Meu malvado favorito 2, de Chris Renaud e Pierre Coffin **

O primeiro “Meu malvado favorito” (2010) estava longe de ser uma obra especialmente memorável, mas trazia pelo menos um dilema razoável a pautar sua trama: a conversão de um vilão megalomaníaco em um amoroso pai adotivo. Nessa segunda parte lançada agora em 2013, até mesmo esse mote desaparece, tornando tudo ainda mais genérico e irrelevante. Ok, é uma animação de traço competente, e os minions são bem engraçados em alguns momentos (a gente até se pergunta por quê não fizeram um longa só com eles como protagonistas), mas inexiste no filme qualquer elemento de tensão efetiva. É claro que vai agradar um monte de crianças, vai render horrores de bilheteria, mas no final das contas só comprova que mesmo um exemplar pouco inspirado da Pixar (como o recente “Universidade Monstros”) traz muito mais vida e ousadia que boa parte do que a concorrência oferece.

Dossiê Jango, de Paulo Henrique Fontenelle **1/2

Mesmo não tendo o rigor narrativo de “Jango” (1984), de Silvio Tendler, ou o formalismo criativo de “O dia que durou 21 anos” (2012), ambas obras cinematográficas que tinham o presidente João Goulart como personagem fundamental, “Dossiê Jango” (2012) é uma produção de fôlego e que consegue trazer até uma certa conotação de novidade para a temática do golpe de estado de 1964 e a consequente ditadura militar. O documentário do diretor Paulo Henrique Fontenelle escancara no viés subjetivo e de denúncia – seu principal interesse está em propagar a teoria de que Jango teria sido assassinado devido a um insidioso plano da Operação Condor, ainda que dê espaço para visões históricas discordantes de sua versão dos fatos Fontenelle lança mão de farto material de imagens de arquivos, assim como de depoimentos bastante contundentes sobre o assunto, formulando assim um arcabouço convincente para a denúncia que expressa nas telas. Assim, sua concepção cinematográfica é objetiva e ousa muito pouco na estética, mas a veemência de seu estilo jornalismo investigativo torna a narrativa, por vezes, dinâmica e tensa. Pode ser que as acusações que “Dossiê Jango” dispara não dêem nada em termos práticos, mas é inegável que se trata de uma obra capaz de deixar algumas pulgas atrás da orelha.

Juan dos mortos, de Alejandro Bruqués ***

No meio dessa onda interminável de filmes de zumbi, “Juan dos mortos” (2011) acaba se destacando de forma surpreendente. O diretor Alejandro Bruqués, para começar, revela conhecimento ao preservar as sacadas principais para obras do gênero: os mortos vivos são realmente nojentos, há cenas impactantes e violentas que não se furtam de mostrar tripas e sangue e as sequências de ação são bem dirigidas. Dessa forma, está léguas à frente de produções assépticas como “Guerra Mundial Z” (2013). Ao mesmo tempo que respeita alguns dos principais cânones do estilo, a produção acaba tendo uma cara muito própria por saber explorar aquilo que tem de mais inusitado – o fato de ser um filme de horror vindo de Cuba! Assim, um certo aspecto fuleiro da encenação e o tom cômico da narrativa refletem o caráter de sátira política da obra, ainda que a sua conclusão remeta a um forte teor nacionalista. Nesse sentido, é admirável que Bruqués mantenha um equilíbrio artístico, em que “Juan dos mortos” não cai na vala fácil do simples exotismo e revela um alcance universal, mas também não abdica de suas particularidades regionais.

L'Apollonide - Os amores da casa de tolerância, de Bertrand Bonelo ****

A abordagem do diretor Bertrand Bonelo sobre o tema da prostituição em “L’Apollonide – Os amores da casa de tolerância” (2011) é barroco em um sentido amplo. Pelo lado formal, o filme traz um requinte visual exuberante, mas sem cair numa reconstituição de época meramente rococó. Já no que diz respeito à visão temática da obra, predomina uma atmosfera que oscila entre o fascínio erótico e a degradação moral e física, numa algo perturbadora dicotomia entre o prazer e a culpa. Assim, estética e conteúdo acabam revelando fina sintonia artística. A fotografia e a direção de arte contribuem para o clima de luxúria e decadência que permeia a trama – cenários e figurinos, junto a enquadramentos de caráter que beiram o pictório, compõem uma ambientação de luxo, lassidão e sensualidade, mas a iluminação de belíssimos tons soturnos também realçam a incômoda e permanente sensação de que algo de errado está para acontecer. E quando acontece, vem em estocadas certeiras em forma de violência e doença. Talvez a pantera encoleirada trazida por um habitual cliente da casa seja uma eficaz simbologia dos perigos que os instintos podem trazer. A abordagem de Bonelo também é peculiar e marcante por uma sensação de atemporalidade, ainda que situe a trama na virada do século XIX para o XX – a impressão é que a casa esteja inserida dentro de uma espécie de universo paralelo, fora dos limites das convenções morais, mas também sujeita a ameaças traiçoeiras. O interessante uso de uma trilha sonora com temas contemporâneos e a contundente conclusão na Paris dos tempos atuais realçam esse aspecto fora do tempo e do espaço e o encanto perverso de “L’Apollonide”

Crazy Horse, de Frederick Wiseman ***1/2

A concepção formal do diretor Frederick Wiseman no documentário “Crazy Horse” (2011) é rigorosa – ao focar no cotidiano do famoso cabaret parisiense, o cineasta não facilita as coisas. Seu registro é objetivo, não se permitindo a narrações explicativas ou a uma trama bem definida. Ele vai focando fatos diversos, passando por ensaios, conversas, gravações, entrevistas com candidatas a dançarinas, atos administrativos. Todos esses momentos, aos poucos, vão compondo um mosaico fascinante. Wiseman não se furta de mostrar o resultado de todo esse processo criativo, filmando com notáveis sensibilidade e paixão as apresentações de números destacados de striptease. O que era projetado para ser uma coreografia a ser apresentada num palco parece ganhar insuspeitos contornos cinematográficos – faz até pensar que foram pensadas inicialmente para o cinema. E talvez esteja aí o grande mote criativo de Wiseman em “Crazy Horse” – sua visão tanto tem uma conotação de distanciamento emocional quanto por vezes se trai e demonstra fascinação com o esfuziante erotismo das danças e dos belos corpos das dançarinas.

Os amantes passageiros, de Pedro Almodóvar ***1/2

Se “A pele que habito” (2011) apresentava um rigor estético admirável, em “Os amantes passageiros” (2013) o diretor espanhol Pedro Almodóvar parece ter desejado dar uma relaxada. Afinal, como narrativa trata-se de uma obra de caráter irregular (toda aquela seqüência, por exemplo, que se passa em terra com as amantes de um galã cinematográfico poderia ter sido limada na boa). O fato, entretanto, é que Almodóvar tem muita manha para filmar e quando acerta a mão na sua veia cômica o negócio pega fogo. Seu domínio de encenação é precioso: ao mesmo tempo que tudo parece muito alucinado na velocidade de diálogos maliciosos e números de puro humor físico que beira o pastelão, ele não perde o rumo na condução da trama e de seus atores. Ele retoma aquela veia irônica debochada típica dos seus primeiros filmes, de comicidade picaresca, mas com uma sofisticação visual que naqueles primórdios ele ainda não dominava. Ou seja, os detratores habituais até podem continuar não gostando, mas é inegável que a sua marca autoral está sempre ali, indelével. No mais, os momentos em que pretende fazer uma sátira política em relação ao atual momento político e econômico da Espanha podem soar por vezes ingênuo, mas a sua verdadeira e efetiva transgressão temática está na naturalidade e paixão com que “Os amantes passageiros” retrata os romances gays envolvendo comissários e pilotos de um vôo em colapso: o espírito brincalhão e vigoroso de tais cenas reforça o espírito libertário latente na cinematografia de Almodóvar.

Irmãs jamais, de Marco Bellocchio ****

Assim como os Irmãos Taviani em “César deve morrer” (2012), Marco Bellocchio é mais um veterano diretor italiano que vem a beber na fonte do neo-realismo ao realizar “Irmãs jamais” (2010). A forma com que ele desenvolve tal influência, entretanto, é diversa daquela dos Taviani. Ao longo de aproximadamente uma década, ele filmou pequenos trechos dramáticos, usando como atores alguns familiares e amadores, retratando episódios marcantes na trajetória de uma família interiorana de um pequeno vilarejo. Por vezes, tais episódios parecem ter poucas ligações entre eles, em outros momentos apresentam uma ligação íntima. Juntando todos formam um conjunto fascinante e de unidade memorável. O naturalismo da encenação executada por Bellocchio é desconcertante na sua simplicidade e fluência. Para reforçar o tom “doméstico” de sua narrativa, o cineasta utiliza uma fotografia que evoca uma película antiga, de cores fortes – por mais que situe a trama pelos anos de sua realização, tem-se a impressão de uma obra fora do tempo e do espaço, em que a aparente casualidade das situações esconde um dramatismo sutil que por vezes também aflora de forma impactante. O lirismo visual melancólico e simbólico da conclusão de “Irmãs jamais” corrobora essa impressão de uma obra atípica e, por isso mesmo, inesquecível.

Guerra Mundial Z, de Marc Forster **

Tentar enquadrar “Guerra Mundial Z” (2013) como filme de terror é meio esquisito. Ok, o filme tem um monte de zumbis, ocasionalmente dá uns sustos, mas está bem longe de ter uma efetiva atmosfera de obra de horror. Está mais para uma produção de aventura em que os vilões são zumbis, mas se fossem alienígenas, monstros ou algum povo não ocidental não faria muita diferença. Essa indefinição de como enquadrar o filme é reflexo do seu grande problema criativo: a assepsia estética e temática da direção de Marc Forster (o que não é exatamente uma surpresa vindo daquele que dirigiu o medíocre “O caçador de pipas”). Numa trama que traz uma hecatombe apocalíptica provocada por uma horda de zumbis, praticamente não se enxerga sangue nas cenas! Ou seja, parece que a grande preocupação artística de Forster foi não assustar as platéias mais sensíveis. Isso também se evidencia num roteiro que não traz tensão ou dilemas mais humanos – tudo soa tão aleatório e mecânico que poucas vezes a história consegue soar realmente convincente. A impressão de que “Guerra Mundial Z” faz tudo para se adequar a um gosto médio se confirma quando se fica sabendo que o filme foi refeito em quase que da sua metade de duração. E quem conseguir ler sobre como o filme era antes de tais alterações, vai poder perceber que o que se tinha antes era muito mais radical e impactante. No final das contas, “Guerra Mundial Z” acaba sendo emblemático de como as coisas funcionam atualmente em parte expressiva das produções vindas de Hollywood.

César deve morrer, de Paolo e Vittorio Taviani ****

Os irmãos Taviani voltam a revitalizar o neo-realismo italiano em “César dever morrer” (2013), como já tinham feito em obras-primas como “Pai patrão” (1977) e “A noite de São Lourenço” (1982), mas sob uma perspectiva diferente. Nesse mais recente trabalho, partem de uma premissa que até em um primeiro momento poderia parecer simples: a encenação numa prisão por parte de alguns apenados de uma das peças mais célebres de Shakespeare, “Júlio César”. O que ocorre, entretanto, é uma fusão engenhosa entre documentário, ficção e teatro. O foco da trama é a encenação de todo o processo que levou ao resultado da apresentação teatral propriamente dita, em que os presos interpretam a si mesmos, além de interpretar aos seus respectivos papéis no drama shakesperiano. Assim, o filme se desenrola em mais de uma camada, mas que se entrelaçam sutilmente – há a trama básica de “Júlio César” que é encenada com vigor, existe ainda a rotina de ensaios e discussões e também o retrato da vida de alguns dos principais atores. Os limites entre os gêneros vão ficando cada vez mais tênues a um ponto que ultrapassa o perturbador. Em nuances notáveis, vemos não apenas a evolução da peça, mas também a própria transformação humana de seus rústicos artistas. Nesse sentido, a tensão é forte; sabemos desde o início que os componentes do elenco são bandidos condenados casca grossa (alguns, inclusive, cumprem prisão perpétua), o que faz com que a presumível natureza violenta deles nos dê a impressão que algo está sempre a prestes de explodir. A desconcertante conclusão de “César deve morrer” sintetiza esse intricado jogo estético e temático numa sentença simples e brilhante – a do poder transformador da arte.

Adeus, minha rainha, de Benoit Jacquot ***1/2

É claro que numa produção que tem como temática os últimos dias de reinado de Luís XVI e Maria Antonieta o cuidado com direção de arte, reconstituição de época e figurino seria esmerado. Em “Adeus, minha rainha” (2011) isso é evidente em cada fotograma. Mas o requinte visual não é a tônica principal do filme. O que torna a obra do diretor Benoit Jacquot acima da média no gênero filme de época é uma perturbadora atmosfera de decadência e melancolia que impregna de forma constante a trama. Se a platéia sente encanto visual pela suntuosidade dos palácios e pela beleza da rainha e das damas de sua corte, além da aura de hedonismo proveniente de banquetes e jogos amorosos, por outro lado também se angustia por aquele clima de uma época que está se desintegrando de maneira inexorável. A extraordinária direção de fotografia oferece a complementação pictórica exata para as intenções do filme, tanto nos seus enquadramentos emulando quadros quanto na iluminação que privilegia um tom sombrio entre o amarelo e o laranja. Quando a luz natural vez e outra pontifica, é um alívio para o pesadelo sensorial no qual personagens (e público) estão imersos. Talvez não seja a obra definitiva sobre o episódio histórico em questão (é provável que essa honra caiba à obra-prima “Casanova e a revolução”, de Ettore Scola), mas “Adeus, minha rainha” é um dos retratos cinematográficos mais contundentes a tratar do assunto.

A memória que me contam, de Lucia Murat ***

Boa parte da filmografia da diretora Lucia Murat é dedicada à temática da ditadura militar. Nesse campo, o inventivo documentário “Uma longa viagem” (2011) é o seu ponto alto. Mesmo não atingindo o mesmo patamar artístico, “A memória que me contam” (2013) traz algumas inquietações envolventes. Assim como na citada obra anterior, combina-se uma abordagem histórica e política com um forte teor intimista, mostrando que os dois lados se entrelaçam de forma sutil e inextricável. A trama é ficcional, mas traz vários elementos biográficos da vida de Murat, e revela uma visão particular da diretora sobre os anos de chumbo e suas consequências. Ao mesmo tempo que expõe traumas, questionamentos e contradições daqueles que viveram intensamente aquele período de repressão e luta, a cineasta se permite fazer uma espécie de comentário pessoal sobre a atual conjuntura, principalmente no campo comportamental, em que as liberdades sociais e até mesmo sexuais seriam a continuação natural dos combates ideológicos e armados dos anos 60 e 70. Nesse sentido, há uma forte simbologia no fato de que o jovem casal homossexual é composto por filhos de antigos perseguidos políticos. Para retratar esses sutis e particulares ideários, Murat utiliza uma narrativa de tons realistas, mas que por vezes fica impregnada de atmosferas oníricas ou até mesmo delirantes. Assim, concordando ou não com as teorias da diretora, é inegável que ela vem construindo em seus filmes uma coerência autoral expressiva.

Universidade Monstros, de Dan Scanlon ***

As animações da Pixar, mesmo em seus momentos menos inspirados, sempre se diferenciaram de outras produções do gênero por apresentarem uma bem azeitada combinação entre a diferenciada qualidade do traço, a dinâmica diferenciada da narrativa e roteiro lapidado com cuidado, entrecruzando o tom infantil com sutil subtexto capaz de encantar também os adultos. Não à toa, o estúdio gerou várias obras antológicas. Pois “Universidade Monstros” (2013) é o primeiro caso que se afasta desse padrão de qualidade – ainda que seja um passatempo agradável, o filme soa genérico demais. A trama adota uma estrutura daquelas tradicionais comédias colegiais, o que acaba deixando uma atmosfera excessivamente ingênua por vezes. Os protagonistas Mike Wazowki e Sulley estão distantes daquele carisma que tinham em “Monstros S/A” (2001). Pior que isso, entretanto, é a ausência de uma história capaz de produzir tensão e interesse genuínos – tudo se resolve de forma tão previsível e fácil que faz com que se esqueça fácil o que se viu assim que se sai da sala de cinema (o que dá a impressão que talvez esse seja a animação da Pixar que menos se comunica com a platéia mais madura). É claro que “Universidade Monstros” está distante de se enquadrar na categoria “ruim”, afinal apresenta um bom nível gráfico e uma narrativa envolvente. Mas é decepcionante pelo fato de que estamos acostumados com o fato de que a Pixar é capaz de fazer algo muito melhor que isso.

Reino escondido, de Chris Wedge **1/2

Se “Detona Ralph” (2012) e “Os croods” (2013) procuram fugir do lugar comum no gênero animação tanto pelo lado estético quanto temático, “Reino escondido” pertence àquela vertente na linha “mais do mesmo”. Não que seja ruim. É até competente, mas pouco além disso. A produção recicla algumas premissas simpáticas (impossível não lembrar, por exemplo, de “Querida, encolhi as crianças”), mas a direção de Chris Wedge é muito burocática. O filme fica naquele misto de visual asséptico, criaturas esquisitas/fofinhas e roteiro de teor ecológico e politicamente correto, incapaz de geral alguma tensão efetiva para o público, indicado mais para platéias sem muitos critérios.

Artigas - La Redota, de Cesar Charlone **1/2

O mote principal do roteiro de “Artigas – La Redota” lembra muito o do clássico “Apocalypse Now” (1979), em que o desajustado Capitão Willard (Martin Sheen) penetrava no coração das trevas das selvas do Vietnã, mediante ordens do governo norte-americano, para matar o renegado coronel Kurtz (Marlon Brando), que havia se tornado líder de uma comunidade de guerrilheiros. No mencionado filme uruguaio, o atormentado oficial Calderón (Rodrigo Sancho), por ordem da coroa, embrenha-se pelos pampas da antiga colônia espanhola para matar Artigas (Jorge Esmoris), líder revolucionário da independência. Assim como Willard foi afetado pelo carisma perturbador de Kurtz, Calderón também ficará impressionado pelo ideário de Artigas a um ponto de comprometer sua missão original. O filme do diretor Cesar Charlone propõe uma visão que se pretende complexa, mostrando como a linha entre fatos históricos concretos e a lenda é muito tênue. Tanto sua abordagem formal quanto a sua análise temática pendem para o naturalismo, procurando fugir da linha épica. Na verdade, o que era para ser um mérito acaba comprometendo a própria encenação de “Artigas – La Redota”. Por vezes, a narrativa soa truncada, pouco natural, quase como se fosse um daqueles episódios históricos recriados de forma institucional por algum programa educativo de televisão, além das cenas de ação serem executadas de forma um tanto desajeitadas. Tudo muito distante, portanto, daquele estética e narrativa febris e de concepção virtuose de “Apocalypse Now”.

O lugar onde tudo termina, de Derek Cianfrance ****

A estrutura narrativa de “O lugar onde tudo termina” (2013) é a de um melodrama clássico, sendo que o roteiro se permite a algumas vezes a forçar a barra nas coincidências da vida... O grande detalhe diferenciador do filme, entretanto, é a direção vigorosa de Derek Cianfrance, de um virtuosismo cinematográfico excepcional. A antológica abertura do filme já é um excelente cartão de visita – num longo plano-sequência, o motoqueiro Luke (Ryan Gosling) se prepara meticulosamente no seu camarim, sai andando, chega no circo, monta em sua moto e entra direto num globo da morte. A partir daí, Cianfrance mantém um equilíbrio notável entre um pesado drama de atmosfera sombria e cenas de ação de impacto visual sensacional. Nesse último caso, ainda que a abordagem seja realista, a encenação é frenética e detalhista, principalmente nos momentos que envolvem Luke pilotando sua motocicleta. Apesar desse gosto pela ação, Cianfrance também se mostra hábil em desenvolver os complexos relacionamentos humanos da trama (a exemplo do que ele já tinha feito no belo “Namorados para sempre”, contundente obra que dissecava cruelmente um relacionamento amoroso). Outro detalhe importante na força narrativa de “O lugar onde tudo termina” está na sua trilha sonora, repleta de temas de estranhos climas opressivos compostas pelo roqueiro esquisitão Mike Patton (vocalista do Fantomas e do Faith No More), além da presença de canções na mesma linha bizarra – a seqüência, aliás, em que Luke chega nas desertas ruas de uma cidade do interior para assaltar pela primeira vez um banco, embalada por “Che”, uma das canções mais delirantes do Suicide, é daquelas coisas que vão se grudar por um bom tempo no imaginário cinematográfico. E não há como deixar de mencionar o trabalho do elenco, com absoluto destaque para Ryan Gosling, que compõe com sensíveis nuances uma figura carismática e trágica inesquecível.

Jards, de Eryk Rocha ***1/2

Jards Macalé já havia sido protagonista de documentário, “Jards Macalé: Um morcego na porta principal” (2008), obra que tinha um caráter mais convencional e informativo, focando-se numa narrativa biográfica. Já “Jards” (2013) busca uma abordagem mais ousada da figura do músico. Mais que isso ainda: o filme de Eryk Rocha se propõe a ser uma espécie de complemento audiovisual da personalíssima concepção musical de Macalé, em que a tradição e a modernidade se entrecruzam de forma brilhante. Na essência, o conceito do filme é a de ser uma obra de cunho sensorial. A direção de fotografia e a montagem buscam um registro sutil e silencioso, enfatizando mais o caráter taciturno e de ironia amarga do seu “personagem” principal. Há muita iluminação estourada, closes no rosto de Macalé, enfatizando os gestos e expressões faciais do músico na interpretação de alguns de suas principais composições ou nas imagens de seu cotidiano. Mesmo quando imagens de arquivo aparecem, elas são apresentadas sem narração ou explicações, emulando algo como se fossem memórias aleatórias de Macalé. Esse desprendimento em não precisar um contexto histórico entra em sintonia com a própria persona e arte fora do tempo e do espaço de Macalé. Rocha não se prende a uma objetividade óbvia, sendo que sua visão é subjetivista no olhar de fascinação e um tanto misterioso sobre a figura do músico, o que também pode se explicar pelo fato do pai de cineasta, Glauber Rocha, ter tido várias parcerias artísticas com Macalé. A junção de todas essas nuances constituem uma das produções documentais mais instigantes a retratarem um músico brasileiro.

Antes da meia-noite, de Richard Linklater ****

Há uma coerência artística na relação de “Antes da meia-noite” (2013) com as obras que o precedem, no caso “Antes do amanhecer” (1995) e “Antes do pôr-do-sol” (2004) que corresponde à coerência com a própria vida. Se no primeiro filme havia um certo deslumbramento juvenil e natural com o amor romântico, na sequência seguinte vinha à tona a amargura emocional decorrente da maturidade. Nessa obra mais recente, o diretor Richard Linklater muda a tônica de acordo com o momento histórico do casal Jesse (Ethan Hawke) e Celine (Julie Delpy) – não é por acaso que o roteiro do filme traga contribuições pessoais dos próprios atores baseadas em suas experiências existenciais. Os dilemas e conflitos apresentados já são outros, aqueles típicos de um par que convive há anos. Assim, detalhes do cotidiano, ressentimentos mal dissimulados e até mesmo insatisfações sexuais se revelam tão, ou mais, reveladores do que declarações de amor incondicional, o que leva a obra a um novo e perturbador elemento: o cinismo. Uma temática de tal conotação complexa e pouco idealizada ganha um tratamento formal sofisticado e preciso: passa pela verborragia típica de Eric Rohmer, com diálogos aparentemente prosaicos que na verdade revelam um subtexto repleto de sutilezas; traz influências daquele Ingmar Bergman especialista na exposição com crueza das mesquinharias dos relacionamentos humanos (cujo exemplar mais expressivo é a obra-prima “Cenas de um casamento”); e evidencia um estilo de filmar simples e objetivo, com muita câmera-de-mão, mas que traz um apuro estético impressionante e que se mostra em sintonia com o espírito naturalista da narrativa. A conclusão de “Antes da meia-noite” é a coroação exata das escolhas temáticas e formais de Linklater – o tom entre o irônico e o crepuscular é dúbio, podendo tanto marcar o ponto final para a saga sentimental de Jesse e Celine quanto possibilitar um quarto filme daqui a nove anos para marcar nova etapa da vida deles. Ou seja, uma ponta solta, pois nem tudo na vida termina de forma bem resolvido...

Segredos de Sangue, de Chan-sook Park ****

Na maioria das oportunidades, quando um diretor de fora dos Estados Unidos resolve estrear em algum grande estúdio norte-americano acaba tendo o seu estilo pessoal alterado para se tornar acessível para padrões mais convencionais. No caso do cineasta sul-coreano Chan-wook Park em “Segredos de sangue” (2013), entretanto, o que ocorre é a perversão de elementos tradicionais de acordo com as concepções artísticas do diretor em questão. A trama do filme traz vários preceitos e clichês inerentes ao gênero do suspense: mistérios, reviravoltas, violência. Só que nas mãos de Park tudo isso acaba ganhando uma dimensão bastante particular. A atmosfera da narrativa tem uma conotação um tanto atemporal, fazendo com que se remeta a algumas produções ocidentais típicas dos anos 70 na área do terror e do suspense. Park imprimi um rigor estético de plasticidade admirável – enquadramentos e os tons esmaecidos da iluminação geram um efeito visual de beleza inextricável, em que até o sangue tem uma estranha função pictórica. Por outro lado, o clacissismo da montagem não implica em um academicismo previsível; na verdade, tal edição de poucos e elegantes cortes valoriza as nuances do roteiro, em que as idas e vindas de tempo realçam a complexidade de situações e personagens. E se obras anteriores de Park como “Old Boy” (2003) e “Lady Vingança” (2005) eram marcadas por uma violência extrema, em “Segredos de sangue” ela está presente em níveis mais econômicos e sutis, mas nem por isso menos impactante. De ressaltar ainda o trabalho primoroso na direção do elenco, com destaque para Nicole Kidman e Mia Wasikowska em interpretações bem mais expressivas que os seus habituais. Diante de um resultado final tão extraordinário, “Segredos de sangue” não apenas reafirma o talento de Park como atiça a curiosidade sobre seus futuros trabalhos em solo norte-americano.

Bullying, de Lee Hirsch **1/2

Pode parecer um pouco de crueldade da minha parte, mas considero que o ponto fraco do documentário “Bullying” (2011) é a sua pegada politicamente correta. Os registros das cenas de agressões moral e física são contundentes na sua crueza, mostrando um retrato lúcido dessa questão. Isso também fica acentuado por alguns depoimentos das vítimas, que evidenciam que as violências que sofrem também são reflexo de uma concepção distorcida daquilo que é considerado como “normal” pela sociedade. As cenas que trazem as reações perplexas das famílias tornam ainda mais impactantes os resultados de tais assédios e violações. Ocorre que por vezes o filme se concentra em um aspecto institucional, divulgando ações de entidades que combatem o bullying, bem como declarações emotivas de pais. É certo que tais iniciativas são louváveis, mas como elemento da narrativa acabam tornando o filme um tanto truncado. Se a produção tivesse se concentrado mais no lado exploitation, dando primazia para as cenas de violência, a denúncia proposta pelo filme teria um caráter mais poderoso na sua capacidade de indignar. Do jeito que ficou, o documentário mais parece um manifesto bem intencionado e asséptico do que o retrato fiel da falta de humanismo de uma época.

Reality - A grande ilusão, de Matteo Garrone ***1/2

Se em “Gomorra” (2008) enveredava por um viés formal de estilo seco e realista, beirando o documental, em “Realiy – A grande ilusão” (2012) o diretor italiano Matteo Garrone apresenta uma estética mais abrangente, mas igualmente contundente. Ao abordar o fascínio popular pelo artificialismo e frivolidade dos reality shows, o cineasta utiliza um registro que tanto se vale de alguns preceitos típicos do neo-realismo quanto de uma caracterização exagerada e grotesca de comédias clássicas como “Feios, sujos e malvados” (1976). O resultado é uma obra que consegue se equilibrar de forma notável entre o drama de caráter quase fabular e a ironia amarga. A direção de fotografia consegue obter contrastes desconcertantes – nas cenas externas na região humilde onde vive o protagonista Luciano (Aniello Arena) por vezes os enquadramentos apresentam soluções visuais belíssimas, que valorizam com sensibilidade a beleza rústica do ambiente de prédios antigos, mas quando a trama se desenvolve nas locações mais “luxuosas” (festas de casamentos, estúdios televisivos) o estilo visual adota um tom algo delirante nas decorações e figurinos de gosto duvidoso. E a própria conclusão de “Reality” acentua esse inquietante misto de atração e repulsa que é a tônica da produção, o que torna a visão crítica de Garrone sobre a sociedade moderna ainda mais aguda.

Muito além do peso, de Estela Renner **1/2

Depois de assistir recentemente a uma obra singular como “Elena” (2012), que se propõe a desconstruir o próprio gênero ao qual pertence, ver um documentário de formatação mais tradicional como “Muito além do peso” (2012) pode gerar comparações injustas. Mas se a produção de Estela Renner não apresentar novidades no campo formal, obedecendo à clássica estrutura de entrevistas e imagens de arquivo, é de se convir que o filme é bastante convincente no seu discurso temático. Ao retratar o problema contemporâneo da obesidade infantil, não poupa o espectador de imagens e histórias fortes. Sua contundência também se expande para uma visão ampla das possíveis causas e das preocupantes conseqüências do crescimento do número de crianças e adolescentes com excesso de peso. Assim, a obra questiona até valores caros da sociedade capitalista e consumista, em que comer alimentos de alta carga calórica pode ser um sinal de status social e em que um número cada vez maior de crianças com doenças como diabetes e colesterol alto também representa maiores lucros para a indústria de alimentos e para as agências publicitárias. Nesse contexto, percebe-se que a intenção principal de “Muito além do peso” não está necessariamente em se tornar um marco estético do gênero documentário, mas sim na conscientização social, sendo que nesse último quesito é inegável que o filme atinge seu objetivo. Eu mesmo nunca mais conseguirei tomar uma lata de Coca Cola sem me vir à mente algumas imagens terríveis do filme...

Depois da Terra, de M. Night Shyamalan **1/2

Confesso que nunca compreendi muito bem todo o oba oba que se costumava fazer em torno do diretor M. Night Shyamaln. Ele até ocasionalmente conseguiu fazer alguns ótimos filmes (“A dama do lago”, “Fim dos tempos”), mas na maior parte da sua filmografia dá para dizer no máximo que ele é um artesão competente, sem conseguir demonstrar um traço autoral em termos formais e temáticos. Tal impressão se confirma em “Depois da Terra” (2013). Não que o filme seja ruim. Dá para sentir algumas boas ideias e conceitos interessantes que de vez em quando aparecem na produção, além das cenas de ação serem bem feitas. Mas nada que vá muito além disso. Inexiste no filme um elemento efetivo de tensão dramática ou alguma sequência que fuja do trivial. Do jeito que ficou, Shyamalan se mostra cada vez mais nivelado aos tarefeiros de plantão de Hollywood.

O grande Gatsby, de Baz Luhrmann **

Na obra original literária, “O grande Gatsby” é uma tradução exemplar das obsessões temáticas de seu autor Scott Fitzgerald. Sua trama refletia como o hedonismo de festa, sexo e álcool típico dos anos 20 escondia um tremendo vazio existencial daquela geração. Assim, num primeiro momento, o fato da versão cinematográfica de “O grande Gatsby” (2013) trazer como diretor o australiano Baz Luhrmann faria um certo sentido. Afinal, a cinematografia do cineasta é marcada por obras visualmente opulentas, beirando o barroco, o que estaria em sintonia com as grandiosas festas dadas pelo protagonista Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio). O resultado final dessa união entre os universos artísticos de Fitzgerald e Luhumann, entretanto, acabou sendo indigesto. Os exageros estéticos do diretor podem passar uma certa impressão de ousadia formal, mas na realidade estão mais para uma fórmula equivocada que por vezes é levada à exaustão (além de eliminar um dos prazeres mais apreciáveis do livro que é a sutileza emocional). A encenação histérica, a fotografia de tons coloridos ostensivos e a edição frenética da primeira metade do filme fazem com que tudo pareça um grande vídeo clip (ainda que a trilha sonora misturando música de época com rap e rock seja uma bela sacada). Essa confusão estilística deve ter cansado até o próprio Luhrmann, pois na metade final o filme ganha uma narrativa mais convencional e amorfa, o que torna a produção bastante descompassada. Mais do que uma versão cinematográfica inferior ao seu original literário, “O grande Gatsby” é um filme que incomoda pelos seus equívocos e irregularidades como cinema propriamente dito.

Siba - Nos balés da tormenta, de Caio Jobim e Pablo Francischelli ***

Para mim, talvez seja fácil gostar de “Siba – Nos balés da tormenta” (2012). Afinal, o documentário tem como protagonista um músico que gosto muito, o que por si só já faria o filme ganhar vários pontos comigo. Mas acredito que haja ainda um pingo de isenção em mim, sendo que assim consigo ver os méritos próprios da obra. Para começar, há a grande sacada da produção se focar de forma primordial sobre a arte de Siba. É claro que se menciona algo sobre a vida do artista, mas relacionando sempre os fatos pessoais com a sua formação musical. Além disso, os diretores Caio Jobim e Pablo Francischelli mostram argúcia narrativa e temática ao focalizar como o ambiente rural e de festas tradicionais do interior de Pernambuco foram influências capitais nas concepções artísticas de Siba. Não só isso: no roteiro do documentário, consegue-se captar com sensibilidade muito da essência estética de Siba – a complementação entre as raízes tradicionalistas com o senso universal propiciado pelo lado roqueiro do músico (e que foi também um dos grandes pontos criativos do Mangue Beat). O documentário não é tão tradicional na sua formatação, pois não apresenta a evolução do músico de forma cronológica. Ainda sim, pode-se conhecer quase todos os passos das mutações do músico, principalmente nas suas colaborações antológicas com o grupos Mestre Ambrósio e Fuloresta, na parceria com o violonista Roberto Corrêa e o recente trabalho solo, “Avante”. E o filme foge do óbvio ao trazer vários momentos em que Siba e seus colaboradores discutem e ensaiam arranjos, harmonia e melodia e buscam até o timbre exato dos instrumentos para cada canção. Ou seja, ao invés da celebração do arrivismo mercenário de “Os dois filhos de Francisco” (2005), há aqui uma verdadeira homenagem à música e ao ato de compor.

Velozes e furiosos 6, de Justin Lin ***

É até admirável a tremenda cara de pau do diretor Justin Lin e roteiristas e produtores de “Velozes e furiosos 6” (2013): o filme é escancaradamente descerebrado, sexista, preconceituoso, ufanista, mal atuado. Só que tudo é tão exagerado e caricatural que a obra beira o surreal. As cenas de ação, por exemplo, não só desafiam as leis da física como no faz imaginar Dominic Toretto (Vin Diesel) e seus asseclas são superdotados – afinal, as coreografias de violência e ação em que se envolvem exigiriam uma rapidez de pensamento excepcional para poder calcular saltos e demais acrobacias. Convenhamos: exigir coerência, originalidade, sensibilidade e inteligência da franquia é meio exagerado. O negócio aqui é ação desenfreada, explosões e perseguições automobilísticas com super carrões e nisso Lin caprichou. Dos filmes da franquia, esse é o exemplar que mais extrapola a verossimilhança, chegando ao limite do cartunesco tamanho o absurdo das encenações de Lin, tanto que os carros competem até com tanques de guerra e aviões em algumas sequências. É entretenimento brutal e escapista, mas efetivamente divertido.

Elena, de Petra Costa ****

Na designação de gênero cinematográfico, “Elena” (2012) estaria enquadrado como documentário. Afinal, a premissa de sua trama consiste no relato de um fato real: a trajetória pessoal de uma atriz e bailarina que se suicidou aos 20 anos. Ocorre que a realizadora do filme é a própria irmã da figura título, e assim sua concepção foge da simples exposição da “realidade”. O viés de Petra é bastante pessoal e autoral – para ela, interessa muito mais a sua impressão personalista, a forma com que as situações da vida de Elena influenciaram sua vida. Nesse contexto, há momentos em que a produção expande as fronteiras do documentário, convertendo-se numa narrativa que beira o delírio e carregada de um simbolismo desconcertante. Em tal viés, a vida de Elena vai sendo exposta em diferentes camadas. Num nível mais intimista, há um lado de evidente admiração no olhar de Petra em relação à irmã, em que Elena é vista quase como uma força da natureza no seu conjunto de beleza, talento e sensibilidade. Mas o filme avança o mero olhar de pura admiração. Aos poucos, uma atmosfera um tanto mórbida e doentia toma conta, onde a depressão de Elena entra em cena de forma devastadora. O filme adquire o aspecto de uma pequena saga familiar, em que o mal psíquico de Elena não só a leva à morte como desperta também os demônios interiores da irmã, fazendo lembrar episódios nebulosos da adolescência da mãe das duas e levando à inquietante dúvida se Petra também não estaria destinada a um destino semelhante. Há ainda um outro lado na forma com que o roteiro pode ser visto, em que o político e o intimo se entrelaçam. Concebida durante a ditadura militar, Elena era filha de perseguidos pelo regime, nascendo na clandestinidade. Quando vai para Nova Iorque, em 1990, aos vintes anos, a procura de novos horizontes para sua carreira artística, coincide com a ascensão de Collor ao poder, e com o isso fim da Embrafilme e, por conseqüência, do cinema brasileiro. É como se os percalços pessoais de Elena fossem a manifestação existencial das agruras do Brasil.

Esse volume impressionante de ideias, referências e impressões recebe um brilhante tratamento formal por parte de Petra Costa (e que lembra bastante o fantástico documentário norte-americano “Tarnation”). Sua base inicial são gravações audiovisuais caseiras, e nisso a diretora foi agraciada pelo fato surpreendente da qualidade de tais registros (alguns deles feitos pela própria Elena) – há belíssimas cenas de danças, depoimentos reveladores da biografada, cenas de brincadeiras, pequenas peças. Petra manipula esse farto material de arquivo numa montagem criativa e de dinâmica extraordinária, casando com uma trilha sonora arrebatadora. A estética de “Elena” é reflexo do já aludido viés pessoal da obra, em que os limites da fantasia e do real por vezes se misturam. Há seqüências em que Petra emula recriações dramáticas da trajetória de Elena, realiza coreografias de danças, até faz filmagens aquáticas. Todo esse subjetivismo da diretora gera uma mutação antológica, em que aquilo que era um drama familiar de alcance aparentemente restrito acabe ganhando uma dimensão épica e se torne referencial.

Nota de rodapé, de Joseph Cedar ***1/2

A combinação cinema e literatura atinge uma insólita síntese na produção israelense “Nota de rodapé”. O filme não é uma adaptação de um livro. A relação entre as referidas mídias ocorre devido à temática do filme, cujos protagonistas, pai e filho de difícil relacionamento, são pesquisadores acadêmicos que lidam com a palavra escrita. A obsessão com tal objeto de trabalho acaba se estendendo para as suas vidas. E é aí que o diretor Joseph Cedar estabelece uma tensa narrativa que se divide com naturalidade entre o humor amargo e o drama contido. Cedar obtém um registro de tons kafkanianos – várias seqüências do filme se desenvolvem em ambientes fechados, escuros e algo sufocantes. A prolixidade dos diálogos em determinadas cenas contrasta de forma contundente com momentos em que predomina um silêncio inquietante. Com precisão, são inseridas trucagens visuais em que as palavras de livros se embaralham com a encenação naturalista. Toda essa concepção estética embala uma engenhosa trama que critica com sutileza e ironia a fogueira das vaidades da vida acadêmica, sem esquecer de ressaltar em pequenas nuances o clima de paranóia e opressão que a sociedade israelense vive na atualidade. As acertadas escolhas temáticas e formais de Cedar acabam coroadas com a bela conclusão do filme, em que os dotes de filólogo de um dos personagens principais ganham um uso desconcertante e fundamental no sentido existencial de “Nota de rodapé”.

Doméstica, de Gabriel Mascaro **

A formatação de “Doméstica” (2012) representa outra tendência que tem se mostrado recorrente no gênero documentário - aquela em que o diretor da obra usaria como matéria-prima imagens gravadas por terceiros, geralmente de caráter caseiro ou amador. A unidade desse material seria dada pela montagem. No caso do filme em questão da Gabriel Mascaro, quem fez tais registros foram filhos de “patrões” a filmarem o cotidiano e impressões pessoais de suas respectivas domésticas. É claro que uma certa unidade conceitual na obra: a de que todas essas pessoas trazem em suas histórias íntimas uma carga expressiva de sofrimentos e desilusões, fruto de uma série de privações materiais e emocionais. Nesse sentido, é inegável que “Doméstica” tenha forte relevância como registro sociológico e humano. Ocorre que como cinema a produção fica devendo. A falta de uma marca mais pessoal na direção de Mascaro faz com que não haja uma coerência formal na maneira com que essas diversas crônicas de rotinas se interligam, o que acaba tornando a narrativa trôpega, irregular. A empatia com o público vem muito mais dos dramas (e eventuais comicidades) em estado bruto de seus protagonistas do que dos méritos artísticos da obra.

Sibila, de Teresa Arredondo ***

Na maioria das vezes, o gênero documentário foi visto como a forma mais objetiva e realista do cinema se manifestar. Por mais que trouxesse uma visão própria de seus autores, essas produções teriam fatos como essência, como matéria-prima. Além disso, seus diretores e roteiristas são vistos como terceiros que guardam alguma distância emocional com a temática focada. Nos últimos anos, entretanto, tal concepção vem sendo posta em cheque por obras documentais que trazem um forte enfoque subjetivo e intimista, em que a impressão pessoal do realizador acaba sendo mais importante que a objetividade dos fatos. Por vezes, os autores de tais filmes até apresentam ligação estreita com os seus protagonistas, acentuando ainda mais esse aspecto de pessoalidade. “Sibila” (2012) é um exemplar expressivo dessa tendência. Tão importante quanto mostrar os motivos que levaram Sybila Arredondo a se juntar ao grupo terrorista Sendero Luminoso e, consequentemente, ser presa é mostrar o impacto que isso teve na vida na diretora Teresa, sobrinha de Sybila, e como a cineasta compreende a situação de sua parenta. Apesar dessa origem temática, o filme está longe de ser apenas um acerto de contas doméstico. “Sibila” não apresenta soluções fáceis para o espectador. Teresa acaba enveredando por um caminho inquietante – em mais da metade inicial do filme, ela capta as impressões de parentes, amigos e conhecidos sobre Sybila, onde cada um dos depoentes tenta encontrar uma explicação para o que ocorreu. Nos momentos finais da produção, foca-se numa longa entrevista com a protagonista. Suas respostas são incisivas, desafiadoras, fundamentadas com uma coerência muito própria. Esse confronto das opiniões de “terceiros” com as ideias de Sybila produzem um contraste desconcertante, que mais instiga do que responde as dúvidas da diretora e da plateia. E o grande mérito de “Sibila” está em justamente enfatizar as complexidades da natureza humana, ao invés do convencionalismo de impor preceitos moralistas e simplificadores. Teressa Arredondo pode não ter conseguido as respostas que queria, mas conseguiu construir uma obra de fôlego peculiar e marcante.

Up!, de Russ Meyer ****

Retrato emblemático das obsessões artísticas do diretor norte-americano Russ Meyer, “Up!” (1976) extrapola a simples curiosidade por filmes bizarros. Por trás de uma estrutura típica de uma obra exploitation, revela-se um filme bastante inquietante em termos estéticos. Meyer revela um ideário confuso e alucinado, que beira o surreal, onde cabe uma sátira política (evidente na figura de um clone de Hitler que aprecia a sodomia), uma vasta coleção de perversões sexuais e estrutura de tragédia clássica (não é gratuita a presença de uma gostosona pelada que comenta as cenas no estilo coro grego). Essa coleção de esquisitices temáticas recebe tratamento formal de criatividade intensa e peculiar. O notável senso de composição cênica, os enquadramentos de tons grandiosos, a frenética montagem e a constante atmosfera de sordidez compõem um todo estético de grande impacto sensorial, milhas adiante da equivocada alcunha de trash, comprovando que poucos diretores tiveram uma assinatura cinematográfica tão personalíssima quanto Meyer.

Sem proteção, de Robert Redford ***

Mesmo não estando no mesmo nível artístico de alguns dos melhores filmes do Robert Redford como diretor (“Gente como a gente”, “Nada é para sempre”, “Quiz Show”), “Sem proteção” (2012) é uma obra que se revela em sintonia com a carreira e a própria persona do cineasta. Redford sempre foi um clássico liberal – tanto nas produções em que dirigiu quanto nos seus posicionamentos pessoais, mostrou uma postura crítica em relação à política dos Estados Unidos, mas sem defender ideais muito radicais. Ou seja, é o rebelde que a família norte-americana (ou até mesmo no resto do Ocidente) gosta. “Sem proteção” é o reflexo claro disso. O filme tem por temática as conseqüências de atos contra a ordem praticados por grupos terroristas nativos durante os anos 60. Apesar do filme ter uma certa postura questionadora de valores, o que fica realmente evidente é uma certa postura desiludida em relação a medidas mais extremas envolvendo violência e morte por parte de alguns membros desses grupos dissidentes, vistas pelo protagonista Jim Grant (Redford interpretando um alter ego) como uma espécie de corrupção e distorção dos princípios de igualdade e fraternidade tão valorizados nos anos 60 pelos movimentos de contracultura. Redford é convencional na formatação de “Sem proteção” ao estruturá-lo como um thriller, mas executa tal concepção com elegância narrativa. É curioso observar ainda que Redford deve permanecer com o crédito alto entre seus pares, pois é impressionante a quantidade de atores e atrizes de renome que aceitaram atuarem em minúsculos papéis de coadjuvantes.

Se beber, não case 3, de Todd Phillips **

Obedecer a uma determinada fórmula narrativa não significa necessariamente algo ruim. Se tal fórmula representar uma premissa interessante e ela for bem trabalhada, o resultado pode ser satisfatório. No caso de “Se beber, não case 3” (2013), ocorre que Todd Phillips procurou fugir da estrutura de roteiro dos dois primeiros filmes da franquia. Essa decisão, entretanto, acaba jogando contra a sua obra, pois retira justamente aquilo que expandia as possibilidades criativas das produções anteriores. Nesse novo capítulo, Phillips usa uma trama que se foca muito mais no gênero policial aventura do que propriamente na comédia, o que acaba descaracterizando muito da essência da série. Aquela combinação personalíssima de humor negro, pastelão e escatologia é jogada de lado em nome da ação desenfreada e genérica com eventuais toques cômicos (na maioria das vezes na pele do insosso Zach Galifianakis). Na realidade, o filme dá uma ideia de cansaço criativo, tanto por parte de Phillips quanto no seu elenco (por vezes, se tem a impressão de desânimo nas atuações de Bradley Cooper e Ed Helms). O engraçado é que a ótima seqüência que aparece depois dos créditos finais dá a impressão de que poderia ser utilizada na realidade como abertura do filme e dali poderia se desenvolver um roteiro interessante e nos moldes das produções anteriores. Poderia ser previsível, mas certamente seria bem mais engraçado.

Holy Motors, de Leos Carax ****

A multiplicidade de personagens interpretadas por um protagonista misterioso (Denis Lavant) é reflexo de um dos aspectos mais intrigantes de “Holy Motors” (2012), que é o fato do seu roteiro compilar mais de um gênero – drama, comédia, ficção científica, fantasia, suspense, horror. O insólito dessa proposta não representa mera aleatoriedade. No meio desse aparente caos temático, o diretor Leos Carax estabelece uma lógica própria e de encanto perturbador. A diversidade de gêneros propicia que Carax se aventure por abordagens formais diferentes que tanto podem se complementar quanto entrarem em choque. É como se o espectador entrasse numa montanha russa sensorial. Se por vezes as situações da trama e a concepção estética enveredam por um visual delirante e pela narrativa de caráter simbólico, em outros momentos a linguagem beira o naturalismo. Assim, a criatividade textual e estilística da Carax é intensa em “Holy Motors”, fazendo com que até mesmo Paris se torne um personagem próprio, com a cidade variando do retrô até uma ambientação onírica e/ou futurista. A desconcertante conclusão da obra, de viés fabular, mais levanta dúvidas do que esclarece a loucura narrativa apresentada. Tal desfecho, entretanto, é coerente com o perfil artístico de “Holy Motors” e acentua ainda mais a visão inquietante do mundo pelos olhos de Carax.

Terapia de risco, de Steven Soderberth ***1/2

Nos seus filmes mais recentes, Steven Soderbergh tem seguido por uma abordagem bem definida. Trabalhando em gêneros delimitados (drama, ação, filmes catástrofes) e usando por base roteiros de tópicos clássicos, o que interessa para o diretor é fazer um exercício estético baseado na concisão narrativa e numa abordagem emocional distanciada. O efeito sensorial é estranho, no sentido de que Soderbergh parece querer desconstruir e esmiuçar os mecanismos de todos esses gêneros em que se aventura. Isso fica evidente também em “Terapia de risco” (2013), obra em que o diretor tem como arquétipo a estrutura do suspense. A trama é bastante engenhosa em seu desenvolvimento –as viradas dramáticas realmente conseguem surpreender. Mas é em determinadas nuances estilísticas que a produção se mostra efetiva em sua transcendência artística – a direção de fotografia repleta de sutilezas de iluminações e enquadramentos, a montagem de encadeamento fluido, os elegantes temas da trilha sonora, a variação de composições dramáticas de seu elenco (é notável como Soderbergh consegue tirar Channing Tatum de forma convincente do seu perfil de galã canastrão).

A visitante francesa, de Hong Sang-soo ***1/2

Há uma sofisticação narrativa na produção sul-coreana “A visitante francesa” (2012) que se esconde atrás da sua enganosa aparência de “amadorismo” formal e ingenuidade temática. Os “zooms” repentinos de enquadramentos e os tons esmaecidos de fotografia na verdade compõem uma obra de dinâmica fluida e de naturalidade admirável. Por vezes, até lembra aquele estilo casual do francês Eric Rohmer, de abordagem de certo distanciamento emocional, que no final das contas mais acentua uma insuspeita ironia. O estranhamento desse formalismo diferenciado encontra ressonância num roteiro que combina habilmente uma encenação naturalista com eventuais passagens de humor quase anedótico e até de um inesperado teor onírico. Essas concepções artísticas personalíssimas do diretor Hong Sang-soo se mostram em sintonia com a extraordinária atuação de Isabelle Huppert, que varia com sutileza entre a contenção dramática e a comicidade discreta.

O abismo prateado, de Karim Aïnouz ***

Em seus dois terços iniciais, pode-se dizer que “Abismo prateado” (2011) apresenta uma concepção formal em sintonias com outras obras anteriores do diretor Karim Aïnouz. Privilegia-se uma narrativa de tons sensoriais – o foco está concentrado muito mais nas reações e expressões da personagem Violeta (Alessandra Negrini, em atuação visceral) do que na explicação dos motivos de suas angústias. Essa opção faz com que haja uma atmosfera tensa e perturbadora para o filme. Aos poucos, as explicações vão surgindo, em pequenos e sutis detalhes do roteiro. Aïnouz revela uma expressiva engenhosidade temática: ao expor as entranhas do intimismo de uma relação amorosa, também evidenciando uma série de questionamentos a valores pequeno-burgueses de suas criaturas. No terço final, a produção toma um direcionamento diverso, quando Violeta conhece uma menina e seu pai, família de origem humilde, o que faz com que ela questione as suas motivações. Tal recurso da trama parece sugerir um desejo de Aïnouz em se aproximar daquele cinema mais sentimental e de valorização do “Brasil profundo” típico das produções de Walter Salles e afilhados. Faz pensar ainda na busca de uma maior acessibilidade em busca da ampliação de seu público. Esse direcionamento acaba tirando muito do impacto de “Abismo prateado”, fazendo temer uma possível diluição do traço autoral de Aïnouz.

Depois de maio, de Olivier Assayas ****

A trilha sonora de “Depois de maio” (2012) é bastante emblemática em relação à própria abordagem temática e estética do filme. Entre tais temas melódicos, prevalece um cancioneiro roqueiro situado entre final dos anos 60 e início dos 70, com enfoque maior para um amálgama de músicas que se situam entre o folk pastoril, o psicodélico e o progressivo. Pois o que se vê na tela é justamente a tradução visual dessa ambiência sonora. Olivier Assayas concebe uma narrativa que se situa num universo quase à parte – as situações de conflitos típicos da época (início dos anos 70, na ressaca do célebre maio de 1968) e os dilemas dos personagens são encenados com uma leveza desconcertante (a trágica morte de Maria, por exemplo, beira o poético). O roteiro tem tintas autobiográficas inspiradas na vida de Assayas, mas há uma ambiguidade intrigante na forma com que a trama se desenrola, pois por vezes o filme beira o fetichismo através de um registro audiovisual que privilegia a idealização, cuja direção de fotografia valoriza o tipo físico jovem e belo de seu elenco principal e também rústicas paisagens interioranas, ao mesmo tempo que a história traz um forte conceito de desilusão com certos ideais políticos e comportamentais. Assim, o olhar de Assayas é marcado pela complexidade e pela ausência de maniqueísmos. A atmosfera nostálgica de uma época em que jovens se metiam efetivamente em conflitos políticos e sociais, buscavam alternativas de vida no campo das relações amorosas e tinham uma vivência mais intensa com atividades culturais se choca com algumas das amargas conseqüências dessa vivência. E é na força dessa dualidade de “Depois de maio” que reside o seu forte impacto sensorial, em que o imaginário do espectador é jogado para dentro do dissoluto espírito de uma época.

A face, de Ruggero Deodato ***

Mesmo lançado numa época em que o cinema de horror italiano começava a dar os seus primeiros sinais de decadência, “A face” (1988) ainda conserva alguma das boas qualidades características daquela corrente cinematográfica. O tema pode ser um tanto batido e a abordagem formal não apresenta qualquer novidade, mas o diretor Ruggero Deodato consegue por vezes impressionar ao elaborar uma perturbadora atmosfera de sordidez e violência na sua narrativa. O filme é um curioso pastiche de determinadas vertentes do terror italiano, revelando principalmente influências das obras giallo de Dario Argento e dos climas macabros e góticos das produções mais expressivas de Mario Bava. O gosto de Deodato por um certo barroquismo exagerado encontra ressonância nos ostensivos temas da trilha sonora concebida por Pino Donoggio e na composição dramática de Michael York no papel do protagonista – por mais que o ator em alguns momentos revele tendências para o canastrão, é inegável que sua atuação over realça os aspectos grotescos de seu personagem.

O último concerto, de Luigi Cozzi **

Num primeiro momento, dá até para pensar que “O último concerto” (1976) representa uma inesperada fuga do diretor italiano Luigi Cozzi do universo dos filmes de gênero. Afinal, não é uma obra de horror, suspense ou ficção científica. Um olhar mais minucioso e a compreensão do momento histórico de sua realização, entretanto, faz com que se perceba que se trata de uma produção de gênero, só que na linha dos melodramas. Afinal, a década de 70 também foi marcada pelo enorme sucesso e influência de “Love Story” (1970). Cozzi mimetiza de forma sincera e desajeitada boa parte dos truques estéticos e emocionais de sua fonte inspiradora: tema musical meloso onipresente, roteiro esquemático (inclusive com direito a um dos principais personagens com uma doença incurável) e sentimentalismo açucarado em doses industriais. O resultado final por vezes é constrangedor no seu teor derivativo e nos golpes sentimentais grotescos. Por seus méritos formais, o filme nunca ultrapassa além do meramente descartável, mas acaba valendo uma conferida por se tratar de uma curiosidade histórica emblemática de uma era.