicos com situações mais sérias, ou até mesmo trágicas, é completamente destoante, tirando muito do impacto que algumas seqüências poderiam ter.

Quando Você Viu Seu Pai Pela Última Vez?, de Anand Tucker **1/2

Essa produção inglesa de 2007 é baseada em livro de memórias do escritor Blake Morrison, focado principalmente no seu complicado relacionamento com o pai. Não li tal obra, mas se pode perceber pelo roteiro do filme que a tônica seria uma visão mais sóbria sobre questões familiares mal-resolvidas. Isso faz com que em alguns momentos “Quando Você Viu Seu Pai Pela Última Vez?” tenha um impacto considerável sobre o espectador, principalmente por essa visão mais crua ao retratar temas como morte, doença, incomunicabilidade entre pais e filhos. O problema, entretanto, é que o diretor Anand Tucker parece mais preocupado em formatar o filme em uma obra mais digerível, o que faz com que em várias seqüências o filme caia para um tom melodramático excessivo, principalmente pelo uso exacerbado e inconveniente de uma trilha sonora por vezes piegas, o que dá para “Quando Você Viu Seu Pai Pela Última Vez?” ares daqueles surrados telefilmes que de vez em quando passam no Supercine.

O Mistério do Samba, de Lula Buarque de Hollanda e Carol Jabor ***1/2

Esse documentário sobre a Velha Guarda da Portela tem um mérito inquestionável: mesmo tendo como enfoque principal a música dos velhos sambistas, o roteiro e os depoimentos do filme não funcionam apenas como meros pretextos para os números musicais. Muito pelo contrário! Os testemunhos de músicos brilhantes como Casquinha, Jair do Cavaquinho, Argemiro do Patrocínio, Monarco, Casemiro dão o complemento perfeito para as canções que são apresentadas em “O Mistério do Samba”, mostrando de forma brilhante como a própria vida dessas pessoas está ligada intrinsecamente à sua arte. Os diretores Lula Buarque de Hollanda e Carol Jabor também conseguem fugir da traiçoeira armadilha de fazer apenas uma obra de exaltação aos músicos aqui focados, sendo que em várias seqüências do documentário impressionam pela crueza e ironia amarga da visão de vida de alguns desses artistas, o que fica ainda mais acentuado no visual simples e sem afetações da fotografia. Essa “cama” preparada pelos cineastas faz com que a música sempre irrompa em “O Mistério do Samba” com uma força bruta extraordinária.

Um Faz de Contra Que Acontece, de Adam Shankman *1/2

Adam Sandler é um comediante de recursos, sendo que aproveitado por um diretor de talento pode render momentos interessantes. Nesse caso, é só lembrarmos do sensacional “Embriagados de Amor” (2002), comédia dramática de Paul Thomas Anderson. O problema, entretanto, é que Sandler parece mais conformado em participar de insossas comédias família, daquelas em que a cada 5 minutos se tem uma lição de vida ou algum outro momento edificante. Esse é exatamente o caso de “Um Faz de Conta Que Acontece” (2008). Pode-se sentir até em algumas seqüências que há algo ali potencialmente engraçado, mas que acaba sendo sufocado por toneladas de açúcar.

Austrália, de Baz Luhrman **1/2

O problema de Baz Luhrman em “Austrália” (2008) não é o fato de ele ter realizado uma obra épica e acadêmica. Afinal, depois de filmes tão “camp” como “Romeu + Julieta” (1996) e “Moulin Rouge” (2001), provavelmente Luhrman quis dirigir uma produção mais “séria” e tradicional, ao invés das usuais narrativas alegóricas e coloridas beirando o cafona e a paródia que fizeram a sua fama, para mostrar que ele pode ser um cineasta “respeitável”. O que realmente emperra esse seu filme mais recente é que o mesmo é um épico acadêmico excessivamente desajeitado, com uma narrativa artificial e presa às convenções do gênero que raramente consegue oferecer para a sua trama um desenvolvimento mais natural e homogêneo, o que faz com que qualquer impacto dramático que o roteiro pudesse trazer tenha resultados nulos. Para piorar, raramente Nicole Kidman e Hugh Jackman tiveram momentos de canastrice dramática tão constrangedores quanto em “Austrália”. Mas seria injusto dizer que o filme é um desastre total. É inegável que a fotografia de grandes paisagens e a reconstituição de época fortemente estilizada em algumas seqüências trazem alguns momentos atraentes para obra, e mesmo os referidos excessos desajeitados, ainda que involuntariamente, são risíveis pelo ridículo, o que torna “Austrália” até um filme aprazível ocasionalmente.

Café dos Maestros, de Miguel Kogan **1/2

Esse é um documentário bem filmado, as tomadas das apresentações dos músicos tocando e cantando tangos são bonitas, mas a verdade é que o filme não tem uma dinâmica envolvente. Os depoimentos dos músicos são tão artificiais que fazem o filme parecer um documento institucional do tango, tendo em vista a assepsia excessiva que paira durante boa parte da metragem do documentário. Chega a um ponto que já não se consegue distinguir quem está falando tal a uniformidade e a burocracia com que o material é jogado na tela. No final das contas, parece um monte de velhinhos simpáticos fazendo declarações de amor ao tango. Faltou individualizar melhor cada um dos músicos, para se perceber com maior nitidez as nuances de cada um. O concerto final, num tradicional teatro argentino, recebe uma edição apressada demais, não dando tempo ao espectador de sentir devidamente o objetivo do espetáculo, ou seja, a música em si. A impressão final que se tem de “Café dos Maestros” é a de que se assistiu a uma espécie de “Buena Vista Social Club” do tango, só que bem menos inspirado.

O Curioso Caso de Benjamin Button, de David Fincher ***

Não que a obra em questão seja um filme ruim. A direção de arte é muito bem cuidada, a fotografia é de bom gosto, os efeitos especiais são realmente deslumbrantes. Ou seja, é um bom filme... O problema é que a gente sai do cinema com a sensação de que poderia ter sido muito melhor. David Fincher é um diretor que tem em seu currículo obras-primas como “Seven” (1995), “O Clube da Luta” (1999) e “Zodíaco” (2007), e a premissa inicial do filme, baseada em um conto de F. Stott Fitzgeral, é altamente promissora. O resultado é decepcionante, tendo em vista uma excessiva assepsia que paira por todo o filme. Em alguns momentos, o filme parece uma mistura indigesta de elementos de outros filmes que “deram certo”: o gosto por situações e personagens exóticos de “O Fabuloso Destino de Amelie Poulan”, a mistura de fábula com eventos reais de “Forrest Gump”, uma história de amor impossível de “As Pontes de Madison”. Falta personalidade e vida para “O Curioso Caso de Benjamin Button”, o que acaba sendo surpreendente para um cineasta tão criativo como Fincher, sendo que essa junção burocrática de influências acaba soando mais como uma tentativa de obter o máximo possível de indicações para o Oscar (o que acabou realmente acontecendo).

O Dia Em Que a Terra Parou, de Scott Derrickson ***

Antes de mais nada, vamos esclarecer um ponto que parece obvio, mas que é sempre bom lembrar: essa refilmagem não chega aos calcanhares do filme original de 1951. E tendo isso em mente e se livrando daquela coisa de cinéfilo radical de ficar comparando versões detalhe por detalhe, o que resta é uma ficção científica agradável e divertida. Os efeitos especiais são excelentes, a trama consegue ter alguns bons momentos de tensão, apesar de algumas escorregadas para o sentimentalóide, e o diretor Scott Derrickson consegue uma proeza considerável: até a inexpressividade do Keanu Reeves é bem aproveitada! Afinal, interpretar um alienígena humanóide não exige maiores vôos de interpretação...

Onde Andará Dulce Veiga?, de Guilherme de Almeida Prado ***1/2

“Onde Andará Dulce Veiga?” (2007) é um tipo raro de filme dentro do atual panorama do cinema nacional. Em vez de fazer “crítica social” ou dar lições obtusas de história, o cineasta Guilherme de Almeida Prado busca o desenvolvimento de uma linguagem cinematográfica rebuscada e original, onde uma gama de referências vindas não só do cinema como também da música, literatura e quadrinho forma um estranho e atraente amálgama visual e sonoro. Prado não quer apenas que o espectador acompanhe a sua trama rocambolesca, mas que também embarque numa verdadeira viagem sensorial não só pelo imaginário do próprio diretor, mas também por um imaginário cultural coletivo. Muitos elementos que saltam das telas em “Onde Andará Dulce Veiga?” são familiares aos nossos olhos, mas também trazem uma sensação de algo insólito.

Mesmo sendo um pouco mais irregular e convencional do que a obra-prima “A Hora Mágica” (1998), “Onde Andará Dulce Veiga?” acaba sendo uma obra cinematográfica esteticamente vigorosa e ousada como poucas a aparecer ultimamente em nossas salas. Afinal, não é todo o dia que se vê misturado de forma tão coesa elementos aparentemente tão díspares como o surrealismo de David Lynch, influências de cinema noir, erotismo deslavado típico do cinema da Boca do Lixo e o espírito brasileiro escancaradamente romântico derramado de uma samba canção...

A Troca, de Clint Eastwood ***1/2

Quem for ao cinema para ver “A Troca” (2008) esperando algo do nível de “Os Imperdoáveis” (1992), “Sobre Meninos e Lobos” (2003) e “A Conquista da Honra” (2006) pode se decepcionar um pouco. O primeiro terço do filme, apesar de uma direção sóbria e classuda de Eastwood, parece excessivamente com aqueles dramas “baseado em fatos reais” que passavam direto no Supercine. Do tipo, “mulher determinada enfrenta os preconceitos de uma sociedade machista e sofre pra caramba”. Só que o velho Clint guardou um belo ás na sua manga, e lá pela metade de “A Troca” ele começa a desenvolver uma trama paralela que envolve um psicopata matador de crianças. Nessa segunda trama, o seu estilo filmar, seco e contundente, aliado a uma fotografia luminosa que contrasta de forma magnífica com o teor soturno da narrativa, dá uma nova dimensão para um roteiro convencional, fazendo com que se a trama se distancie do maniqueísmo simplório e desemboque numa arguta exploração sobre a crueldade humana.

É interessante também a forma com que Eastwood obtém interpretações dos atores que beiram o naturalismo, principalmente dos coadjuvantes. A aparente inexpressividade de alguns rostos que aparecem ao longo de “A Troca” é muito mais eloqüente, repleta de nuances e de um impacto dramático maior do que as interpretações “over” de Angelina Jolie e de John Malkowich.

O saldo final de “A Troca” é evidentemente positivo: mesmo distante de ter feito uma obra-prima, Clint Eastwood mostra um raro domínio da linguagem cinematográfica, provando que continua tranqüilo dentro do clube dos grandes do cinema norte-americano.

Bolt – Supercão, de Chris Williams e Byron Howard ***

O melhor momento da animação “Bolt – Supercão” é a sua seqüência de abertura, justamente o breve período em que temos o “filme dentro do filme”, em que a aventura eletrizante que estamos assistindo na verdade é uma encenação de seriado que o personagem título protagoniza. São cerca de 15 minutos de uma ação desenfreada e brilhantemente executada, algo do nível dos sensacionais “Os Incríveis” (2004) e “Kung Fu Panda” (2008). Depois desse fantástico começo, quando se esclarece a farsa de que o cãozinho era um ator que desconhece estar vivendo apenas uma ficção, o filme desacelera bastante e se transforma em uma comédia de erros simpática e eficiente. Por mais que essa mudança na narrativa decepcione, é inegável que “Bolt – Supercão” é uma das produções infantis de 2008 mais cativantes, sendo que mesmo os seus momentos mais dramáticos têm a consistência exata para não cair no piegas. E só a já mencionada seqüência de abertura já faz valer o ingresso.

Sete Vidas, de Gabriele Muccino ***

Apesar de “Sete Vidas” (2008) ser um bom filme, confesso que saí um pouco decepcionado do cinema. Digo isso porque tinha forte ainda na minha mente o impacto que tinha sido para mim o ótimo “A Procura da Felicidade” (2006), parceria anterior entre o diretor italiano Gabriele Muccino e o ator Will Smith. E é claro que não daria para esquecer outro excelente trabalho de Muccino, “O Último Beijo” (2001), uma das melhores produções italianas de década.

A narrativa de “Sete Vidas” traz um recurso que vem sendo muito utilizado nos últimos anos: ao longo da trama, tem-se uma situação nebulosa que vai sendo aos poucos esclarecidas com a utilização de pequenos flashbacks até que no final da trama o espectador recebe a resposta final para toda aquela confusão que vinha acompanhando. O que incomoda no filme é justamente que o tal esclarecimento do mistério é algo até previsível lá pela metade do mesmo, sendo que a forma como as pontas do roteiro se fecham no final é bem-comportada demais, tirando muito da força da tensão inquietante que permeia boa parte da obra.

Apesar desse problema na narrativa, “Sete Vidas” tem os seus méritos. Mesmo que a sua conclusão incomode pelo convencionalismo, não há como negar que há uma coerência brutal e sem concessões nas atitudes do protagonista vivido por Will Smith. A seqüência do seu suicídio chega a ser perturbadora, não só pela contundência, mas também pelo tom poético e quase onírico de tal momento do filme.

Um Homem Bom, de Vincente Amorim ***

Viggo Mortensen é aquele tipo de ator que faz com que eu sempre olhe com interesse qualquer filme que ele participe. Além de grande intérprete, o cara teve papéis marcantes em filmes memoráveis como “Reflexos do Mal” (1991), “Unidos Pelo Sangue” (2001), “O Pagamento Final” (1993) e “Marcas da Violência” (2005). Ou seja, tem o tino para escolher as produções das quais participa.

Em “Um Homem Bom” (2008), o desempenho notável de Mortensen como um professor e escritor pacífico que adere meio sem querer ao Nazismo é a força motriz do filme, com o autor desenvolvendo com mestria um papel complexo e cheio de nuances dramáticas. Mas seria injusto dizer que essa obra mais recente do brasileiro Vincente Amorim tem como único trunfo a atuação do seu protagonista. Mesmo caindo em alguns momentos em alguns excessos formalistas convencionais, o cineasta revela virtudes surpreendentes, principalmente nas seqüências em que a narrativa cai para um tom onírico e delirante que lembra bastante o cinema de David Lynch.

Uma Comédia Nada Romântica, de Jason Friedberg e Aaron Seltzer *1/2

Talvez a grande virtude de uma comédia esteja na capacidade de arrancar o riso do espectador a partir de um detalhe inesperado, além do fato de que essa surpresa deve brotar de forma quase que espontânea. É justamente essa combinação dos fatores do inesperado e da naturalidade que torna a comédia um dos gêneros mais transgressivos no cinema. Olhando por esse lado, dá para entender um pouco porque um filme como “Uma Comédia Nada Romântica” (2006) é uma obra que já nasce desgastada. Por mais que tenha a pretensão de satirizar outros filmes (no caso, as tais comédias românticas que saem aos borbotões de Hollywood), o seu humor é demasiadamente mecânico e sem vida, pois a obrigação de estar vinculada a fazer uma série de citações a outras obras cinematográficas faz com que a produção esteja atada a uma camisa-de-força que impede maiores vôos de inspiração e criatividade. Ocasionalmente, o filme até consegue ser engraçado, mas o que predomina na sua hora e meia de duração é um marasmo burocrático, o que é uma sentença de morte para qualquer comédia.

Nessa linha de satirizar gêneros cinematográficos, vale muito mais a pena assistir obras como “Todo Mundo Quase Morto” (2004), “Chumbo Grosso” (2007) e “A Vida é Dura” (2007), comédias que demolem com inteligência e ironia os clichês, respectivamente, dos filmes de horror, policiais e cinebiografias musicais, mas que ao mesmo tempo revelam até um conhecimento de causa e reverência a tais gêneros.

O Gato de Nove Caudas, de Dario Argento ****

Depurando ainda mais a peculiar linguagem cinematográfica de “O Pássaro de Plumas de Cristal” (1969), o cineasta italiano Dario Argento faz de “O Gato de Nove Caudas” (1971) um dos exemplares mais clássicos do gênero Giallo. Com uma rocambolesca e confusa trama envolvendo um psicopata assassino, o que o Argento faz é uma requintada e exagerada demonstração do seu virtuosismo plástico. Esqueça a lógica e a verossimilhança: o que temos aqui é um belíssimo exercício de fotografia e cenografia fortemente estilizadas, aliado a uma montagem influenciada pelo melhor da obra de Alfred Hitchcock. E falando no velho mestre inglês do suspense, o que me vem mente assistindo a “O Gato de Nove Caudas” é o pensamento de Argento como muito mais que um mero reciclador dos preceitos hitchcockianos. O cara é uma espécie de Hitchcock ainda mais barroco e hardcore, livre das amarras moralistas dos estúdios de Hollywood.

Os 30 melhores filmes de 2008

1) Onde os Fracos Não Têm Vez, de Ethan e Joel Coen
2) Sangue Negro, de Paul Thomas Anderson
3) O Gângster, de Ridley Scott
4) Antes Que o Diabo Saiba Que Você Está Morto, de Sidney Lunet
5) Sweeney Tood – O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, de Tim Burton
6) O Sonho de Cassandra, de Woody Allen
7) O Segredo do Grão, de Abedel Kechini
8) Queime Depois de Ler, de Ethan e Joel Coen
9) A Espiã, de Paul Verhoeven
10) O Nevoeiro, de Frank Darabont
11) Kung Fu Panda, de John Stevenson e Mark Osborne
12) Não Estou Lá, de Toddy Haynes
13) Control, de Anton Corbijn
14) Efeito Dominó, de Roger Donaldson
15) Os Senhores do Crime, de David Cronenberg
16) Reflexos da Inocência, de Bailie Walsh
17) Em Paris, de Christophe Honoré
18) Batman – O Cavaleiro das Trevas, de Christopher Nolan
19) Quase Irmãos, de Adam McKay
20) Trovão Tropical, de Ben Stiller
21) Paranoid Park – de Gus Van Sant
22) Cinturão Vermelho, de David Mamet
23) A Questão Humana, de Nicolas Klotz
24) (Rec), de Jaume Balagueró e Paco Plaza
25) Shortbus, de John Cameron Mitchell
26) Wall-E, de Andrew Stanton
27) Luz Silenciosa, de Carlos Reygadas
28) Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal, de Steven Spielberg
29) Rock’N’Rolla – A Grande Roubada, de Guy Ritchie
30) Rambo 4, de Sylvester Stalonne

Filmes dos últimos meses (cotações de 0 a 4 estrelas)

A Caçada, de Richard Shepard ***
Missão Babilônia, de Mathieu Kassovitz **1/2
O Banheiro do Papa, de César Charlone e Enrique Fernández ***
Um Franco, 14 Pesetas, de Carlos Iglesias **
Era Uma Vez..., de Breno Silveira **
Armênia, de Robert Guédiguian **1/2
Eu Sou Juani, de Bigas Luna ***
Os Bons Companheiros, de Martin Scorsese ****
Tua Vida em 65’, de Maria Ripoll *
Controle Absoluto, de D.J. Caruso ***
Montevideo Unde, de Martín Recto *
O Último Tango em Paris, de Bernardo Bertolucci ****
São Paulo Sociedade Anônima, de Luis Sérgio Person ****
O Mistério do Samba, de Lula Buarque de Hollanda ***1/2
Uma Garota Divida em Dois, de Claude Chabrol ***1/2
Ensaio Sobre a Cegueira, de Fernando Meirelles ***
O Longo Amanhecer – Uma Cinebiografia de Celso Furtado, de José Mariani **1/2
Busca Implacável, de Pierre Morel ***1/2
U2 – 3D, de Mark Pellington e Catherine Owens **1/2
Hellboy 2 – O Exército Dourado, de Guillermo Del Toro ***
A Questão Humana, de Nicolas Klotz ****
O Diário dos Mortos, de George Romero ***1/2
Trovão Tropical, de Ben Stiller ****
Juventude Transviada, de Nicolas Ray ****
Corrida Mortal, de Paul W.S. Anderson **1/2
XXY, de Lucia Puenzo ***
As Duas Faces da Lei, de Jon Avnet *
Persona, Ingmar Bergman ****
Domésticas, de Fernando Meirelles **1/2
Sympathy For The Devil, de Jean-Luc Godard ***1/2
O Pequeno Tenente, de Xavier Beauvois ***1/2
Reflexos da Inocência, de Baillie Walsh ****
Espelhos do Medo, de Alexandre Aja ***
Jogos Mortais V, de David Hackl **1/2
Obras – A Gente Sabe Quando Começa, de Brigitte Rouan *1/2
Conterrâneos Velhos de Guerra, de Vladimir Carvalho ****
Rock’nRolla – A Grande Roubada, de Guy Ritchie ****
Eles Não Usam Black Tie, de Leon Hirszman ****
Um Segredo Entre Nós, de Dennis Lee **
Os Desafinados, de Walter Lima Jr. ***1/2
O Homem Que Virou Suco, de João Batista de Andrade ****
Em Busca da Vida, de Jia Zhang-ke ***1/2
Quantum of Solace, de Marc Forster ***1/2
Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen ***1/2
A Paixão de Joana D’Arc, de Carl Dreyer ****
O Coca, A Roda, O Pneu e O Farol, de Mariana Fortes ***
Frankstein, de James Whale ****
Pan-Cinema Permanente, de Carlos Nader ***1/2
Os Estranhos, de Bryan Bertino ***1/2
A Duquesa, de Saul Dibb **1/2
Feliz Natal, de Selton Mello ***1/2
Max Payne, de John Moore *
Minha Vida Não Cabe Num Opala, de Reinaldo Pinheiro*1/2
Obsessão, de Luchino Visconti ****
Lemon Tree, de Eran Riklis **1/2
Queime Depois de Ler, de Joel e Ethan Coen ****
O Destino Bate a Sua Porta, de Tay Garnett ****
O Narciso Negro, de Michael Powell e Emeric Pressburger ****
Brinquedo Proibido, de René Clément ****
Rede de Mentiras, de Ridley Scott ***
Eu, Meu Irmão e Nossa Namorada, de Peter Hedges **1/2
O Segredo do Grão, de Abdelladif Kechiche ****
Quase Irmãos, de Adam McKay ****
Sindicato dos Ladrões, de Elia Kazan ****
Caos Calmo, de Antonello Grimaldi ***
Luz Silenciosa, de Carlos Reygadas ****
Panair do Brasil, de Marco Altberg **
Dois em Um, de Nicolas & Bruno **
O Traidor, de Jeffrey Nachmanoff ***
Paixões Que Alucinam, de Samuel Fuller ****
Beijo Na Boca Não, de Alain Resnais **1/2
Viagem à Itália, de Roberto Rossellini ****
Deus e o Diabo na Terra do Sol, de Glauber Rocha ****
Procedimento Operacional Padrão, de Errol Morris ***1/2
A Bela Junie, de Christophe Honoré ***1/2
15 Anos e Meio, de François Desagnat e Thomas Sorriaux ½ (meia estrela)
Atrizes, de Valeria Bruni-Tedeschi ***1/2
Elogio ao Amor, de Jean-Luc Godard ***1/2
Madagascar 2, de Eric Darnell e Tom McGrath ***
Gomorra, de Matteo Garrone ***
Sem Destino, de Dennis Hopper ****
A Culpa é do Fidel, de Julie Gavras **1/2
O Sol, de Alexander Sokurov ***1/2
Romance, de Guel Arraes *1/2
Carga Explosiva 3, de Olivier Megaton *1/2
Baby Love, de Vincent Garenq **
Conto de Natal, de Arnaud Desplechin ***1/2
O Menino de Pijama Listrado, de Mark Herman ***
Um Bom Homem, de Vicente Amorim ***
36, de Olivier Marchal ****
A Vida é Dura, de Jake Kasdan ***1/2
Morrer ou Viver, de Takashi Miike ***1/2
Entre o Céu e o Inferno, de Craig Brewer ****
Portishead – Roseland NYC, de Dick Carruthers ***1/2
Star Wars – Guerras Clônicas, de Genny Tartakovsky ****
O Círculo Vermelho, de Jean-Pierre Melville ****
Charada, de Blake Edwards ***1/2
Banho de Sangue, de Mario Bava ****
Meus Caros Amigos, de Mario Monicelli ***1/2
Valente, de Neil Jordan ***1/2
Caçador de Assassinos, de Michael Mann ****
Idiocracy, de Mike Judge ***1/2
Eleição – o Submundo do Poder, de Johnny To ****
O Belo Antônio, de Mauro Bolognini ***1/2
Aquarius, de Michele Soavi ***1/2
Gângsters, de Olivier Marchal ****
The Toxic Avenger, de Michael Hertz ***
Desafiando o Assassino, de Richard Fleischer ****
Náusea Total, de Peter Jackson ***1/2

Neil Young: Heart of Gold, de Jonathan Demme ****

O Menino de Pimama Listrado, de Mark Hermann ***

O cinéfilo velho de guerra pode ler a sinopse e assistir ao trailer de “O Menino de Pijama Listrado” e pensar logo: “putz, já vi esse filme algumas vezes...” E o nosso amigo não deixar de estar com a razão. É mais uma obra que tem como pano de fundo histórico a II Guerra Mundial e um dos principais aspectos de tal conflito: a perseguição aos judeus pela Alemanha nazista. Além disso, o diretor Mark Herman acrescenta uma das maiores lugares comuns nesse tipo de produção que é enquadrar a trama sob uma ótica infantil. E nem precisar ser um cinéfilo tão calejado para pensar logo em “A Vida é Bela”. E em boa parte de sua duração “O Menino de Pijama Listrado” parece mesmo uma versão requentada do filme mais conhecido de Roberto Benigni. Tem-se uma direção de arte e fotografia competentes, mas que incomodam em determinados momentos por dar uma concepção asséptica demais, onde até a sujeira e a doença apresentam um revestimento “clean”.

Ocorre, entretanto, que no terço final no filme, Herman adota um tom sombrio e uma tensão fortíssima que conduzem “O Menino de Pijama Listrado” para uma conclusão sinistra e sem concessões para sentimentalismos, com um impacto mais forte até do que o desfecho de “A Vida é Bela”. O diretor não se preocupa em oferecer um alívio cômico ou redentor para a platéia, apresentando apenas o puro horror de uma guerra genocida.

A comparação metafórica pode soar ridícula, mas “O Menino de Pijama Listrado” parece o disco de uma banda de rock em que as primeiras faixas são insossas composições na linha emo, mas que lá pela metade descamba para um hardcore porrada que salva a pátria.

Os Guarda-Chuvas do Amor, de Jacques Demy ****

Filmes de referência ou ruptura dentro da história do cinema mundial são algo do qual seguidamente ouvimos falar, tanto por parte da crítica ou de público. O fato, entretanto, é que se fossemos analisar com cuidado quais seriam as obras que se encaixam em tal definição veríamos que na verdade são poucas. Acredito que "Os Guarda-Chuvas do Amor" de Jacques Demy é um dos raros filmes que podem ser colocados nesse seleto grupo, tendo em vista que é uma das mais radicais experiências de utilização da linguagem cinematográfica.

O que Demy fez basicamente foi perverter os cânones dos musicais e levá-los às ultimas conseqüências. Não bastaria simplesmente reservar seqüências em que os atores do nada saem cantando e dançando. Em "Os Guarda-Chuvas do Amor" todos os diálogos são cantados, como se o mundo fosse uma perpétua ópera. O efeito de tal opção estilística de Demy é fascinante. A progressão e a intensidade da belíssima música composta por Michel Legrand estão em perfeita sintonia com a própria evolução da trama. Essa estética de irrealidade do cineasta fica ainda mais acentuada pela opção de utilização de figurinos e direção de arte em tons monocromáticos, com claras influências de pintura e quadrinhos.

O roteiro de "Os Guarda-Chuvas do Amor" é outro de seus aspectos diferenciais. Enquanto em musicais, digamos, "normais" as tramas geralmente são mais simples ou meramente alegóricas, servindo apenas como pretexto para a dança e a cantoria, no filme de Demy há uma história que impressiona pelo tom realista e lúcido ao retratar as relações humanas, mostrando como o caso de amor entre Genevieve (Catherine Deneuve) e Guy (Nino Castenuolvo) acaba tendo um fim melancólico após o rapaz ser obrigado a prestar o serviço militar na Argélia. É fantástica a forma com que a crueza e amargura de tal trama entra em contraste com a concepção formal tremendamente estetizada de Demy.

A estranha junção de melodrama e musical proposta por Demy vai ao encontro com as idéias cinematográficas de outro diretor francês extremamente ativo na época (anos 60), o inquietante Jean-Luc Godard, que em filmes como "Viver a Vida" e "Uma Mulher é Uma Mulher" abusava de efeitos visuais e sonoros para aumentar ainda mais o impacto de suas cenas, buscando um cinema cada vez mais independente como linguagem própria. É justamente essa busca incessante de uma concepção original de cinema que faz de "Os Guarda-Chuvas do Amor" uma obra única no cinema, e que talvez tenha só tenha encontrado similares em alguns filmes de Ken Russel, principalmente na sensacional ópera-rock "Tommy".

Filmes das últimas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

Caótica Ana, de Julio Medem **1/2
Nome Próprio, de Murilo Salles ***1/2
The Man From Earth, de Richard Schenkman ***
O Selvagem da Motocicleta, de Francis Ford Coppola ****
O Nevoeiro, de Frank Darabont ****
Ainda Orangotangos, de Gustavo Spolidoro **
Corpo, de Rossana Foglia e Rubens Rewald **1/2
Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti ***
Linha de Passe, Walter Salles e Daniela Thomas **1/2
O Reino Proibido, de Rob Minkoff ***
Mamma Mia, de Phyllida Lloyd *1/2
Cleópatra, de Julio Bressane ***
Procurando Nemo, de Andrew Stanton e Lee Unkrich ****
As Confissões de Schmidt, de Alexander Payne ***1/2
Nirvana: Live! Tonight! Sold Out!!, de Kevin Kerslake ***1/2
Identificação de Uma Mulher, de Michelangelo Antonioni ***1/2
No Limite, de Lee Tamahori ****
Viver e Morrer em Los Angeles, de William Friedkin ****

Alguém Tem de Ceder, de Nancy Meyers *1/2

“Alguém Tem de Ceder” (2003) é aquele tipo de produção que gosta de tirar uma onda de que é uma obra madura, inteligente, sofisticada, sensível ou coisa que o valha, e supostamente seria uma espécie de contraponto aos brutais e descerebrados filmes de aventura com efeitos especiais que domina os nossos cinemas por aí. Pura cascata!! É só dar uma sacada no roteiro para perceber a lorota: coroa ricaço, boa vida e que só sai com jovenzinhas gostosas (Jack Nicholson) conhece escritora sessentona de prestígio (Diane Keaton), mãe de uma de suas conquistas, que faz com que ele reveja seus conceitos. E, é claro, os dois se apaixonam. Ah, e para provar como a tal da senhora é uma mulher realmente fascinante, um médico (Keanu Reeves) com metade da idade dela também se encanta com a mesma e passa a disputar com o tal coroa quem vai ficar com a nossa heroína. Como vocês podem ver, tudo bem mais profundo e adulto que essas bobagens de “Senhor dos Anéis”, “Harry Potter”, “Homem Aranha” e afins... Mas o que me incomoda realmente em “Alguém Tem de Ceder” é a sua absoluta falta de vida: não é a previsibilidade da trama o problema, mas sim a direção mecânica e burocrática de Nancy Meyers que tira qualquer traço de vitalidade e espontaneidade do filme. O que resta é Diane Keaton reprisando os mesmos faniquitos de sempre e Jack Nicholson mantendo a mesma expressão aparvalhada durante todo o filme (justiça seja feita: mesmo assim o cara continua muito acima da média).

Rota Suicida, de Clint Eastwood ***1/2

A linha básica da trama de "Rota Suicida" é bem simples, girando em torno da história do policial durão e alcoólatra Ben Shockley (Clint Eastwood, numa variação eficiente do seu clássico papel de Dirty Harry) que deve proteger a prostituta Gus Mally (Sondra Locke), testemunha de um caso envolvendo corrupção policial. É claro que alguns homens da lei envolvidos não querem deixar barato, sendo que Schockley é incriminado injustamente e é obrigado a fugir com a sua protegida. Esse fio de roteiro pode parecer banal, e realmente não tem nada demais. O grande mérito de Eastwood é justamente extrair disso um eletrizante filme de ação. Mesmo com uma série de clichês, ele consegue fazer um filme tenso, impactante e que prende a atenção de quem assiste de forma implacável.

Como bom pupilo do mestre Don Siegel, com quem já havia trabalhado em uma série de filmes magníficos como "Perseguidor Implacável" e "Meu Nome é Coogan", Eastwood sabe que originalidade de roteiro não é algo que conta muito para se fazer um bom filme policial. O bom diretor desse gênero sabe que o que importa é fazer um trabalho bem cuidado em termos de edição, fotografia e caracterização de personagens, e é isso que é determinante para dar agilidade narrativa para um filme, não importando as obviedades do roteiro. Nesse sentido, Eastwood mostra entender do riscado como poucos em "Rota Suicida". Dispensando maiores efeitos e utilizando-se de uma montagem equilibrada e fotografia limpa, o diretor cria seqüências de ação de tirar o fôlego, como aquela em que Shockley tenta escapar em uma moto da perseguição incessante de um helicóptero. Fantástica também é toda a seqüência final, em que o protagonista, dentro de um ônibus blindado, é obrigado a enfrentar quase toda a força policial de Phoenix. Eastwood também fez a escolha sábia de centrar sua narrativa quase que exclusivamente em situações de Shockley se safando de várias enrascadas, que incluem até um quebra pau com uma turma de pretensos Hell Angels, o que dá uma concisão fabulosa para "Rota Suicida".

É senso comum na crítica cinematográfica dizer que Clint Eastwood tornou-se um diretor "respeitável" apenas a partir de "Bird" (1988). Assistindo, entretanto, obras como "Josey Wales" (1976) e esse "Rota Suicida" (1977) pode-se constatar que o cara já fazia ótimos filmes a bem mais tempo.

A Noiva Perfeita, de Eric Lartigau *1/2

“A Noiva Perfeita” (2006) é o tipo de filme “não fede nem cheira”: direção sem maiores inspirações, roteiro água com açúcar travestido de “ousado”, diálogos metidos a esperto, atores simpáticos (mas que atuam no piloto automático). Ou seja: tão inofensivo e quadrado quanto as comédias românticas mais insossas com Meg Ryan. Mas há um detalhe que faz toda a diferença: é um filme francês!! E como diria o velho e bom Nelson Rodrigues, tudo que é dito em francês parece mais inteligente...

Corações e Mentes, de Peter Davis ****

Já fazia alguns anos que eu ouvia falar de "Corações e Mentes" como uma obra referência dentro do gênero de documentários, não só através de críticas, mas também de comentários de amigos e conhecidos. O entusiasmo de tais manifestações sempre me deixou curioso em assistir a esse filme, mas o problema é que nem em VHS o mesmo havia sido lançado, e as exibições em cinemas dele eram cada vez mais raras. Em uma daquelas jogadas de sorte, "Corações e Mentes" foi relançado uns três anos atrás no Brasil em cópia nova. Quando finalmente consegui assistí-lo, pude perceber os motivos de tantas louvações. Tendo por tema a participação dos EUA na Guerra do Vietnã, esse documentário americano de 1974 atua basicamente em duas frentes. Por um lado, mostra com crueza o cotidiano do conflito entre americanos e vietnamitas no front de batalha, retratando todas as duras conseqüências da guerra tanto para soldados quando para a população do país. Por outro, os reflexos do conflito também colhidos nos próprios Estados Unidos, através de depoimentos que vão do alienado ao francamente obtuso até declarações amargas de militares e ex-combatentes. O que torna "Corações e Mentes" um clássico cinematográfico é a habilidade do diretor Peter Davis em pegar todo esse farto material e dar-lhe uma unidade fenomenal, através de uma montagem que casa com precisão imagens impressionantes da guerra com entrevistas contundentes, dando uma fluidez admirável para a sua narrativa. A edição do filme é tão fascinante que faz com que Davis dispense a narrativa em off para oferecer a sua visão pessoal sobre a insanidade colocada em prática no Vietnã.

King Kong, de Peter Jackson ****

Comparada com a obra original de 1933, essa versão mais recente de “King Kong” (2005) perde no quesito concisão, sendo que as mais de três horas de duração acabam se revelando um pouco excessivas. Apesar disso, a versão das aventuras do gorilão de Peter Jackson é disparada uma das grandes experiências cinematográficas dos últimos anos.

Os momentos iniciais em Nova Iorque e durante a viagem da expedição até a Ilha da Caveira são muito bem delineados, mas na realidade servem muito mais como elementos de expectativa, pois o filme se torna realmente monumental quando a expedição chega ao seu destino. A partir desse momento, teremos algumas das seqüências de ação, praticamente ininterruptas, mais delirantes já assistidas. Dos tensos e assustadores conflitos entre a expedição e os macabros nativos até a captura de Kong, Jackson orquestra uma aventura insana regada a muita morte, destruição e selvageria, com alguns breves e belos interlúdios românticos entre Ann Darrow (Naomi Watts) e o gorilão. O genial diretor neo-zelandês joga o bom senso e a contenção para o alto, sendo que o seu filme tem até uma incrível e absurda seqüência em que uma manada de dinossauros corre em disparada e capota espetacularmente. Aliás, isso é uma coisa que precisa ser dita: "King Kong" é o melhor filme de dinossauros que já assisti nos cinemas. Mas certamente o auge nessa loucura toda perpetrada por Jackson é o longo e violento combate travado entre Kong e três tiranossauros rex em que cada segundo é maravilhosamente indispensável.

Na parte final de "King Kong", a ação volta novamente para Nova Iorque com o nosso amigo primata capturado. Jackson dá uma freada no ritmo frenético das seqüências na Ilha da Caveira, mas essa desaceleração é breve. Logo depois, o embate final entre Kong e os aviões no topo do Empire State é realizado com um requinte visual e emocional ainda maior que nas versões anteriores. O momento em que os aviões surgem pela primeira vez deveria constar em uma antologia de cenas marcantes da história do cinema.

Como saldo final, pode-se dizer com certeza que "King Kong" é o melhor filme de Jackson desde "Almas Gêmeas" (1994), mostrando que mesmo trabalhando dentro de um "esquemão" Hollywood ele consegue marcar de forma indelével a sua concepção original, insana e apaixonada de cinema, conhecida desde as suas obras-primas iniciais como "Fome Animal" (1982) e "Meet The Feebles" (1989).

O Mar Mais Silencioso Daquele Verão, de Takeshi Kitano ***1/2

Os admiradores mais desavisados de Takeshi Kitano, acostumados com a violência fria e os banhos de sangue de obras magníficas como “Sonatine” (1993) e “Zatoichi” (2003), talvez estranhem a aparente inocência da comédia dramática “O Mar Mais Silencioso Daquele Verão” (1992), um dos filmes menos conhecidos de Kitano. Na verdade, tudo aquilo que caracteriza o universo desse mestre contemporâneo do cinema japonês está lá: o ritmo contemplativo, a amargura disfarçada de pequenas tolices, as emoções contidas dos personagens. A história ilusoriamente banal do surdo-mudo que quer ser surfista flui com naturalidade, às vezes até num tom quase prosaico, oscilando de forma insólita entre um humor quase constrangido e o drama rigoroso e acaba por desembocar em um final trágico que desconcerta pelo tom casual. No final das contas, é como se Kitano desprezasse as convenções dos gêneros cinematográficos (Isso é drama? Ou é comédia) e criasse uma categorização própria, ou seja, a sua concepção cinematográfica única. E que em obras posteriores ele radicalizou ainda mais.

Antes Só Do Que Mal Casado, de Bobby e Peter Farrelly ***1/2

Confesso que eu já considerava os irmãos Farrelly cartas fora do baralho. Seus últimos filmes vinham progressivamente se tornando comédias amenas, quase doces, sendo que chegaram ao fundo do poço com o medíocre e insosso “Amor em Jogo” (2005), onde conseguiram o milagre de tirar toda a graça da ironia amarga do livro original de Nick Hornby. Pois em “Antes Só Do Que Mal Casado” (2007) os caras conseguem se recuperar com louvor, retomando com sucesso o ritmo alucinado e a comédia física grotesca típicos do melhor de sua obra.

Mesmo não atingindo o grau de obra-prima de filmes como “Debi e Lóide” (1994) e “Todos Querem Ficar Com Mary” (1998), “Antes Só Do Que Mal Casado” tem vários momentos memoráveis de humor insano e sem concessões, além de uma galeria consistente de tipos inesquecíveis como o melhor amigo sem noção do protagonista Eddie Cantrow (Ben Stiller) e o primo mala e violento da amada de Eddie.

E é claro que não dá para esquecer que por trás da sua estrutura típica de comédia de erros e de algumas excelentes seqüências de puro humor pastelão e escrachado, “Antes Só Do Que Mal Casado” mostra também uma visão ácida sobre o comportamento humano e as relações amorosas. As enrascadas sentimentais em que Eddie se mete revelam uma concepção crua e pouco romântica sobre o casamento e os interesses que motivam homem e mulher a se unirem, dando o filme até mesmo um certo caráter questionador e perturbador.

Bens Confiscados, de Carlos Reichenbach ***1/2

Eu tenho uma opinião sobre o que é mais importante para alguém ser um bom cineasta. Mais relevante do que ser inteligente, ter bom gosto cultural e consciência social ou fazer alguma faculdade de cinema, o cara tem de ser um cinéfilo. Não basta amar fazer filmes: tem de amar também assistir filmes. Se o nosso amigo não for um doente por cinema, sinto muito, mas ele estará nessa pela grana ou para comer as gatinhas.

Bem, essa breve digressão que fiz serve para embasar o fato de que Carlos Reichenbach, junto com Zé do Caixão, é o grande animal cinematográfico em atividade no Brasil. O homem respira cinema. Nunca é demais lembrar, por exemplo, que ele é o responsável pelas sessões Comodoro em São Paulo, projeto esse assemelhado aos Raros aqui de Porto Alegre, ambos destinados a exibir ao público filmes de díficil acesso.

E é claro que toda essa paixão cinematográfica de Carlos Reichenbach transparece em sua obra como cineasta. "Bens Confiscados" é exemplo do seu amor pela imagem em movimento. A começar pela sua magnífica seqüência de abertura, com um espetacular plano sobre a cidade de São Paulo que se estende para o apartamento de uma mulher preste a se suicidar. Muito boas também as tomadas obtidas por Carlão do litoral gaúcho, sendo que ele capta com perfeição uma certa beleza melancólica típica das praias do RS (efeito esse semelhante ao conseguido por Jorge Furtado em "Houve Uma Vez Dois Verões").

O ponto fraco de "Bens Confiscados" está no roteiro, que traz alguns excessos de situações desnecessárias (não é tão compacto e enxuto, por exemplo, quanto a trama de "Dois Córregos", um dos melhores filmes de Reichenbach). Mesmo assim, a história engedrada por Carlão traz aspectos bem interessantes. Achei fantástico, reforçando tais aspectos, a inversão de expectativa que se faz naturalmente ao logo do filme, sendo que o cineasta nos dá a entender que a enfermeira Serena, interpretada por Betty Faria, seria o vetor de maturidade e sabedoria da trama, quando na realidade o jovem Luiz Roberto (Renan Augusto) é quem tem a visão mais lúcida sobre o que está acontecendo, mesmo coberto pelo seu comportamento impulsivo e rebelde. Aliás, o trabalho de Carlão na caracterização de seus personagens é primoroso. Ele tem a consciência de que o bom personagem não é aquele que tem maior densidade psicológica, mas sim o que tem caráter carismático e funcional adequado para a sua trama. Nesse sentido, são antológicos as performances deliciosamente caricaturais de André Abunjara e Beth Goulart. Até Werner Schünemann tem um desempenho acima da sua média, sendo que mesmo algumas pontas como a de Eduardo Dusek e Bira Valdez são fortemente marcantes.

E é claro que não se poderia comentar "Bens Confiscados" sem mencionar a seqüência em que os personagens interpretados por Marina Person, Fernanda Carvalho Leite e Renan Augusto se enroscam de maneira insólita na beira da praia, em um dos mais belos momentos eróticos do cinema brasileiro dos últimos tempos.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Star Wars – The Clone Wars, de Dave Filoni ***
O Procurado, de Timur Bekmambetov ***1/2
Falsa Loura, de Carlos Reichenbach ***1/2
Agonia e Êxtase, de Carol Reed ***1/2
Sonic Youth: 1991- The Year Punk Broke, de David Markey ***1/2
O Eclipse, de Michelangelo Antonioni ****
O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford, de Andrew Dominik ****

Filmes das últimas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

Do Outro Lado, de Fatih Akin ***1/2
Kung Fu Panda, de Mark Osborne e John Stevenson ****
Space Chimps – Micos no Espaço, de Kirk De Micco *1/2
Beijos Proibidos, de François Truffaut ****
O Escafandro e a Borboleta, de Julian Schnabel ***1/2
Batman – O Cavaleiro das Trevas, de Christopher Nolan ****
Nevermore, de Toke Constantin Hebbeln ***1/2
Mangue Negro, de Rodrigo Aragão ***1/2
Adan Y Eva (Todavia), de Iván Ávila Dueñas **
Tales of The Fourth Dimension, deArif Hussein, John Erasmus, Mark Craig, Steve Connor & Nik Fletcher **1/2
Los Blues Del Vampiro, de Jesus Franco ½ (meia estrela)
Devil Girl, de Howie Askins **
El Caballero Del Dragon, de Fernando Colomo **
Hogfather, de Vadim Jean ****
El Cebo, de Ladislao Vajda ***1/2
Metamorfosis, de Jacinto Esteva **
A Capital dos Mortos, de Tiago Belotti *
A Encarnação do Demônio, de José Mojica Marins ***1/2
Amanecer Que No Es Poço, de José Luis Cuerda ***1/2
Hero Tomorrow, de Ted Sikora ***
The Murder Game, de Robert Harari ½ (meia estrela)
Sword Of The Stranger, de Masahiro Andô ****
CSA: Confederate States of America, de Kevin Willmot ***1/2
Snuff: A Documentary About Killing on Camera, de Paul Von Stoetzel ***1/2
El Proprietario, Javier Diment & Luis Ziembrowski ***1/2
The Dream-Quest of Unknown Kadath, de Edward Martin III *1/2
Expiration Date, de Rick Stevenson *1/2
Jack Brooks: Monster Slayer, de Jon Knautz ***
Gente Medrosa, de Makoto Wada ***1/2
Dragon Hill, de Angél Izquierdo ½ (meia estrela)
Dead Noon, de Andrew Wiest *
Suspension, de Alec Joler & Ethan Shaftel ***
Egon & Doncy, de Ádám Magyar **
The Dead Brothers, de M.A. Littler ****
After The Apocalypse, Yasuaki Nakajima *1/2
Gamera, de Shusuke Kaneko **1/2
Blood Tea And Red String, de Christiane Cegavske **
La Torre De Los 7 Jorobados, de Edgar Neville ***
El Habitante Incierto, de Guillem Morales ***1/2
Horror Business, de Christopher P. Garetano **
Bela Lugosi - Fallen Vampire, de Florin Iepan **
Vampira: The Movie, de Kevin Sean Michaels *1/2
Voodoo Rhythm, de M.A. Littler ***1/2
Easter Bunny, Kill, Kill, de Chad Ferrin **1/2
Spine Tingler!, de Jeffrey Schwarz **1/2
Filmatron, de Pablo Pares **1/2
Movimento em Falso, de Wim Wendes ***1/2
Cinturão Vermelho, de David Mamet ****
Hair, de Milos Forman ***1/2
Hair High, de Bill Plympton ***1/2
On Evil Grounds, de Peter Koller *
Nympha, de Ivan Zuccon **1/2
Murder Loves Killers Too, de Drew Barnhardt *1/2
The Zombie Diaries, de Michael Bartlett e Kevin Gates *1/2
Dark Remains, de Brian Avenet-Bradley *1/2
My Dream Or Loneliness Never Walks Alone, de Roland Reber **1/2
Beneath The Cogon, de Rico Maria Ilarde **
God Of Vampires, de Rob Fitz *1/2
Academy of Doom, de Chip Gubera (zero estrela)
Crimson, de Richard Poche (zero estrela)
100 Tears, de Markus Koch *
Small Town Folk, de Peter Stanley Ward *
Five Across The Eyes, de Greg Swinson & Ryan Thiessen ½ (meia estrela)
The Vanguard, de Matthew Hope *
Hotel, de Jessica Hausner **1/2
The Last Gateway, de Demian Rugna **
The Last House In The Woods, Gabriele Albanesi **1/2
The Man From Earth, de Richard Schenkam ***
The Demons Among Us, de Stuart Simpson **
End Of The Line, de Maurice Devereaux **1/2
Song Of The Dead, de Chip Gubera (zero)
Stupid Teenagers Must Die, de Jeff C. Smith (zero)
Mindflesh, de Robert Pratten ***
The Portal, de Serge Rodnunsky ½ (meia estrela)
Nobody, de Shawn Linden ***
Heads of Control, de Pat Tremblay (zero)
Dead And Gone, de Peter Koller *1/2
Death Knows Your Name, de Daniel de La Veta ***
Blood Car, de Alex Orr *1/2
Bukarest Fleisch, de Andy Fetscher *1/2
The Legend of Sky Kingdon, de Roger Hawkins *
O Fim da Picada, de Christian Saghaard **1/2
Bigfoot: A Beast on The Run, de David Thayer **
Jennifer’s Shadow, de Daniel De La Vega e Pablo Pares **
We Are The Strange, de M. Dot Strange *
Sexto Sentido, de Nemesio M. Sobrevila ***1/2
Bullit, de Peter Yates ****

Showgirls, de Paul Verhoeven

A história do cinema é pródiga em filmes considerados malditos, obras que ganharam esse título devido a uma temática polêmica ou por apresentarem qualidades artísticas e comerciais questionáveis, nesse último caso, aquilo que podemos chamar de "bombas". É claro que alguns filmes fazem jus a esse estigma, pois realmente são muito ruins. Mas há casos, entretanto, que tal denominação acaba sendo equivocada, sendo fruto de uma percepção preconceituosa ou medíocre. Eu acredito que "Showgirls" enquadra-se nesse último caso. Considerado por muitos críticos e boa parte do público como um dos maiores fiascos da história do cinema, esse foi o filme que quase enterrou a carreira do genial diretor holandês Paul Verhoeven (na verdade, ele nem levou muito a sério esta história, comparecendo em 1996 na entrega do Framboesa de Ouro, quando "Showgirls" foi "vencedor" em várias categorias). Talvez o que tenha levado a tantos a se frustrarem foi o fato de esperarem um novo "Instinto Selvagem", um dos maiores sucessos de Verhoeven e igualmente roteirizado por Joe Eszterhas. O que diferencia os dois filmes, entretanto, é simples: enquanto que em "Instinto Selvagem" temos uma contra-parte "do bem", mesmo que perturbada, na figura do detetive Nick Curran (Michael Douglas) para a figura amoral de Catherine Tramell, em "Show Girls" isso inexiste - em sua trama ninguém é flor que se cheire, e até mesmo a pretensa heroína Nomi Malone (Elisabeth Berkley), por exemplo, não hesita em empurrar a sua rival Cristal Connors (Gina Gershons) para tomar o seu lugar de atração principal de um dos mais famosos números de dança das boates de Las Vegas. E se "Instinto Selvagem" é basicamente um suspense policial pontuado por fortes seqüências eróticas, "Show Girls" é um melodrama sobre ascensão no show business recheado de uma sexualidade que beira quase o pornográfico.

A verdade é que quem lesse atentamente o roteiro de "Showgirls" veria com certeza que se tratava de um verdadeiro suicídio comercial: essencialmente é a trajetória de dançarina loira e gostosa que quer vencer na vida, saindo de um bagaceiro bar de stripper para um show de dança erótica em um dos maiores cassinos de Las Vegas (sério, mas não se consegue perceber com grande clareza qual seria a grande evolução na vida da personagem nessa troca de emprego...). E para coroar todo esse exagero, o pano de fundo da trama é uma Las Vegas no auge da cafonice. Os olhos de Verhoeven devem ter brilhado quando ele viu todo o material que tinha em mãos. Ele joga qualquer traço de sutileza para o espaço, não abrindo qualquer concessão no seu estilo e dando um tratamento barroco e operístico para a saga de Nomi Malone. O cineasta filma as ultra-bregas coreografias das apresentações nos cassinos com uma paixão e sentido épico impressionantes. Sua câmera também dá uma dimensão insólita e ainda mais grandiosa para Las Vegas, fazendo com que a mesma pareça uma versão modernosa de Sodoma e Gomorra. Nesse sentido ainda, Verhoeven não poupa extremos: a podridão moral e a falta de escrúpulos rondam toda a trama, rendendo seqüências antológicas como aquela em que a nossa "heroína" faz a dança do colo em um influente executivo (Kyle MacLachlan) para receber uma oportunidade de emprego ou quando um diretor de coreografia (Robert Davi) sugere a candidatas para um de seus espetáculos que passem cubos de gelos nos seus mamilos para deixá-los mais durinhos...

Talvez o que leve tantos a odiarem "Showgirls" é quererem encarar o filme como se tudo aquilo fosse alguma análise séria de Verhoeven sobre o mundo dos espetáculos ou coisa parecida. O que o diretor realmente nos oferece é uma visão extrema e absurda sobre um tema que nem é tão importante assim, sendo apenas um pretexto para o seu fabuloso virtuosismo cinematográfico que se mostra no auge. A lógica de "Showgirls" é tão escapista e fantasiosa quanto a de humanos guerreando contra insetos gigantes e alienígenas em "Tropas Estelares", outra obra-prima do mestre holandês.

Filmes das últimas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

O Sonho de Cassandra, de Woody Allen ****
Caveira My Friend, de Álvaro Guimarães ***1/2
Jardim do Crime, de Neville d’ Almeida ***1/2
Zona do Crime, de Rodrigo Plá ***
Condor, de Roberto Mader ***
A Marca da Maldade, de Orson Welles ****
Perdidos e Malditos, de Geraldo Veloso ***1/2
Hitler III Mundo, de José Agrippino de Paula **1/2
Os Monstros de Babaloo, de Elyseu Visconti ****
Um Beijo Roubado, de Wong Kar-Wai ***
Sagrada Família, de Sylvio Lanna **
Homem de Ferro, de Jon Favreau ***
Speed Racer, de Andy e Larry Wachowski **1/2
Encurralados, de Mike Barker *1/2
A Baía dos Anjos, de Jacques Demy ****
Os Amantes, de Louis Malle ****
Longe Dela, de Parker Posey **1/2
Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal, de Steven Spielberg ****
Cidadão Langlois, de Edgardo Cozarinsky ***
Depois do Vendaval, de John Ford ****
A Chinesa, de Jean Luc Godard ***1/2
Elisa, Vida Minha, de Carlos Saura ****
Efeito Dominó, de Roger Donaldson ****
Control, de Anton Corbijn ****
Em Paris, de Christophe Honoré ****
As Crônicas de Nârnia – Príncipe Caspin, de Andrew Adamson ***
Bella, de Alejandro Gomez Monteverde **1/2
O Incrível Hulk, de Louis Leterrier ***
Chega de Saudade, de Laís Bodanzky ***
Sete Noivas Para Sete Irmãos, de Stanley Donen ***1/2
Fim dos Tempos, de M. Night Shyamalan ***1/2
Poliéster, de John Waters ****
Wall-E, de Andrew Stanton ****
Quando Explode a Vingança, de Sergio Leone ****
A Noite dos Mortos Vivos, de George Romero ****
Antes Que o Diabo Saiba Que Você Está Morto, de Sidney Lunet ****
Oto, de Bruce LaBruce *1/2
Hype, de Doug Pray ****
Agente 86, de Peter Segal **1/2
Hancock, de Peter Berg ***
Eleições 2 – A Tríade, de Johnny To ****
O Vingador Silencioso, de Sergio Corbucci ****
Os Corruptos, de Fritz Lang ****
O Samurai, de Jean Pierre Melville ****
O Retorno da Maldição – A Mãe das Lágrimas, de Dario Argento ***
Desafio à Corrupção, de Robert Rossen ****
Sweet Sweetback’s Baaadasssss Song, de Melvin Van Peebles ***1/2

Filmes das últimas duas semanas (cotações de 0 a 4 estrelas)

Shortbus, de John Cameron Mitchell ****
Os Reis da Rua, de David Ayer ***1/2
Viva Zapata!, de Elia Kazan ****
Eric Rohmer – Provas de Apoio, de André S. Labarthe e Jean Douchet ***1/2
A Fábrica do Conto de Verão, de Jean André Fieschi e Françoise Etchegaray ***
Pauline na Praia, de Eric Rohmer ****
O Amigo da Minha Amiga, de Eric Rohmer ****
Um Casamento Perfeito, de Eric Rohmer ***1/2
A Família Savage, de Tâmara Jenkins ***1/2
Botinada, de Gastão Moreira ***1/2
O Salário do Medo, de Henri-Georges Clouzot ****
Brutalidade, de Jules Dassin ****

Caçado, de William Friedkin ****

Uma das coisas que mais se falou sobre o brilhante “Possuídos” (2006) é que o mesmo marcava o “renascimento artístico” de William Friedkin. Bem, quem falou essa bobagem provavelmente não viu ou tem de rever “Caçado”, produção de 2003 também dirigida por Friedkin, obra essa que está no mesmo nível de qualidade de outras belas obras-primas desse mestre como “Operação França” (1971) e “Viver e Morrer em Los Angeles” (1985). Friedkin mostra que não é necessário fazer dezenas de cortes por minutos para se fazer uma ótima seqüência de ação, sendo que é impressionante em “Caçado” a classe do trabalho de montagem do filme. O cineasta conduz com precisão uma obra que alia forte tensão com cenas eletrizantes de perseguição e lutas corporais. As seqüências em que os personagens de Tommy Lee Jones e Benicio Del Toro duelam com facas e no braço são primorosas no seu dinamismo cinematográfico. Aliás, outro ponto forte em “Caçado” é o ótimo trabalho de direção de atores, com Jones e Del Toro tendo alguns dos melhores momentos dramáticos de suas carreiras.

Assistir a “Caçado” é ver o bom cinema de ação em estado de graça nas mãos de um dos maiores especialistas no gênero.

O Amor nos Tempos de Cólera, de Mike Newell *

A produção é norte-americana, o roteiro é baseado no livro de um escritor colombiano, a trama se passa numa cidadezinha imaginária da América do Sul, o diretor é inglês e o casal de protagonistas é vivido por um espanhol e uma italiana (com ambos falando um inglês macarrônico). É claro que não é regra que uma combinação esdrúxula dessas necessariamente teria de resultar em um mau filme, mas no caso de “O Amor nos Tempos de Cólera” toda essa confusa combinação de elementos acabou implicando numa obra sem vida e de personalidade nula. A bonita fotografia e a trilha sonora até tem seus encantos, mas não fazem com que a narrativa perca o seu excessivo ranço acadêmico. Confesso que não li o livro de Gabriel Garcia Márquez, mas a trama do livro, digna de uma novela das 8, não me estimulou nem um pouco a ler ao mesmo. É irritante também a forma caricatural com que Mike Newell retrata personagens e situações, tirando dos mesmos quaisquer traços de humanidade e consistência dramática. Tudo no filme é vazio e contaminado por um exotismo para anglo-saxões se deslumbrarem.

Assistir a “O Amor nos Tempos de Cólera”, entretanto, não é um desperdício completo de tempo porque as caracterizações afetadas e as simplificações do roteiro são tantas que em vários momentos do filmes temos um humor involuntário típico das produções thrash. Pensando bem, o filme até seria bem melhor se tivesse Ed Wood comandando essa zona toda...

A Morta Viva, de Jacques Tourneur ****

O título em português desse filme clássico de Jacques Torneur lançado em 1943 pode fazer supor que seja uma produção podreira sobre zumbis. Mas o caso aqui é quase que o oposto. Assim como na sua outra obra-prima “Sangue de Pantera” (1942), o mestre dos filmes de horror da RKO prefere investir na construção de atmosferas sombrias e no suspense psicológico, onde a tensão vem muito mais do que é sugerido do que é realmente mostrado. Tourneur obtém seqüências de uma beleza visual perturbadora, principalmente naquela em que a enfermeira Betsy (Frances Dee) segue a Senhora. Holland (Edith Barrett) no meio de uma floresta sombria e enevoada. As trucagens são simples e econômicas, mas contribuem fantasticamente com o raro encanto sensorial de “A Morta Viva”. O resultado de tantas virtudes cinematográficas é um filme que envelheceu quase nada.

Filmes da Semana (Cotações de 0 a 4 estrelas)

Não Estou Lá, de Todd Haynes ****
Horton e o Mundo dos Quem, de Jimmy Hayward e Steve Martino ***1/2
Apenas Uma Vez, de John Carney ***1/2
Cantando na Chuva, de Gene Kelly e Stanley Donnen ****
Bang-Bang, de Andrea Tonacci ****